Konzert

Spät, aber nicht zu spät….

Elton John

Wonderful Crazy Night Tour

05.12.2017, Barclaycard Arena, Hamburg

Die Überschrift ist nicht nur doppel-, nein: sogar trippeldeutig… falls es den Begriff überhaupt gibt.

Zunächst wollte Sir Elton bereits im Sommer in Hamburg auftreten. Allerdings kam ihm, wie vielen anderen, der G20-Gipfel dazwischen.

Zum Zweiten muss der erfahrene Konzertgänger ja nicht mehr auf die Karten schauen. Konzerte fangen ja immer um 20:00 Uhr an! Und während Mann noch mal ganz entspannt „für kleine Jungs“ geht,  hört er (also ich!) richtig starke Musik, eine echt geile Live-Version von „Bennie & The Jets“.

„Das hört sich ja an wie… der hat doch noch nicht angefangen….?!“

„Der“ hatte tatsächlich schon angefangen!

Ein rechtzeitiger Blick auf die Karte, und wir wären nicht erst beim zweiten Song auf unseren Plätzen gewesen…

Und zum Dritten: Elton John war ein Künstler, den wir auch endlich einmal live sehen wollte. Während man aber neulich Neil Diamond doch schon deutlich sein fortgeschrittenes Alter ansah und auch anhörte, so strotzte Elton John an diesem Abend stimmlich und musikalisch richtiggehend vor Kraft.

Insofern galt es dreimal: spät, aber nicht zu spät! Hier fand nämlich ein richtiges Rockkonzert mit fettem Sound und ganz vielen Höhepunkten statt!

Ein Hit jagte den nächsten, hin und wieder unterbrochen von ruhigen Nummern oder richtig tollen und ausufernden Improvisationen.

„Rocket Man“ schien fast 10 Minuten zu dauern und die intensive Version von „Levon“ machte wirklich Druck… pure Rockmusik und für den Gitarristen Davey Johnstone (immer noch die gleiche Frisur wie in den 70ern???) die Gelegenheit, sich richtig auszutoben! Oder „Tiny Dancer“! Für mich immer ein Song, den man hören konnte, mehr aber auch nicht. Im Konzert entwickelte der Song heute Abend eine ganz eigene Kraft. Einfach nur beeindruckend!

Dann der berührende Moment, in dem Elton John vom Tod seiner Mutter am Vortage erzählte und ihr „Your Song“ widmete.

Ein Meer aus Handy-Lampen zu „Your Song“

Musikalisch und vom Sound war das damit eines der besten Konzerte, die ich bisher gesehen habe. Was die Show anging… die war eigentlich nicht vorhanden. Eine schmucklose Bühne mit einer Videowand im Rücken, die verschiedene Hintergründe passend zu den Songs zeigte, dazu rechts und links oberhalb der Bühne zwei Videowände, auf denen die Musiker gezeigt wurden.

Damit war der Fokus eindeutig auf die Musik gerichtet und das reichte auch völlig aus.

Trotz des Trauerfalls, schien Elton John, ebenso wie seine großartige Band, das Konzert zu genießen.

Die Musiker, insbesondere Matt Bissonette (bg) und Davey Johnstone (g) scherzten miteinander, gingen auf das Publikum ein und sogar Elton John nutzte eine kurze Pause, um den Fans in der ersten Reihe Autogramme zu geben.

Autogramme für die Fans in der ersten Reihe!

Setlist:

  • The Bitch Is Back
  • Bennie and the Jets
  • I Guess That’s Why They Call It the Blues
  • Take Me to the Pilot
  • Daniel
  • Looking Up
  • A Good Heart
  • Philadelphia Freedom
  • I Want Love
  • Goodbye Yellow Brick Road
  • Tiny Dancer
  • Levon
  • Rocket Man (I Think It’s Going to Be a Long, Long Time)
  • Have Mercy on the Criminal
  • Sorry Seems to Be the Hardest Word
  • Your Song
  • Sad Songs (Say So Much)
  • Don’t Let the Sun Go Down on Me
  • I’m Still Standing
  • Crocodile Rock
  • Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock ’n Roll)
  • Saturday Night’s Alright for Fighting

Zugabe:

  • Candle in the Wind

Als Elton John dann nach knapp zwei Stunden alleine am Klavier „Candle In The Wind“ als letzten Song spielte, da hätte es von mir aus noch zwei Stunden weiter gehen dürfen.

Und wenn es überhaupt einen Wermutstropfen gab: ich hätte gerne noch ein paar Songs von meinem absoluten Fav-Album „Captain Fantastic“ gehört…

Aber es gibt noch soooo viele Songs. Also wird es ein Wiedersehen geben müssen. Er hatte es heute Abend sogar versprochen!

Der Schlussakkord!
Pressestimmen

Elton John verzaubert Hamburg

von Dhala Rosado (NDR, 06.12.2017)

Ein großer Sänger, ein großer Songwriter, ein großer Musiker: Am Dienstagabend hat Superstar Elton John Tausende Fans in der Hamburger Barclaycard Arena auf eine epische Reise mitgenommen - von Hit zu Hit durch fast fünf Jahrzehnte seiner unvergleichlichen Musikkarriere.

Bis zuletzt war nicht klar, ob Elton John sein im Juli abgesagtes Konzert wirklich geben würde. Die erste Show in Hamburg nach sieben Jahren - und das einen Tag nach dem Tod seiner Mutter Sheila. Auf Twitter schrieb er am Montagmorgen: "Ich bin schockiert (...) Vielen Dank für alles. Ich werde dich so sehr vermissen." Jahrelang hatten Mutter und Sohn nach einem Streit keinen Kontakt miteinander. Nach ihrem 90. Geburtstag dann die Versöhnung und zwei Jahre später ihr Tod. Wer hätte es dem Weltstar da verdenken können, im Stillen zu trauern. Stattdessen schien er seinen Schmerz mit auf die Bühne zu bringen, in Musik zu hüllen und zu einem emotionalen Feuerwerk zu verwandeln. Um 19.36 Uhr war für die fast ausverkaufte Halle klar:

"The Bitch Is Back"

Gelbe Sonnenbrille, ein Hemd in Magenta, Pailletten-bestickter Longblazer mit Flamingos auf dem Rücken, pinke Schuhe, fetter Brilli im Ohr - ganz der gewohnte Paradiesvogel, stürmt er auf die Bühne und beweist ein Mal mehr: 70 Jahre hin oder her, die Zeit scheint für ihn keine Rolle zu spielen. 1998 hat die Queen ihn zum Ritter geschlagen und fast 20 Jahre später nimmt Sir Elton John immer noch die größten Konzerthallen auseinander. Für den rockigen Startschuss mit "The Bitch Is Back" und "Bennie and the Jets" gibt's vom Publikum tosenden Applaus und Standing Ovations. Niemand nimmt dem britischen Musikgenie seine spontane Absage im Juli krumm. Wegen des G20-Gipfels hatte sein Jet nicht in Hamburg landen dürfen. Trotzdem entschuldigt er sich kurz. "Endlich sind wir da. Ich hoffe, ihr genießt es", brummt er ins Mikrofon. Nur um dann sofort wieder zu "I Guess That's Why They Call It The Blues" und "Take Me To The Pilot" leidenschaftlich auf die Tasten des riesigen Flügels einzudreschen. Er ist eben ein ...

"Rocket Man"

Dass der Meister und seine fünfköpfige Band aber noch viel mehr können als "nur" Gas zu geben, wird spätestens bei souