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Und das soll es jetzt gewesen sein?

Deep Purple

The Long Goodbye Tour

30.05.2017, Barclaycard Arena, Hamburg

Ich habe es mal kurz überschlagen. Vor knapp 46 (sechsundvierzig!) Jahren bekam ich „Deep Purple In Rock“ in die Finger und löste damit bei uns zuhause ein kulturelles Erdbeben aus. Mein Vater legte die ihm damals völlig unbekannte Schallplatte in meiner Abwesenheit auf und… in anderen Kreisen wäre ich vermutlich enterbt worden. Der Schock war riesig und wir kamen zeitlebens nicht mehr auf einen gemeinsamen Musikgeschmack.

Und heute stehe ich mal wieder erwartungsvoll bei einem Purple-Konzert in einer Halle und kann es noch nicht wirklich glauben. Das soll es wirklich gewesen sein? Das Erlebnis mit „In Rock“ war doch gerade eben erst…. Aber die Band hat mit dem aktuellen Album Infinite und dem Titel der Tour ein deutliches Zeichen gesetzt. Das Ende nähert sich zumindest.

Das „Golden-Circle“-Armband!

Während ich beim Status Quo-Auftritt am gleichen Ort noch über die „Golden-Circle“-Karten gelästert hatte, stehe ich zur Feier dieses Ereignisses selber in dem abgegrenzten Bereich vor der Bühne und finde es… eigentlich geil! Hier habe ich doch ein bisschen mehr Platz, kann mich frei bewegen und werde beim Fotografieren nicht ständig angerempelt. Was so ein Armband doch ausmacht 🙂

Monster Truck

Aber jetzt lassen wir es endlich krachen. Und damit sind wir dann auch schon bei der Vorband. Auch hier, wie seinerzeit bei den Rival Sons, hat das Management ein glückliches Händchen bewiesen. Monster Truck aus Kanada spielen eine deutlich an den 70ern orientierte Mischung aus Hard-, Blues- & Southern-Rock. Das macht (mir) unheimlich Spaß, das Set hätte unter anderen Umständen durchaus länger dauern dürfen. Also kommt auch heute ein Name auf meinen Merkzettel. Mal sehen, wann die Monster Truck-Jungs wieder in der Gegend sind.

 

Als dann nach einer kurzen Umbaupause in der nicht ganz gefüllten Halle die Lichter ausgehen und Ian Gillan mit dem sakralen Sprechgesang das brandneue „Time For Bedlam“ einleitet, da sind alle diese Gedanken und Überlegungen vergessen.

Deep Purple

Die Band startet dynamisch, wuchtig, voller Präzision und so geht es für knapp 100 Minuten von einem Highlight zum nächsten. Alle alten Kracher, ob „Fireball“, „Strange Kind Of Woman“, „Bloodsucker“ oder „Lazy“ erwachen erneut zum Leben. Daneben stehen dann aber auch schon die aktuellen Stücke „Johnny’s Band“, „Uncommon Man“, „The Surprising“, „Birds Of Prey“ und „Hell To Pay“.  Für mich geht die Geschichte nahtlos weiter und wenn man diesen Songs Zeit geben könnte… ich glaube auch das wären eines Tages Klassiker.

 

Die Bühne wird dominiert durch eine riesige Videowand, neben Livebildern aus diversen Kameras werden auch immer passende Motive zu den jeweiligen Songs eingeblendet. Unterhalb der Videowand sind die Lautsprecherwände als Eismauern dekoriert, passend zum Design des neuen Albums. Das alles passt optimal zur Musik, nicht effektheischend und trotzdem effektvoll!

Gegen Ende des Konzerts scheint Ian Gillan dann aber Probleme mit der Stimme zu bekommen. Ich beobachte häufig, wie er mit weggehaltenem Mikro deutlich hustet. Als dann im Zugabenteil auch noch „Highway Star“ durch extrem ausgedehnte Improvisationen zwischen Don Airey und Stever Morse übersprungen wird, ist das für mich ein weitere Hinweis darauf. Trotzdem macht dieser Mann einen tollen Job. Mit 71 Jahren  ist vermutlich jedes Konzert für einen Rocksänger eine Art Marathonlauf.

Don Airey war für mich lange Zeit immer „nur“ der Nachfolger von Jon Lord, aber heute Abend haute er ein Keyboardsolo raus, vor dem sich auch Jon Lord verbeugen würde! Ich hätte noch eine halbe Stunde länger zuhören können. Das war ein perfektes „Erkennen-Sie-Die-Melodie“-Solo bei dem ich mit dem Zählen nicht mehr mitkam. Der Höhepunkt war dann „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“! Wenn da noch der blonde Hans auf die Bühne gekommen wäre… mich hätte es nicht gewundert.

Über Ian Paice, Roger Glover und Steve Morse noch extra Worte verlieren? Ich würde Eulen nach Athen tragen. Auch heute erlebte ich sie als perfekte Musiker. Von „alten Männern“ konnte in dem Zusammenhang keine Rede sein!

 

Wie ich am Anfang schon schrieb… ein Highlight jagte das nächste und schließlich kamen dann auch die Songs, die seit Jahren immer zum Ende der Show kommen! Natürlich „Smoke On The Water“ und ganz zum Schluss „Hush“ und „Black Night“.

Smoke On The Water

Ich werde wohl nie im Leben einen meiner ersten Lieblingssongs dieser Band live erleben. „Flight Of The Rat“ hat es, soweit ich weiß, nie auf eine Setlist geschafft. So auch heute nicht und das war dann für mich auch der einzige Wermutstropfen.

Denn ganz ehrlich: nach so einem Auftritt kann es eigentlich noch nicht zu Ende sein…

…in Hamburg sagt man Tschüss
Pressestimmen

Deep Purple in Hamburg: Ein letztes Mal Luftgitarre?
(Quelle: Tino Lange, Hamburger Abendblatt v. 30.05.2017)

Hamburg. "Es hat nie einen coolen Keyboard-Spieler gegeben, außer Elton John", ist einer der zahlreichen launischen Sprüche von Noel Gallagher. Er übertreibt gern, der streitbare Lautsprecher. Deep-Purple-Gründer Jon Lord, gestorben 2012, war nämlich auch cool. Und auch sein Nachfolger Don Airey weiß zumindest, was er tut beim Konzert der britischen Hardrocker am Dienstag in der Hamburger Barclaycard Arena.

Einen Teppich aus Orgelläufen unter das Trommelgedonner von Ian Paice, die Riff-Kaskaden von Steve Morse, die Bassläufe von Roger Glover und die immer noch kernige Stimme von Ian Gillan ausrollen. Und beim Solo "Auf der Reeperbahn nachts um halb eins" und die Nationalhymne einbauen. Ein anstrengender Job mit 68 Jahren.

Die Songs aus den frühen 70ern kommen am besten an

Vielleicht ein Grund, warum die Tour "The Long Goodbye Tour" heißt. Es ist keine offizielle Abschiedsreise, aber man möchte sich wohl zumindest die Option offen halten, falls es die Gesundheit nicht mehr zulässt. Ian Paice musste vor einem Jahr nach einem leichten Schlaganfall das erste Mal in 50 Purple-Jahren Konzerte absagen. Das gibt zu denken. Im Hamburg aber trommelt Paice wie ein Duracell-Hase, beginnend beim Opener "Time For Bedlam" vom neuen Album "Infinite" und dem ersten Klassiker "Fireball" aus dem Jahr 1971. Beeindruckend, was der Mann an den Kesseln abliefert.

Passend begleitet von einer großen Videoleinwand geht es im Wechsel durch altes und neues Material, von "Strange Kind Of Woman" zu "Johnny's Band", wobei natürlich die Songs aus den frühen 70ern Marke "Space Truckin'" am besten ankommen beim übersichtlichen Publikum. Wo andere Hardrock-Pioniere mit vermeintlichen (Scorpions) oder tatsächlichen (Black Sabbath) Abschiedstourneen noch einmal große Arenen füllen, kommen am Dienstag nur knapp 5500 gut aufgelegte Besucher, um vielleicht (!) ein letztes Mal bei "Smoke On The Water" hinten im Innenraum die Luftgitarre aus dem Luftkoffer zu holen.

Sei es drum, sie bekommen nach 100 Minuten, nach "Hush" und einem Bass-Solo von Roger Glover mit "Black Night" das würdige Finale eines schön erdigen, hart rockenden Konzertabends. Am 8. Juli spielt an gleicher Stelle übrigens Elton John. Cool, oder?

Die alten Hardrock-Haudegen lassen es krachen

(Quelle: Gérard Otremba auf Sound & Books)

Das Warten auf „Smoke On The Water“ dauert knapp 80 Minuten. Dann endlich erklingt am 30.05.2017 der berühmteste Gitarren-Rock-Riff aller Zeiten durch die Hamburger Barclaycard-Arena. Das Publikum gerät nicht in Ekstase, schließlich ist die Hälfte davon damit beschäftigt, diesen Augenblick mit ihrem Smartphone festzuhalten, aber selbstverständlich brandet ein frenetischer Jubel aus, als Steve Morse in die Saiten greift. Beste Unterhaltung boten Deep Purple schon vorher.

Der Einstieg in das Hamburg-Konzert der „The Long Goodbye Tour“ ist mit dem monströsen „Time For Bedlam“ von neuen Album Infinite, mit dem Geschwindigkeitsrausch von „Fireball“, dem deftigen „Bloodsucker“ und dem Klassiker „Strange Kind Of Woman“ schlicht spektakulär. Ian Gillan presst, was das Zeug hält, oder seine Stimmbänder mit 71 Jahren noch hergeben, Morse und Keyboarder Don Airey setzen mit ersten Soli Akzente, Bassist Roger Glover und Schlagzeuger Ian Paice, einziges Ursprungsmitglied der Hardrock-Institution, geben Gas.

Von diesem Beginn müssen sich alle erstmal erholen, und so fällt der Mitteilteil des Deep Purple-Auftritts im Vergleich zum Beginn und dem Ende etwas ab. Was schlicht daran liegt, dass die neueren Songs nicht an die Klasse der alten heranreichen. Das ist nicht weiter tragisch, aber „Johnny’s Band“, „Uncommon Man“, „The Surprising“, „Birds Of Prey“ und „Hell To Pay“ sind lediglich gute und solide Deep Purple-Ware. Ausreichend, um die Virtuosität der einzelnen Bandmitglieder zu unterstreichen, aber die Halle zum Kochen bringen sie nicht.

Unterbrochen wird die Passage der neuen Songs von „Lazy“, dessen Orgelintro fast schon zu einer narzisstischen Einlage Aireys gerät. Gillans Gesang ist hier nicht ganz so prägnant wie das Zusammenspiel seiner Kollegen, doch für einen Urschrei reicht es allemal. Nachdem Don Airey seine Fingerfertigkeit an den Tasteninstrumenten zwischen Kirchenorgelpomp und „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“ zur Schau gestellt hat, gelingt dem Quintett ein irrsinnig gutes  „Perfect Strangers“ und bei „Space Truckin‘“, von Gillan mit einem teuflischen Lachen eingeleitet, läuft die Maschinerie zwischen Glover und Paice auf Hochtouren.

Aufgrund der ständigen Gitarren- und Keyboardsoli stehen die beiden ein wenig im Schatten von Morse und Airey, die sich auch während der ersten Zugabe „Hush“ einen instrumentalen Schlagabtausch liefern. Zwischen „Hush“ und dem donnernden „Black Night“ dürfen Glover und Paice dann als Duo den Applaus einheimsen. Die Power bei „Smoke On The Water“ als Höhepunkt vor den Zugaben ist noch da, einzig das Fehlen des besten Deep Purple-Songs „Child In Time“ hinterlässt einen Wermutstropfen. Mal sehen, wie lange die „Goodbye Tour“ von Deep Purple dauert, vielleicht besteht ja noch die klitzekleine Chance, diesen ewigen Klassiker live zu Gehör zu bekommen.

Konzertbericht Monster Truck und Deep Purple - Hamburg

(Quelle: Andreas Lewandowski auf BundUndTon)

Newcomer Retro Rocker "Monster Truck" und Hardrock Veteranen "Deep Purple" in der Barclaycard Arena, Hamburg 30.05.2017. Am Dienstagabend, den 30.05.2017, versammelte sich die Hard-Rock Gemeinde in der Arena in Hamburg. Rund 5.500 Fans hatten die Arena gut gefüllt.

Pünktlich um 20.00 Uhr stürmen die kanadischen Musikern "Monster Truck" auf die Bühne. Während der Drummer der Hamburger Location angepasst im "St. Pauli-Totenkopfshirt" hinter den Drums seinen Platz einnimmt, prügelt der Gitarrist Jeremy Widerman die ersten Riffs von "Old Train" vom ersten Album "Furiosity" (2013) mit nacktem Oberkörper in das Publikum. Genauso energiegeladen kommen die nächsten beiden Songs vom aktuellen Album "Sittin' Heavy" von der Bühne.

Die markige Stimme von Bassist Jon Harvey wird bei "The Enforcer" vom Chorgesang der anderen Bandmitglieder begleitet. Ausgedehnte Gitarrensoli treiben die Songs voran. Dass die Band auch ruhige Songs gut rüberbringt beweisen sie mit dem langsamen Bluesrock-Titel "For the Sun". Im letzten und 8. Song des Sets wird mit "The Lion" der eingängige Riff-Rock zelebriert. Auch wenn "Monster Truck" mit Ihrem Retro Rock nicht wie die nachfolgenden "Deep Purple" Musikgeschichte schreiben werden, sondern eher Elemente der 70er Hard-und Bluesrock solide mischen und daraus knackige Songs machen, hat dieser Auftritt richtig Spaß gemacht und war mehr als ein bloßes Vorprogramm.

Dann kündigt sich der Auftritt von Deep Purple an. Die Fans hoffen natürlich, dass der Auftritt nicht so unterkühlt sein wird wie das auf die Riesenleinwand hinter der Bühne projezierte Bild. Dort sind die Köpfe der Band in Reminiszens zum" Mount Rushmore"-Cover von "Deep Purple in Rock" nun in einen Gletscher gemeißelt. Für diese Besorgnis gibt es aber keinen Grund. Die Band steigt gleich mit "Time for Bedlam" einem neuen Song des aktuellen 20. Studioalbums "Infinite" ein. Dieser Song vereinigt noch einmal all das was diese Band hat groß werden lassen - grandiose Melodieführung - das Wechselspiel von Gitarrensoli und Keyboard / Hammond Orgel auf einem Rhythmusteppich von knüppelnden Drums und virtuosem Bass.

Die Tour steht unter dem Motto 'Infinite' - The Long Goodbye Tour - und ist damit auch bei der Songauswahl eine Werkschau. Mit den 3 folgenden Stücken "Fireball" "Bloodsucker" und "Strange kind of woman" wird auf die wohl erfolgreichste Zeit der Band Anfang der 70er zurückgegangen. Gerade bei "Fireball" und "Bloodsucker" nimmt die Band richtig Fahrt auf. Sämtliche Songs haben ihre Ausdruckskraft nicht verloren. Die Gitarrensoli von Steve Morse werden von Keyboard-Orgien abgelöst und es entwickelt sich ein Duell zwischen Sänger Ian Gillan und Steve. Es folgen diverse Stücke von den neueren Alben, die die Band etwas geruhsamer angeht. Bei dem ausgedehnten Keyboard-Solo beweist Don Airey noch einmal , dass er die würdige Nachfolge von Jon Lord angetreten hat.

Hier wechseln klassische Einsprengsel mit "Auf der Reeperbahn nachts..." um dann in voluminösen Hammond-Kaskaden zu enden. Mit "Perfect Strangers" geht es dann in die rasante Endphase des Konzerts. Mit dieser Hymne hatte die Band mit der wechselvollen Geschichte eine neue Hochphase eingeleitet als sich 1985 die legendäre, sogenannte MK II Besetzung erneut formierte. Bei den letzten beiden Stücken kommen dann die Fans der ersten Stunde wieder auf Ihre Kosten. Mit "Space Truckin' und dem legendären "Smoke on the Water" beweisen Deep Purple Ihre Durchschlagskraft und reißen das Publikum förmlich mit.

In der Zugabe werden die Stücke "Hush" und die damalige Single "Black Night" durch ein Zwiegespräch zwischen Bassist Glover und Drummer Paice verbunden, bei dem Glovers virtuose Bassläufe vom hämmernden Schlagzeug des Ian Paice unterlegt werden. Am Ende sind die Fans hochzufrieden und hoffen, dass es sich bei dem Auftritt tatsächlich um eine "Long Goodbye" und nicht um ein "Last Goodbye" für Hamburg gehandelt hat. Die Vitalität der Band spricht jedenfalls für ein Wiedersehen.

 

 

 

Deep Purple – Infinite (Large Box-Set) (p) 2017

Unendlich?? Unendlich gut!!
Also: ich werde hier nicht auf die Songs eingehen, ich werde nicht über das Fehlen von Ritchie „Strumpfhosen“ Blackmore jammern… ich will nur ganz kurz(?) das Feeling wiedergeben, mit dem ich heute das inFinite-Large Box Set ausgepackt und aufgelegt habe. Kurzer Sprung zurück: vor knapp 45 Jahren hielt ich „In Rock“ in den Händen und war nach den ersten Takten(?) von Speed King elektrisiert. Und dann das Cover… in Stein gemeißelte Götter (okay, ich war erst 13 Jahre alt!) des harten, progressiven Rock.
Und heute kommt mit der Post dieses Riesenpaket und ich sehe die in Eis erstarrten… nein, es sind keine Götter mehr… Gesichter dieser großartigen Musiker und höre den Sound von vor 45 Jahren: die wabernden und dröhnenden Keyboards, eine melodisch-jaulende Gitarre, hämmernde und swingende Drums, den pulsierenden Bass und lediglich der (immer noch unverkennbaren) Stimme des Sängers merkt man die vergangenen Jahre an.
Das ist aber in keiner Weise negativ gemeint… jeder Satz, jede Phrasierung sitzt und kommt auf den Punkt. Hier erzählt ein reiferer Mann Geschichten, die das Leben geschrieben hat. Der wütendende und zornige „Jesus Christ Superstar“ gehört schon lange der Vergangenheit an, Ian Gillan hat seine Stil angepasst und es passt wie Dein Paar Lieblingssneaker.
Ich lasse mich für eine dreiviertel Stunde zurückfallen, genieße den Jameson und Bilder aus den vergangenen Jahre ziehen vorbei. Und wenn dies wirklich die letzte Scheibe sein sollte, dann ist das ein absolut würdiger Schlussakkord… verglichen mit dem Müll, den ich eben auf Vox bei der Echo-Verleihung gesehen habe, eine wahre Offenbarung.
Aber so wirklich mag ich es nicht glauben. Vielleicht folgt ja doch noch ein wirklich wahres letztes Album?? Und jetzt beginnt gerade „Roadhouse Blues“, ich muß Schluss machen und die „Live Tapes“ auflegen. Habe ich noch etwas vergessen? K a u f e n !! Diese Scheibe verdient alle Sterne der Welt!

Rolle rückwärts in die Zukunft?

Rival Sons

Teatro Fiasco-Tour

26.02.2017,  Docks, Hamburg

Mittlerweile ist es drei Jahre her, das ich bei der besten Band der Welt eine Vorgruppe sehen durfte, die mich mehr oder weniger aus den Socken gehauen hat! Seitdem habe ich mir von den Rival Sons alle Alben besorgt, selbstverständlcih in Vinyl.

Weshalb Vinyl? Abgesehen davon, das Schallplatten einfach schöner als CDs sind… diese Band muss man auf Vinyl hören!
Auf Laut.de ist in diesem Zusammenhang zu lesen: „Rival Sons sind im Grunde das Musterbeispiel für Retro-Rock: Led Zeppelin mit Deep Purple-Orgel und schwere Black Sabbath-Riffs, garniert mit ein wenig psychedelischem Geschwurbel. Angestaubt klingt allerdings anders!“

Nachdem die Band den Support für die Black Sabbath-Abschiedstournee hinter sich gebracht hatte, ging es auf auf die Teatro Fiasco-Tour und gottseidank führte diese auch nach Hamburg.

Howie Pyro at work!

So stand ich dann rechtzeitig im Docks und suchte mir dort einen Platz in der Nähe des Mischpults. In dieserkleinen Location kann man auch vom Mischpult perfekt sehen. Direkt hinter dem Mischpult bemerkte ich einen langhaarigen Späthippie, der auf zwei Turntables 45er-Vinyls auflegte! Ein richtige DJ, kein Scratchen oder Dancefloor… nein: richtiger Rock’n’Roll aus den 60ern! Rauh, wild, frech und relativ unbekannte Nummern. Dieser DJ war damit schon Teil des Konzertes bzw. des Programms, wie Rival Sons-Frontmann Jay Buchanan später mitteilte.

Derrick Brown

Denn im Anschluß an die Konserven-Musik gab es auf der Bühne Poetisches zum Auftakt. Der wesentlich jüngere Derrick Brown gab, begleitet von Hubschraubergeräuschen und Synthieklängen eine Lesung. Dabei ging einiges am Publikum vorbei, trotzdem gab es keine Pfiffe.

Und dann gab es was auf die Ohren!
Rival Sons

Mehr nach dem Geschmack der Fans waren dann die Headliner. Mit den Klängen von Ennio Morricones „The Good, The Bad & The Ugly“, kam die Band auf die Bühne und starteten mit dem ersten Teil des Titelsongs ihrer aktuellen Platte „Hollow Bones“ auch gleich krachend los. Mit „Tied Up“ und „Thundering Voices“ wurden dann noch zwei Stücke des neuen Albums nachgeschoben.

Wenn die Italo-Western-Hymne nicht schon ein Hinweis gewesen wäre… Lightshow und Equipment machten deutlich, an welcher Ära sich die Rival Sons orientieren. Viel mehr „Vintage“ in Sachen Bandausstattung dürfte kaum drin sein als Gibson Firebird-Gitarre, Fender Jazz Bass, Orange- und Ampeg-Verstärker, ein Gretsch Drumkit sowie Tasteninstrumente von Hammond – und genau das hört man den Jungs aus Kalifornien auch an. Was da brachial aus dem Boxen klang, war und ist feinster Blues- und Garage-Hardrock mit einem deutlichen 1970er Jahre-Einschlag.

Wenn ich mich so umschaute, dann hatte auch ein Teil des Publikums dieses Jahrzehnt am eigenen Leibe miterlebt und feierte dementsprechend die kompromisslosen Riffs, die Gitarrist Scott Holiday und Tieftöner Dave Beste  raushauten.  Dazu der mächtige  Wumms von Drummer Mike Miley. Über allem schrie, weinte, stöhnte und brüllte die markante Stimme von Jay Buchanan, der den Songs mit seinem mächtigen Organ das gewisse Etwas verlieh. So ähnlich müssen sich damals die jungen Doors, Led Zeppelin und ja, auch Deep Purple angehört haben.

Ich konnte mich fast zurückversetzen in irgendeine Konzerthalle der frühen bis mittleren 1970er. Der erdige, bluesige Rock der Rival Sons wirkt wie aus einer anderen Zeit, ohne dabei jedoch nur Kopien zu präsentieren. Das liegt unter anderem auch an dem aktuellen Sound des bärtigen Tourkeyboarders Todd E. Ögren-Brooks, der  mit den  eingestreuten Synthesizereffekten dem Ganzen eine modernere Note verpasste.

Mit der vom Publikum gefeierten Version von „Torture“ brachen dann so langsam die Dämme. Buchanan hatte uns Fans überflüssigerweise gefragt, ob wir bereit für die Party wären… von da an bebte das Docks!

„Open My Eyes“ und „Torture“ wurden lauthals mitgesungen und nach dem finalen „Keep On Swinging“ war meine Stimme weg. Feierabend. Schluss, aus und fertig!

Mehr ging nicht, obwohl… ich hätte so gerne noch „Good Things“ gehört!

Aber diesen Gedanken brauchte ich nicht zu Ende denken, denn das war’s. Es gab keine Zugabe! Das wäre dann wirklich ein Punkt, wo die Jungs von den alten Rockhelden noch etwas abgucken könnten!

… this ist the end my friends!

Zum Abschluss des ansonsten sehr gelungenen Abends holte die Band ihr ungewöhnliches Vorprogramm noch einmal auf die Bühne und stellte sämtliche am Tourbetrieb beteiligten Leute vor, bevor sie unter donnerndem Applaus die Bühne verließen.

Pressestimmen
Konzert-Tipp

Rival Sons: Die Söhne der Väter des Rock im Docks

(Quelle: Tino Lange, Hamburger Abendblatt vom 24.02.2017)

Auch wer nicht so vertraut mit den Rivals Sons ist, konnte den vier Hard­rockern aus Long Beach (Kalifornien) in den vergangenen Jahren kaum aus dem Weg gehen. Wenn Black Sabbath, Deep Purple, Scorpions oder Judas Priest durch die Lande zogen, konnte man sicher sein, dass die Band im Vorprogramm Rival Sons heißt. Und ein paar Monate später bei den eigenen Clubshows, etwa am 26. Februar im Docks, findet sich vielleicht mancher Gast ein, der mehr von den Kaliforniern sehen und hören möchte.

Sehr langsam, aber sehr stetig sind die Rival Sons zu einer festen Zwischengröße geworden, die in jedem Club, von Gruenspan über Uebel & Gefährlich und Mojo Club gut ablieferte. Sie haben keinen Hit, aber sie haben zwischen 2009 und 2016 fleißig fünf Alben veröffentlicht und bewegen sich zumindest in Deutschland und Großbritannien in Top-20-Regionen. Und während die letzten Takes einer Platte noch abgemischt werden, hasten die Sons auch schon wieder mit leichtem Gepäck und schwerem Gerät zum Tourbus.

Viel Aufwand für den Applaus. Robin Everhart, kein Wrestler oder Pornostar, sondern Bassist der Band bis 2013, konnte diesen steinigen Weg nicht mehr mitgehen und verließ die Combo, für ihn ist Dave Beste zu Sänger Jay Buchanan, Gitarrist Scott Holiday und Schlagzeuger Mike Miley gestoßen. Am Sound hat sich dadurch nichts geändert.

Die Rival Sons waren schon auf den ersten Alben "Before The Fire" (2009) und besonders bei "Pressure & Time" (2011) ein Thermomix für Blues- und Hardrock der 60er- und 70er-Jahre und sind es auch auf der aktuellen Scheibe "Hollow Bones" (2016) geblieben. Einflüsse von Led Zeppelin, Free, Cream, Deep Purple und Doors sind die Hauptzutaten, fein abgestimmt mit Glamrock und Soul, kräftig erhitzen und umrühren. So entsteht dann ein Song wie "White Noise" mit Riffs, die flackernd irrlichtern wie LSD-inspirierte "Beat-Club"-Fernseheffekte, Drum-Geprügel im Geiste von Led Zeps John Bonham, hallendem Gesang und – trotz allen Donners – der einnehmenden Melodiösität von Cream.

"Cock Rock" (Schwanzrock) hätte man das vor Jahrzehnten noch genannt. Jenes Etikett, das eigens für Led Zeppelin erfunden wurde. Das Röhren, Schreien, Stöhnen, Flüstern, die offensiven Posen und Gesten, die Selbstdarstellung, das findet sich auch bei den Rival Sons wieder: "Hot lady, hot lady, you're my sexy girl. Hot lady, gonna take you the promised land", verspricht Jay Buchanan in "Elec­tric Man". Das Hemd ist offen bis zum Bauchnabel, mehrere Halsketten baumeln im Takt. Mike Miley zeigt kleine artistische Kunststückchen mit seinen Trommelstöcken. Scott Holiday wippt auf hohen Absätzen und verzieht das Gesicht wie bei einer rektalen Zahnoperation. Tour-Keyboarder Todd E. Ögren-Brooks entlockt seinen Tasten das Kreischen gepeinigter Seelen aus der Hölle. Bassist Dave Beste steht rum.

Das hat man alles schon tausendfach gesehen und gehört. Aber es wird immer funktionieren. Weil es laut ist. Weil selbst leisere Songs wie "Face Of Light" irgendwann laut werden. Alle Regler hoch, durchstarten und abheben.

Versprochen ist versprochen!

Gotthard
25th Anniversary-Tour

14.02.2017, Markthalle, Hamburg

Mittlerweile ist es fast neun Jahre her, da erlebte ich Gotthard als Support bei Deep Purple auf deren 40th Jubilee-Tour.

Bereits damals hatte ich mir vorgenommen, diese Band noch einmal als Headliner zu sehen. Das es dann solange dauern würde  und es damit auch Gotthards 25th Jubilee-Tour wäre, das konnte ich nicht ahnen. Die Zeit vergeht halt schneller als man denkt. Für die eingefleischten Fans dieser Band trat in der Zwischenzeit ein tragisches Ereignis ein. Der damalige Sänger Steve Lee starb 2010 bei einem Autounfall und seit 2011 steht daher Nic Maeder am Mike.

Alles das hatte ich mir vor dem Konzert angelesen und war durch das tolle neue Album „Silver“ richtig neugierig.

So stand ich dann an einem saukalten Februarabend in einer Schlange, die fast bis zur Amsinckstrasse ging, und wurde langsam in die proppevolle Markthalle und dann fast bis vor die Bühne geschoben.

Pretty Maids

Dort startete der Abend mit den Pretty Maids, den „Hübschen Mädchen“. Die heißen Rock-Bräute entpuppten sich als dänische Hard-Rock-Band, deren Gründungsmitglieder Kenneth Hansen („Ken Hammer“) und Paul Christensen („Ronnie Atkins“) sich bereits vor 35 Jahren nicht nur den englischen Bandnamen, sondern auch  sich selber englische Künstlernamen verpassten, um auch außerhalb ihrer Heimat Erfolg zu haben . Der Plan ging  offenbar auf und auch wenn man den „Jungs“ das Alter ansieht, die Musik geht wirklich gut ab. Sicher nichts Überraschendes oder Innovatives, aber mit der Dose Bier in der Hand und ein paar Kumpels kann man mit diesen Mädchen eine Menge Spaß haben.

Heute war aus dem nahen Dänemark eine ganze Kolonie dänischer Fans in die Markthalle gepilgert, die von „Ronnie Atkins“ begrüßt wurden. Mit dieser Band, angefeuert durch die dänischen Fans, kann als Support für Gotthard nichts schief gehen.

Pretty Maids

Die Musik ist hart, laut und geht voran. Ehrlicher Rock halt. Die Pretty Maids leben Rock´n Roll und deren Fans lieben sie dafür. Frenetischer Jubel.

Und dann kommen Gotthard. Vor dem Schlagzeug steht jetzt in großen Lettern der Schriftzug „Silver“ und „flüssiges Silber“ scheint von den Boxen zu tropfen.  Die Musik von Gotthard, das ist schnörkelloser Classic Rock. Fast in einer Liga mit Whitesnake oder Bon Jovi.

Gotthard

Es beginnt mit dem Titelsong vom neuen Album und die Party nimmt Fahrt auf. “Hush” bereits im ersten Drittel als Reminiszenz an ihre Vorbilder Deep Purple. „Stay With me“ und „Mountain Mama” folgen.  Gotthard wissen was zur Show gehören muss: Rudelrock, Gitarre-über-Kopf spielen, Gitarren-Solo. Und natürlich das typische Posen. Gegenüber 2008 scheinen sie sich damit aber etwas mehr zurückzuhalten…

Und sie können natürlich auch Balladen. Drei akustische Stücke im Mittelteil nehmen etwas das Tempo heraus und gönnen den Fans die teilweise benötigte Pause!

Der Balladenteil:
„One Life, One Soul“

Vor dem Zugabenteil dann das obligatorische(?) Drum-Solo,

Apropos Drum-Solo!  Drumsolos sind ja wirklich nicht jedermanns Sache. Heute war es aber aus einem besonderen Grund erwähnenswert.

Mir war schon die ganze Zeit aufgefallen, dass der Drummer vom Blatt spielte. So etwas hatte ich auf einer Rock-Bühne bisher nie bemerkt. Die Erklärung folgte daher durch Nic Maeder!

Dani Löble:
Vom Blatt gespielt!

Der etatmäßige Drummer von Gotthard, Hena Habegger, war kurz vorher krankheitsbedingt ausgefallen. In einer nur sechstägigen Einspielzeit hatte es der Helloween-Drummer Dani Löble geschafft, sich alle Songs der Gotthard-Setlist anzueignen, um seinen Kumpels aus der misslichen Lage zu helfen.

Keiner in der Halle hätte vermutlich einen großen Unterschied zu den original getrommelten Versionen gehört. Das war eine ganz starke Leistung!

Als Zugabe gab’s dann noch „Standing in the Light“ und „Anytime Anywhere“ und damit wurden wir schließlich in die kalte Hamburger Nacht entlassen. Und wenn ich ehrlich bin… der Wechsel aus der heißen und stickigen Markthalle in die frische Hamburger Nachtluft tat trotz des tollen Konzerts richtig gut!

 

 

The Beginning Of The End…?

Status Quo

10.11.2016, Last Night Of The Electrics-Tour 2016, Barclaycard Arena, Hamburg

Musikalische Früherziehung sah bei uns vor zig Jahren so aus, dass wir mit unseren Söhnen, kaum dass sie alt genug waren, ein Open-Air-Konzert besuchten. Im Stadtpark in Hamburg sahen wir gemeinsam Status Quo. Ich bin nach wie vor der Meinung, es kann für Kinder als Einstieg in die Rockmusik schlechtere Bands geben.

Als Status Quo dann im letzten Jahr bekanntgaben, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen werden, war es deshalb fast sofort klar, dass wird ein Familienausflug.

Und mit Uriah Heep als „special guest“…, aber das ist wieder eine andere Geschichte.

Die Barclaycard-Arena war nicht ganz ausverkauft und trotzdem kamen wir nicht nach vorne an die Bühne. Hier war ein knapp 20m tiefer Bereich vor der Bühne den Inhabern einer sogenannten „Gold-Circle“-Karte vorbehalten. Wir leben in seltsamen Zeiten… früher standst Du direkt an der Bühne, wenn Du schneller als die anderen Fans warst. Aber früher war auch mehr Lametta.

So standen wir direkt an der Grenze zu „Gold-Circle“ und hatten auch dort eine tolle Sicht und viel Spaß!

Suchbild… 🙂

Da Rocka & Da Waitler

Es begann pünktlich um 19:00 Uhr mit dem bayrischen Rock/Folk Crossover Duo „Da Rocka & Da Waitler“. Ich kannte die beiden bereits aus dem Netz, die meisten Hamburger waren offenbar etwas überfordert von dieser eigenwilligen Mischung: E-Gitarre, Akkordeon und Schlagzeug. Die Musik? Irgendwo zwischen Hard-Rock und Bierzelt. Die Jungs gaben sich wirklich Mühe, aber ob es an deren Nervosität oder dem Publikum lag, irgendwie zündete der Funke nicht. Ich nahm mir aber vor, die Band im Auge zu behalten. Und im Mai 2017 spielen sie in Lübeck: da gehma steil! (Songtitel!).

Da Rocka & Da Waitler
Irgendwie anders und doch cool

Uriah Heep

Und dann kamen Uriah Heep: starker Anfang mit „Gypsy“ und es ging Schlag auf Schlag weiter. Ob „Stealin“, „Sunrise“. „Easy Livin‘“ oder das relativ neue „One Second“ (vom 2014er-Album „Outsider“)… die Songs kamen richtig gut rüber. Den einzigen Durchhänger gab es nach meiner Meinung mit „The Law“, nicht sooo eingängig und für die meisten Konzertbesucher unbekannt. Zur Band selber braucht man eigentlich nichts mehr erzählen. Der Sound der 70er wird gnadenlos frisch gehalten: die dröhnende Hammond, die wimmernden Gitarrenläufe und der mehrstimmige Gesang waren schon immer ihr Markenzeichen und sind quasi die melodische Seite des Hard-Rock. Der „Neue“ am Bass, Davey Rimmer, scheint sich gut hineingefunden zu haben und Sänger Bernie Shaw ist seit fast zwanzig Jahren noch immer noch eine Rampensau. Fairerweise muss man aber auch sagen, den alten Recken sieht man die Jahre auch an. Mit „Lady In Black“ gab es dann (wie immer?) den krönenenden Abschluss. Egal, ich fand den Auftritt insgesamt gut und werde mir sicherlich auch noch mal eine Solo Tour besuchen.

Status Quo

Und damit sind wir beim Headliner des Abends. Status Quo gaben kürzlich bekannt, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen. Nach dieser Europa-Tournee wird es keine weiteren Electric-Tourneen der legendären Band mehr geben. Das war für uns der Grund, noch einmal tief in die Tasche zu greifen und mit der gesamten Familie anzurücken. Dass sich Rick Parfitt nach seinem Herzinfarkt am 14. Juni in der Türkei und den nachfolgenden Komplikationen dann aus der Band verabschiedete, war und ist traurig und ich bin mir nicht sicher, ob ich danach noch Karten besorgt hätte.

Status Quo 2016

So feierten wir mit rund 8000 Fans den Abschied vom typischen Status Quo-Gitarrensound. Es ging (wie immer) los mit „Caroline“ und dann wurde ein Feuerwerk von Hits abgeschossen, die jeder kannte und fast jeder mitsingen konnte. Francis Rossi spulte die Show routiniert ab, viele Ansagen kamen mir noch vom letzten Mal bekannt vor, und der Rest der Band ist sowieso über jeden Zweifel erhaben. Mit Richie-Paddy Malone hatte die Band einen akzeptablen Ersatz an der Gitarre für eigentlich unersetzbaren Rock Parfitt gefunden. Die Gesangparts übernahm deshalb John „Rhino“ Edwards. Und dass waren dann für mich auch die Momente, wo Status Quo irgendwie nicht mehr wie Status Quo klangen. Höre ich da jemanden „Status-Quo-Coverband“ murmeln… Na ja…

Alles in allem hat es aber wirklich noch einmal Spaß gemacht. Trotzdem war es für mich auch ein Abschied von dieser Band. Diese Tour wird zweifellos das Ende einer Ära bedeuten, wenn Status Quo sich von dem andauernden Tourleben verabschieden. Seit ihrem ersten Chartserfolg 1967 ist die Band trotz wechselnder Besetzungen zu einer wahren Ikone und einem der einflussreichsten Rock-Acts geworden. Die Garanten für diesen Erfolg waren meiner Meinung nach aber immer Rossi und Parfitt.

Francis Rossi
Ratlos oder voller Ideen? Wir werden es sehen!

Wie schrieb eine Zeitung: „Die Musikwelt wird nicht mehr dieselbe sein, wenn sich der aufgewirbelte Staub gelegt hat von der “The Last Night Of The Electrics” Tour.“ Aber schaue schauen wir mal, wie sich die akustischen „Quo“ entwickeln werden.

Bye, Bye, Bye-Bye…
Pressestimmen

Status Quo: Furioser Abschied von E-Gitarren

(Quelle: Kristina Bischoff/NDR.de)

Dass ein ausdauerndes Rock'n'Roller-Leben auch an Größen wie den Status Quo nicht spurlos vorbei geht, belegt die aktuelle Tour der Kult-Rocker aus Großbritannien. "Last Night Of The Electrics" betitelt, nimmt Bandbegründer Francis Rossi darin Abschied vom E-Gitarrenspiel. Aus gutem Grund: Am Morgen danach tue ihm einfach alles weh, meint er. Arme, Beine und auch der Hals sei wund. Wo er ursprünglich vorhatte, zum Jahresende ganz aufzuhören, wird die Band künftig "nur" akustisch spielen. Bevor es soweit ist, haben es Status Quo und gut 8.000 Fans in der Barclaycard Arena noch mal richtig krachen zu lassen.

Wer braucht schon Deko?

Um kurz nach 21 Uhr geht es endlich los. Das Saal-Licht senkt sich, eine Art Fanfare schallt durch die Halle, bis die fünf Männer von Status Quo lässig ihre Bühne betreten. Die ist schlicht ausgestattet: vier weiße Gitarrenverstärker links, Schlagzeug und Keyboard auf einem Podest darüber, unter dem Bühnendach Stahlstreben für das Farblicht und eine dicke Verstärkeranlage. Das war's. Hier steht die Musik im Vordergrund. Oder aber Bandleader Francis Rossi. Der Zopf des drahtigen Londoners ist ab, die Haare trägt er nun kurz und grau, seine Figur ist schmal und sein Bühnenlook klassisch. In weißen Hemd, schwarzer Hose und Weste hat er seine knallgrüne Telecaster fest im Griff und schlägt die ersten Akkorde an.

Mit "Caroline" geht es in die erste Runde. Das Publikum macht sofort mit, reagiert per Kopfnicken und Mitklatschen. Zweifellos - ihr stürmischer Boogierock macht wirklich gute Laune. Und die wird noch mehr, als "The Wanderer" ertönt. Dann hat Bassist Rhino Edwards seinen Auftritt: Er übernimmt die Gesangsparts des kürzlich ausgeschiedenen Rick Parfitt. Der Partymacher der Band hatte im Juni einen bösen Herzinfarkt erlitten und verkündete vor gut zwei Wochen seinen Ausstieg.

Paddy stellt sich vor

Nach dem Ausstieg Rick Parfitts mussten Entscheidungen getroffen werden: Strafe zahlen und Fans enttäuschen - oder einen adäquaten Einsatz finden. Die Band entschied sich für Letzteres und engagierte Richie-Paddy Malone. Der junge, blonde Gitarrist aus Irland mit dem Kindergesicht bedient zwar noch nicht das Gesangsmikrofon, weiß aber, seine Power-Chords an der Gitarre kraftvoll zu schrubben. Und hat offensichtlich Spaß mit dem Stamm der Band aufzutreten.

In Hamburg ist es nur draußen kalt

Der Band-Stamm ist aber auch sehr unterhaltsam, verbreitet mit lustigen Anekdoten gute Laune im Publikum. So lässt Frontmann Francis Rossi alle wissen, dass es schön sei, wieder in Hamburg zu sein. "Wir mögen Hamburg und Deutschland. Im Unterschied zu England ist es bei Euch nur draußen kalt. Bei uns setzt sich die Kälte in den Häusern fort", quasselt er sich in Fahrt, um dann zum ersten Medley überzuleiten - und später zu verraten, warum Status Quo so gerne diese Song-Zusammenstellungen spielt: "Man schmeißt zusammen, was in der Summe weniger langweilig klingt".

Das ist schamlos untertrieben: "Anniversary Waltz" oder "Roadhouse Medley" heißen ihre Vermischungen, in denen sie abwechselnd keltisch ausgelassen abrocken oder derbe Stampfer auf ihre Fans loslassen - so wie in dem Potpourri mit den Songs "What You're Proposing", "Down the Dust Pipe", "Mountain Lady" und "Balls of Fire".

Sie können auch Art-Rock aus Bielefeld

Doch Status Quo kann auch auch anders und zelebriert Rock aus den frühen 70ern, inspiriert durch die Stadt Bielefeld und ihre dort lebenden Freunde Gerd und Ulla.  Dazu darf Drummer Leon Cave an den Bühnenrand und einen Zacken leiser spielen, während vier Gitarren mit kunstvoll schrägen Tönen den Hörer erfreuen.

Danach geht es zurück in die Zukunft, in die 80er. "In the Army Now" ist der Megahit, bei dem das Publikum gerne die Chorstellen übernimmt. Darum geht die Band auch kurzfristig von der Bühne ab, überlässt sie Schlagzeuger Leon zum Solo, ehe es mit Kloppern wie "Roll Over Lay Down", "Down Down" und "Whatever You Want" spürbar in Richtung Finale geht. Fehlt nur noch einer - der Überhit "Rockin' all over the World". Der kommt nach gut 90 Minuten Show. Ob's das schon war?

Status Quo ziehen den Stecker

Mit einem weiteren Medley - durch "Burning Bridges" eingeleitet - geht es in die Zugabe. Das wild hüpfende Publikum stößt langsam an seine Konditionsgrenzen. Nach 105 Minuten und "Bye Bye Johnny", bei dem der ganze Saal freundlich mitsingt, ist dann Schluss. Die Band feiert sichtlich entspannt und glücklich ihr letztes Hamburg-Konzert, in dem elektrische Gitarren eine Hauptrolle gespielt haben. Doch selbst, wenn wir sie das nächste Mal "nur" noch akustisch erleben bleibt eines klar: E-Gitarren kann man den Stecker ziehen. Dem Rock'n'Roll von Status Quo aber noch lange nicht!

Eine Überraschung zum Auftakt

Deep Purple

23.11.2015, Live In Concert 2015, Hamburg, O2-World

Es gibt sie doch noch: gute Vorbands!
Von meinen Jungs bekam ich vor dem Konzert eine WhatsApp, ob mich Deep Purple nicht mittlerweile per Handschlag begrüßen würden. Ich gebe es ja zu, mittlerweile dürften es schon so zwei Dutzend Konzerte gewesen sein. Aber es ist halt wie ein Besuch bei alten Freunden. Man fühlt sich halt wohl und hin und wieder gibt es dann doch eine große Überraschunng.

Die heutige Überraschung war die Vorband!

Rival Sons

Die 80er & 90er schlicht ignoriert

Rival Sons:
Nicht „vintage“ sondern „old school“ !

Als die Band die Bühne betrat, ahnte ich nicht einmal ansatzweise, was da gleich abgehen würde. Fünf Typen in völlig unterschiedlicher Aufmachung: der Drummer in kurzen Hosen und roter Weste… wie ein Hippie aus den Endsechzigern, der Bassist ähnelte mit seiner Arbeitermütze einem irischen Workingclass-Hero, ein Keyboarder mit hohem Hut und langem Rauschebart, der Gitarrist schien gerade vom Spieltisch weggelockt worden zu sein und dann der Shouter: wirres ungebändigtes langes Haar, schwarze Lederjacke und Hose. Und dann brach eine Musik los, die sich um keinerlei Moden oder Lautstärkenbegrenzungen scherte. Der Himmel schien aufzugehen und Led Zeppelin, Free, The Doors und all die anderen Heroen vergangener Zeiten standen wieder jung und frisch auf der Bühne. Die Gitarre jaulte und heulte auf, der Sänger wand sich mal schreiend, mal seufzend und dann wieder groovend über die Bühne, die Keyboards legten einen Soundteppich während Schlagzeug und Bass unbeirrt den Takt vorgaben, immer vorwärts.

Die Songs umspannten von hartem Rock bis groovenden Blues die gesamt Bandbreite von allem, was der klassische Rock der 70er zu bieten hat.
Aber: das wirkte nicht eine Sekunde aufgesetzt oder gekünstelt sondern absolut authentisch! Das war wirklich gut und ich kann mich nur an ganz wenige Vorgruppen erinnern, die bei mir einen so positiven Eindruck hinterließen.

Und weil das so ist: das aktuelle Album „Great Western Valkyrie“ habe ich mir umgehend als Vinyl bestellt!

Deep Purple
Die Bühne ist angerichtet

So begeistert ich eben noch von der Vorband war (und noch immer bin!), so schnell war das vorübergehend vergessen, als DIE Band dann auf der Bühne erschien. Und auch wenn sie mich nicht per Handschlag begrüßten, so war es doch einmal mehr ein „Wie g… ist das denn“-Gefühl! Nach einem dramatisch-klassischen Intro aus der Konserve ging es wam-bam-thankyou-mam: „Highway Star“, „Bloodsucker“, „Hard Lovin’ Man“ und „Strange Kind of Woman“. Mit diesem brachialen Viererpaket zum Auftakt, in pausenlosem Übergang und ohne weitere Worte, überrollten Deep Purple das altersmäßig gut durchmischte Publikum. Dann eine kurze Begrüßung und der Hinweis von Ian Gillan, das nach diesen „experimentellen Jazz-Nummern jetzt der Country-Teil begänne“… mit „Vincent Price“! Ein immer wieder unglaubliches Tempo, eine Rasanz, Brutalität und Hingabe, als wäre dies bereits das Finale.

 

Ian Gillan ist dieses Jahr siebzig Jahre (70!) alt geworden und wir Endfuffziger („Jungspunde“) jammern über kaputte Knie oder zwickenden Rücken.

Ian Gillan: Alt? Wer ist hier alt??

Angesichts dieser Bühnenperformance will ich dieses Thema in Zukunft erst einmal zurückstellen, toi toi toi!
Und die „Jungs“ wissen, mit ihren Kräften hauszuhalten. Weil Deep Purple, statt einen Gang zurückzuschalten, die Kräfte auf die jeweiligen Solonummern verteilen. Solange der eine Musiker sich in epischer Breite ausgießt, können die anderen verschnaufen, um hernach mit neuer Kraft loszulegen. Und da gibt es genug zu bewundern: Ian Paice darf sich mit Leuchtsticks am Schlagzeug austoben, Steve Morse schreitet auf hymnisch-ätherischen Gratwanderungen von einem Gitarren-Gipfel zum anderen und Don Airey zelebriert eine Salon-Tastenlöwennummer, bei der er sogar das Deutschlandlied verwurstet.

Roger Glover: Vier Saiten reichen völlig aus!

Und zu guter Letzt (im Zugabenteil!) zeigt Roger Glover allen Luftgitarristen, was man alles mit einer Bassgitarre spielen kann. Wahnsinn!

Der Sound war brillant, die Light- und Videoshow einfach und eindrucksvoll: auf einer Riesenvideowand hinter der Bühne wurde aus diversen Bühnenkameras und Einspielern das Geschehen auf der Bühne unterstützt und verstärkt. Leider war das Bild der Kameras nicht ganz synchron. Dies fiel zumindest vorne an der Bühne auf.

Die Songauswahl umfasste die bekannten Klassiker sowie drei Stücke vom letzten „Now What ?!“-Album. Für mich, wie so häufig, etwas unbefriedigend. Es gibt doch noch so viele andere tolle Nummern. Aus der Steve Morse-Zeit gibt es jede Menge Perlen und auch vom letzten Album hätte man durchaus noch den einen oder anderen Song spielen dürfen.

Nicht unbedingt „Above And Beyound“ als Widmung an Jon Lord, vielmehr „All The Time In The World“ oder „Body Lines“? Und von den ganz alten Sachen würden sich auch viele Fans über „Flight Of The Rat“, „Place In Line“ oder auch „Smooth Dancer“ freuen. Aber ich vermute, hier zollt man dem Mainstreamfan Tribut.

Letztlich wurde ich dann doch noch belohnt(?): vor der Halle versuchte sich nach dem Konzert ein Strassenmusiker an „Child In Time“. Es gibt Dinge, da sollte man die Finger von lassen. Ehrlich!

Von den T-Shirts der Strassenverkäufer konnte ich dann allerdings nicht die Finger lassen. Drinnen kosteten die offiziellen Tour-Shirts 25,-€ bis 30.-€. Vor der Tür der Halle fanden die Shirts der fliegende Händler für einen 10er reißenden Absatz.

Pressestimmen

Der Hardrock von gestern ist der von heute

Von Tino Lange (Hamburger Abendblatt)

Die Hardrock-Pioniere gaben 6000 Fans das Gewünschte: Zwei Stunden lang Klassiker, unterbrochen von dem einen oder anderen Solo.

Hamburg. Als Deep Purple 1984 das Comeback-Album "Perfect Strangers" veröffentlichte, unkten manche Kritiker schon über "Altherrenrock". Jetzt, 31 Jahre später, sind die britischen Hardrock-Urgesteine noch reifer geworden, aber immer noch nicht reif für die Rente.

Ob in Wacken im Jahr 2013 oder am Montag in der Hamburger Barclaycard Arena - Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover, Steve Morse und Don Airey gehen einfach raus und spielen, als müssten sie die legendäre Live-Platte "Made In Japan" von 1972 in den Schatten stellen. Das ist zwar unmöglich, aber "Highway Star", "Strange Kind Of Woman", "Space Truckin'" und "Smoke On The Water" brettern auch heute noch. Die 6000 Hamburger Fans freut es.

Zwischen die Klassiker streut Deep Purple mit "Vincent Prize", "Uncommon Man" und "Hell To Pay" noch Songs des aktuellen Albums "Now What?!" und natürlich noch das eine oder andere Solo für jeden mit Instrument, dann geht es nach zwei Stunden und "Black Night" wieder hinaus in die Nacht. Und falls Deep Purple mal nicht mehr ist, werden klasse Bands wie die Rival Sons aus dem Vorprogramm die Lücke füllen. Rock bleibt.

 

Awesome

Kiss

02.06.2015, 40th Anniversary Tour, O2-World, Hamburg

Nun war ich endlich auch einmal bei bei Kiss!
Bei K i s s !!!
Und ich glaube noch immer nicht, was ich gesehen habe.
Objektiv betrachtet standen dort auf der Bühne vier seltsam geschminkte ältere Herren in merkwürdigen Kostümen und spielten Songs aus den 80ern.
Wer um Himmelswillen kann aber bei Kiss objektiv sein… ich nicht! Nach so vielen Jahren, in denen ich in vielen und unvergesslichen Konzerten war, kam ich mir vor, wie ein absoluter Newbie. Und auch wenn ich kein Mitglied der Kiss Army werde, ab sofort finde ich diese Band uneingeschränkt gut!

Das war Rock’n’Roll-Entertainment made in Hollywood, eine Show vom Allerfeinsten und die Effekte, die gestern nicht gezeigt wurden, müssen wohl noch erfunden werden.
Aber kurz der Reihe nach. Unsere Plätze waren nicht im „Headbangers Paradise“, also nicht an der Bühne, dafür konnten wir die Show und alle Effekte wie im Kino erleben.

Als Vorgruppe traten die Dead Daisies auf, solider Hardrock. Kann man sich sicherlich noch einmal genauer anhören. Das Deep Purple-Cover „Hush“ und der Beatles Klassiker „Helter Skelter“ kamen in der harten Version wirklich gut rüber.

Dead Daisies
Genug der Vorrede!

Um 21:25 Uhr ging das Licht aus, mit einem Urschrei erfuhren wir sinngemäß „Ihr wolltet das Beste… jetzt kriegt ihr es!“ („You wanted the best, you got the best“). Und dann ging es mit Blitz und Donner, Feuer und Blut, Konfetti und Papierschlangen und mit Rock’n’Roll durch die nächsten 90 Minuten.

Die meiste Zeit war ich entweder am Grinsen oder sang lauthals mit. War ich das wirklich? Kannte ich diese ganzen Kiss-Songs tatsächlich? Allem Anschein sind die Songs dieser Band doch viel mehr als nur die Beilagen zu dem Maskenball auf der Bühne. Die überwiegende Anzahl ihrer Lieder hat man als Rockfan irgendwie schon immer gekannt und sie funktionieren live wirklich perfekt!

„You wanted the best, you got the best“

Die Melodien sind eingängig, die Refrains können vermutlich in jeder Sprache schnell erfasst werden und so singt/schreit/brüllt die ganze Arena „Shout it out….. shout it out loud“ oder „Lick it up“. Zwischendurch sind wir (das Publikum) „das beste“ oder „das lauteste“ Publikum der Welt, auf jeden Fall sind wir „awesome“. Das scheint denn auch Paul Stanleys Lieblingswort an diesem (?) Abend zu sein.

Was die alten Männer bzw. The Demon, The Starchild, The Spaceman und The Cat auf der Bühne bieten, ist perfekte Unterhaltung. Ob „The Demon“ Gene Simmons Blut spuckt um anschließend mit Gitarre unter das Hallendach fliegen, „The Spaceman“ Tommy Thayer während des Gitarrensolos Raketen verschießt oder „The Starchild“ Paul Stanley über die Köpfe des Publikums auf eine Drehbühne mitten in der Arena schwebt… pausenlos passiert irgendetwas auf der Bühne und trotzdem rockt ein Song den nächsten. Die Frage bei Kiss-Konzerten ist nicht, was kommt – sondern, wann es kommt.

Es ist ein Kindergeburtstag auf allerhöchstem Niveau und dermaßen überdreht, dass man weder die Texte noch das Blut oder die Masken ernst nehmen kann. Dazu kommt eine Bühnentechnik, wie man sie auch nur ganz selten erlebt: gigantische LED-Wände, die sogar unterm Bühnendach aufgehängt waren und die Bühne mal zur lodernden Feuerhölle oder zum gläsernen Würfel werden ließen. Dazu Laser, Flammen, Nebel, Böller…. ich wiederhole mich.

Wie gesagt: grinsen und singen und staunen und grinsen und singen und…. plötzlich waren die 90 Minuten vorüber. Noch einmal wurden mit „I Was Made For Loving You“ und „Rock and Roll All Nite“ alle Register gezogen: das Schlagzeug mit „The Cat“ Eric Singer hob sich in die Höhe, „The Demon“ Gene Simmons und „The Spaceman“ Tommy Thayer schwebten auf langen Auslegern über dem Publikum, während „The Starchild“ Paul Stanley mit der Gitarre den Takt für die Schlussböller schlug… (gab es überhaupt einen Song der nicht von Explosionen eingeleitet oder beendet wurde??).

Dann Konfetti, Luftschlangen, Nebel, Flammen…. Licht aus. Und aus der Konserve erklang leise(r) „God Gave Rock ’n‘ Roll to You“

Willkommen im wirklichen Leben!

Zum Schluss noch ein paar Fakten

Der Sound war (zumindest auf unseren Plätzen) sehr gut. Trotz der Lautstärke waren alle Bandmitglieder deutlich zu hören. Hin und wieder wurde der Gesang etwas schwächer (im Sinne von „leiser“). Vielleicht ein technisches Problem? Im Gegensatz zu einem anderen Topact in dieser Halle, war der Unterschied atemberaubend… bei gleicher Lautstärke lagen Lichtjahre zwischen Iron Maiden und Kiss. Vielleicht sollten sich die Techniker der Bands einmal austauschen? Zu Kiss würde ich auf jeden Fall noch einmal gehen!

Die Setlist umfasste alle Phasen der Bandgeschichte:

  • Detroit Rock City
  • Deuce
  •  Psycho Circus
  •  Creatures of the Night
  •  I Love It Loud
  •  War Machine („The Demon“ spuckt Feuer)
  •  Do You Love Me
  •  Hell or Hallelujah
  •  Calling Dr. Love
  •  Lick It Up
  •  Bass Solo („The Demon“ spuckt Blut und fliegt)
  •  God of Thunder
  •  Parasite
  •  Love Gun
  • Black Diamond

Zugabe

  •  Shout It Out Loud
  •  I Was Made for Lovin‘ You
  •  Rock and Roll All Nite
  •  God Gave Rock ’n‘ Roll to You II (vom Band)

Und um mit den Worten von Paul Stanley zu schließen:

Kiss waren „awesome“!

Pressestimmen

You Wanted the Best, You Got the Best!! The Hottest Band in the World KISS!!!

(Quelle: Konzertreview auf http://kr.360k.de)

Diese Ansage ist genauso Kult, wie die Band selber. Seit 40 Jahren rocken KISS die Bühnen der Welt und sind ein Phänomen der Selbstvermarktung. „Kiss will never die“, sagte Bassist Gene Simmons einmal und er wird damit sicherlich Recht behalten. Es gibt eigentlich nichts, was es nicht von der Band gibt und käuflich zu erwerben ist.

Im Mittelpunkt steht aber trotzdem weiterhin die Musik und die spektakulären Liveshows die Kiss ihren Fans immer wieder präsentieren. Bombastische Bühnenbilder, reichlich Pyrotechnik, dazu phänomenale Licht- und Laserspiele und dazu vier Musiker, die sich hinter ihrer Maske verstecken und reichlich Hits dabei haben.

So war es auch in Hamburg, wo Kiss die ausverkaufte O2-World am Volksparkstadion rockten. Mit „Detroit Rock City“ und „Deuce“ legen sie los und lassen es dabei reichlich knallen. Allein bei den beiden ersten Songs wird die Arena in ihren Grundmauern erschüttert und die Fans feiern die Knaller-Show. Viele von ihnen sind originalgetreu geschminkt und auf Plateauschuhen unterwegs, einige haben ihre Kinder mit dabei. Kiss sind eben eine Band für jede Altersklasse und wird daher auch niemals alt werden.

Das Set besteht aus sämtlichen Hits der 40-jährigen Bandgeschichte. Ob mit „Pyscho Circus“, „War Machine“ oder „Dr. Love“ – Kiss werden gefeiert und fliegen in der Bühne, wie Gene Simmons bei „God Of Thunder“ oder über die Fans hinweg, wie bei „Love Gun“, als Paul Stanley über die Fans auf einer Art Seilbahn hinweg gleitet.

Zum Schluss wird die Party  noch einmal mächtig angeheizt und „Shout It Out Loud“, der Mega-Hit „I Was Made For Loving You“, sowie zum Abschluss „Rock’n’Roll All Night“, bei dem die Konfettikanonen angeworfen werden, folgen als Zugabenblock, bevor sich Kiss vom restlos begeisterten Hamburger Publikum mit einem lauten, letzten Knall verabschieden und ein absolutes Knallerkonzert zu Ende geht und die Fans mit „God Gave Rock’n’Roll To You“ vom Band seelig die Halle verlassen.

Kiss rockt o2 World Hamburg

(Quelle: http://www.hamburg-zwei.de)

Sie können es auch nach 40 Jahren noch! Mit Kult-Schminke, Plateauschuhen und ausgefallenen Kostümen haben Kiss die Hamburger o2World in einen Rockpalast verwandelt.

Die Stimmung war von Anfang an super und dementsprechend gut war auch das Konzert. Eine grandiose Show, geniale Musiker und gut gelaunte Fans haben das Konzert zu einem Highlight gemacht. Kurz bevor die Band auf die Bühne gekommen ist, hat ein großes Tuch mit "Kiss" Aufdruck die Sicht versperrt. Sobald dieses runter gefallen ist und die Band losgelegt hat, waren alle Fans hellauf begeistert und die Band hat alles, wofür sie steht, an den Tag gelegt. Neben Kostümen und Schminke wurde auch an Pyrotechnik nicht gespart. Aus allen Rohren wurden die Highlights abgefeuert und Feuersäulen sind passend zur Musik in die Luft geschossen. Gene Simmions Zunge war häufiger auf seinem Kinn als in seinem Mund.

Der Höhepunkt war natürlich der Erfolgssong "I was made for loving you" am Ende. Da gab es kein Halten mehr und selbst auf dem Weg nach Hause haben viele Fans noch in der Bahn gesungen.

Kiss & Dead Daisies

(Quelle: Steffen Frahm auf http://dremufuestias.de)

Auf dem Hinweg "The Elder" hören. Wieder seltsam berührt sein von "A World Without Heroes". Simmons singt es so schön. So traurig. So desillusioniert. So gänzlich erektionsfrei. Damit geben sie sich seit Ewigkeiten nicht mehr ab. Stand-Alone-Unterhaltungskrieg-Perpetuum-Mobile. Der 40. Bandgeburtstag geht ins 3. Jahr, und KISS haben sich längst aus gewissen Grenzen schnöden menschlichen Daseins befreit: Ihre Personae sind nicht mehr an monogame Symbiosen mit humanen Wirten gebunden und alterslos. Einmal angekommen auf diesem Existenzniveau braucht man sich um Raum und Zeit nicht mehr zu kümmern und kann daran rumzwirbeln, wie man gerade lustig ist.Und für Paul Stanley wird's womöglich Zeit, seinen verklärten Visionen von Kiss-ohne-ihn Taten folgen zu lassen. "Ich bumse die Würde!" blaffte Gene Simmons einst und daß man ihn schon tot von der Bühne wuchten müßte, mit hinterherschleifendem Umhang und Repti-Accessoires, klöter, bimmel. Stanley Bert Eisen und Chaim Witz, die Asterix & Obelix des theatralischen Hedo-Haudraufrocks. Der Eine hatte nie das stimmliche Format des Anderen, darum geht's ja auch nicht, und daß die Fallhöhe automatisch geringer ist...geschenkt, aber: Gene Simmons' Präsenz ist stabiler als die des Combo-Kapitäns. Er singt ziemlich genau 50% der Setlist, alles an seinem Platz, und selbst das Falsett ist gut in Schuß. Einmal setzt er sich ("Hier entlang, Mr. Simmons!" - "[grunz, schnauf]") zum Wassertrinken hinter ein direkt am Bühnenrand aufgestelltes, irgendwie nach Billigprodukt aussehendes Vorhanggestell. Und dann kriegt der Lakai den Vorhang nicht zu, und Simmons sitzt da relativ unglamourös wie Darth Vader auf der Parkbank. Semi-peinliche und wie versehentlich dazwischengerutscht wirkende Momente der Menschlichkeit in einem ansonsten durchweg abgekarteten Mehrgenerationenkonzert.

Hingegen Paul Stanley, Dekaden lang ohne Signature-Showeffekte (Blut, Feuer, Hasenkostüme) der allen Rapport bei sich bündelnde FRONTMANN, verkommt immer mehr zum Conférencier und verschwindet zwischendurch für seine Verhältnisse fast. Den unempathischen Dienstleistungscharakter seiner Crowd-Animationen als echtes Rock'n'Roll-Engagement zu kaschieren, das fällt hör- und sichtbar noch schwerer, wenn man eigentlich am liebsten die eigene, aufgeräumte Erzählstimme den Job tun lassen möchte. Kaum Rückzugsräume da, in denen man aus der Not eine Tugend machen könnte - eigentlich nur "I Was Made For Loving You", das er in der gleichen Lage singt wie auf der "Dynasty" (Eric Singer übernimmt den Chorus). Auf "Alive III" ging das noch 2 Oktaven höher, aber das ist ja auch 22 Jahre her.

Leuten, zumal Leuten, die solchen Freizeitbeschäftigungen nachgehen, ihren eigenen Alterungsprozeß vorzuwerfen, finde ich immer selbstgerecht und leicht, aber Stanleys Stimme ist einfach im Arsch. Es schmerzt, wenn er sich "Don't wanna wait till you know me better" rausquält und en passant "Lick It Up" anzählt. Der Song ist dagegen total gewachsen, und das "Won't get fooled again"-Zitat, das Tommy Thayer und er auf der Hebebühne runterpicken, gehört gitarristisch und überhaupt zu den schönsten Momenten des Abends - bis zu der Stelle, wo der orgiastische Katharsis-Schrei kommt. Kröchz...Vielleicht lieber ein Sample einspielen, kratzt keine Sau, nehm ich mal an.

Weiteres Highlight: "Do You Love Me", schon immer einer meiner ewigen Kiss-Faves. Über den mit LEDs tapezierten Bühnenhintergrund flackern chronologisch getaktete Bilder aus der Bandhistory, von ersten Versuchen mit Flokatis und Klobürsten in den 70s bis ins Jetzt. Dazwischen fehlt nichts, nicht mal Vinnie Vincent (Ob es Fans gibt, die mit güldenem Ankh auf der Nase aufs Kiss-Konzert gehen?). Wer Chuck Klostermans großartigen Road-Roman "Eine zu 85% wahre Geschichte" gelesen hat, weiß, daß "Do You Love Me" prototypisch ist für Stanleys virtuelle Beziehungsgestaltung: Er versteht, daß man als Anwärterin ganz schön geblendet sein kann von seinem Ruhm, seinen Plateau-Risern, den langen Haaren, der Art, wie sich die Reifen drehen, und diesem Ozean aus Schotter; aber Solche brauchen erst gar nicht bei ihm anzukommen, denn er will bei aller frohgemuten Promiskuität doch ob seines Menschseins geliebt werden. Ein konservativer Geist, dieser Mann mit dem in die Bauchbehaarung reinrasierten Sechserpack. Und ein Romantiker. Swoon.

Gene Simmons ist da ganz anders. Fans kennen das ebenfalls auf "Destroyer" befindliche "Great Expectations": Es toppt mit seiner pompösen Orchestrierung, noch mehr mit dem unschuldig jubilierenden Kinderchor, eigentlich sämtliche Gene-Simmons-Stücke (oder sollte ich gleich "-Nummern" sagen?), in denen es darum geht, daß er und sein Geschlechtsteil Buschemanns Geschenk an die Jungfrauen dieser Welt sind. Die klebrige Feierlichkeit, die der Song von sich wirft wie ein Roter Riese seine Gashülle, verklärt den Moment der durch Dr. Love-Simmons fachmännisch vorgenommenen Defloration zu einem säkularen Akt. Gene Simmons als schwellkörpergewordener Gott des Sexus, der seinen heiligen Flaschengeist großzügig ausschüttet und die Mädels so auf die nächste Seinsebene schaukelt. Nun ja. Der andere "Destroyer"-Repäsentant ist natürlich das etwas hüftlahm geschaffelte "Detroit Rock City". Und nicht "Great Expectations". Ansonsten weitestgehend one song per album, vom überbewerteten "Creatures Of The Night" gibt's ganze Drei, unter denen mir das quasi-doomig geriffte"War Machine" wegen der animierten Lego-Krieger auf der Video-Tapete am besten gefällt.

Gut, daß sie die klassischen Programmlangweiler einer jeden groß angelegten Rockshow, Gitarren- und Drumsolo, zurechtgestutzt haben: Der makellos aufspielende und auf seine Art schon sehr cool daherkommende Besser-Ace Tommy Thayer darf 2 Raketen abfeuern, dafür spielt die Band vor dem eigentlichen Alleingang die instrumentale Coda von "Let Me Know", ganz wie auf der "Alive!", was ich einigermaßen geil finde. Und Eric Singer begnügt sich bestens gelaunt mit einer Situation permanenter Unterforderung: Neben und während seiner Servicetätigkeit für die Bosse kratzt er sich mittels in die Luft geworfener und milimetergenau sich ins Rückendekoltee schraubender Sticks den Pelz, sieht fern und brät sich auf der Floortom ein Ei. Man könnte ihn wohl auch in einen Sack stecken, ohne daß es groß was ausmachen würde. Sein Drumming ist spielerisch, es sieht aus wie Jonglieren; kein steady 4-auf-die-Auslegeware-Gerumse, wie es einer Hardrock-Band würdig wäre, und schon gar nicht metal wie zu "Revenge"-Zeiten. Damit hat sich Eric Singer sein Pendant zu Peter Criss geschaffen, der ja auch immer wie der irrtümlich auf den Wagenheber-Hocker geratene Dschingderassabumboy trommelte. "Paul Stanley...got you under my thumb..." singt er beim wie immer perfekt abgelieferten "Black Diamond", und das Sternenkind lächelt. Immer ma gut stellen mit dem Chef. Singer, nebenbei bemerkt, nicht der einzige Schlagzeuger heute Abend, der mit Ozzy resp. Black Sabbath gearbeitet hat: Auch Tommy Clufetos, der für jeden Schlag armlängeweit ausholende Drummer der Vorband Dead Daisies klöppelte für den Madman. Aber dieses All-Star-Kollektiv um John Kohlrabi und ein paar Ex-Beta-Guns+Roses-Arschlöcher hat man längst vergessen, wenn Paul Stanley zum Geknatter von "Love Gun" eine rotierende Zweitbühne im Mittelgrund der o²-Wörld anfliegt, diesem Ausbund seelenloser Eventhallen-Vieh-Abfertigung. Im Vergleich zu P!nk, die sich in 4 in die Hallenecken montierte Stahlseile einspannen läßt und damit die Lufttauglichkeit von Superman nahezu erreicht, sieht Stanley eher aus wie eine Transall, aber was soll es: Wenn er da oben steht, vom Verfolgerspot aufs Korn genommen, in seinem figurbetonten Kostüm, die verspiegelte Ibanez um und das Intro von "Black Diamond" croont, dann bubbert mein kleines Elfjährigenherz, und ich finde diesen Typen aus tiefster Seele toll. Und wenn zu "Rock And Roll All Nite" tausende unbeschrifteter Glückskeks-Zettel in der Luft schweben und sich drehen wie Propeller, dann bin ich für einen Moment weg von dieser Welt. Welche Band kann einem sowas geben? Ich wüßte keine.

Rival Sons – Great Western Valkyrie (p) 2014

Ja, ist denn schon wieder Weihnachten?

Genau das war das erste Gefühl, als ich diese Band live als Vorgruppe erleben durfte. Vorgruppen sind ja so eine Sache, häufig genug ein Vorwand ein letztes Mal zu verschwinden… Zigarette für die Raucher, Bier ent- oder besorgen für den Rest der Welt.

Als diese Band an jenem Abend die Bühne enterte führte das bei mir am nächsten Tag zum Spontankauf ihres letzten Albums, natürlich die Vinyl-Version! Wenn eine Band so stilsicher den Hard- & Blues-Rock der 70er leben lässt, dann darf es keine CD sein.

Dann drehte sich die Platte auf dem Teller, und bei mir schlich sich ein Gefühl von „Kenn-ich-schon-,-das-sind-doch…“ ein. Und tatsächlich, auf der Platte, noch viel deutlicher als im Konzert, glaubt man als Fan der 70er viele bekannte Wendungen herauszuhören. Dieses Gefühl wird durch die Produktion verstärkt: rauh, leicht übersteuert und am besten gaaanz laut hören.

Aber ich hab die Truppe live gesehen und ich könnte, nein ich schwöre: das ist echt, das ist keine typische Retro-Band. Wer erinnert sich noch an der Erstling von Kingdom Come? Ein 1:1 LedZep-Plagiat und trotzdem witzig. Diese Scheibe („Great Western Valkyrie“) hat hingegen dermaßen viele neue Songs zu bieten, das derjenige, der mit dem Gedanken spielt, sich beispielsweise die 51. Neuauflage eines bereits 50-fach in seinem Besitz befindlichen Deep Purple-Live-Albums anzuschaffen, dieses Geld lieber in „Great Western Valkyrie“ investieren muß!!

Wenn Jay Buchanan in „Electric Man“ von seinem Cadillac und dem Girl singt, dann bohrt sich dieser Refrain in der Kopf. Das Gitarrenintro von Scott Holiday in „Play The Fool“ stammt definitiv von LedZep, aber spätestens im Refain haben sie Dich. Und dann kommt „Good Things“… boooaaa eeyyyh! Sommerabend auf der Veranda, das eiskalte Bier in der Hand und genieße das Leben! Es kommt wie es kommt:

Good things will happen
Bad things will happen, too
Sometimes its someone down the road
Sometimes its somebody next to you
Enjoy it right now
Because you never know
When its gonna end
Enjoy it right now
Because you never know
When its gonna end

Der Song hat das Zeug zu einem All-Time-Greatest! Und bevor ich jetzt auch noch die anderen Songs durchgehe, mein dringender Tipp an alle Deep-Purple-Led-Zeppelin-Doors-Free-Fans: holt euch diese Scheibe bevor es zu spät ist! Es werden nicht mehr viele neue Bands kommen, die diese Musik so leben wie die Rival Sons. Wer schon einmal Jay Buchanan auf der Bühne gesehen hat, der weiß was ich meine!

„Rival Sons – Great Western Valkyrie teleportiert die 70s ins Jahr 2014. Die Rival Sons verfeinern sämtliche ihrer Trademarks, riskieren eine Schippe Psychedelik im schweren Bluesrockgemisch und bekräftigen: die Geschichte des (traditionellen) Rock ist noch lange nicht zu Ende geschrieben.“ (www.laut.de)

 

Lana Lane – Covers Collection (p) 2003

Da klicke ich mich so durchs Internet und stolperte bei Amazon im wahrsten Sinne des Worte rein zufällig über die Rezension einer mir völlig unbekannten CD. Das klingt ja interessant denke ich mir und bestelle mir die Scheibe. Nach zwei Tagen trifft der Silberling ein, wird im Player plaziert und …..bleibt dort für die nächsten Tage!

Mein erster Gedanke: Was ist das denn? Eine Frauenstimme, mal laut (und wie!), dann wieder schnurrend und leise, das es dem Macho in uns Männern die Nackenhaare kräuseln lässt. Begleitet von einer Wahnsinnsband knallt einem ein Sound um die Ohren, das man sich wirklich die Ohren reibt. Aber kommen wir zunächst einmal zu den Fakten:

Lana Lane ist eine amerikanische Sängerin die bereits 18 Alben herausgebracht hat, sie bewegt sich irgendwo zwischen Pop, Synphonic-Rock und Progressiv-Metal.

Auf dieser CD finden sich (wie der Titel es vermuten lässt) aussschliesslich Cover-Versionen. Eine interessante Mischung aus bekannten Songs, Mega-Klassikern und völlig unbekannten Perlen. Wir hören den Zeppelin-Klassiker „Kashmir“, die Sorpions-Ballade „Still Loving You“ und den Rainbow -Hammer „Stargazer“. Aber auch das (zumindest mir) völlig unbekannte „Soaring“ von Aviary, einer Band aus Seattle

Und das alles wird zu keinem Zeitpunkt langweilig oder wirkt abgedroschen. Es gelingt Lana und der Band durch die Kraft der Stimme und den druckvollen und variablen Arrangements den Stücken neues, eigenes Leben einzuhauchen. Und selbst Freddie Mercury kann ruhig im Grab liegen bleiben, wenn Lana sein „Don’t Try So Hard“ anstimmt.

Ich würde ja gerne etwas zur Band sagen, aber sorry: keiner der Namen sagt mir etwas. Da habe ich offensichtlich etwas verpasst, denn die Jungs spielen absolut und unwiderstehlich g…..!!!!

Es hauen Euch auf die Ohren:

Lana Lane (vocals)
Erik Norlander (keyboards, bass, guitar)
Mark McCrite (guitar)
Gregg Bissonette (drums)
Tony Franklin (bass)

sowie auf einzelnen Stücken

Novi Novog (viola)
Cameron Stone (cello)
Arjen Lucasson (guitar)
Neil Citron (guitar)
Gabriel Moses (guitar)
Nick D’Virgilio (drums)
Ed Warby (drums)

Das diese Frau hier so unbekannt ist und solche Eintagsfliegen wie Thomas Godoj, Mark Medlock oder auch Monrose in das Bewußtsein der Fans geprügelt werden, gehört wohl zum Wahnsinn des Showbiz.

Wie schreibt die englische Wikipedia:
„She sings modern music with both a graceful lilt and a commanding, stadium-sized voice of impressive range and power.“
Dem ist eigentlich nichts hinzuzufügen, es sei denn:

KAUFEN, KAUFEN; KAUFEN und an die Nachbarn denken!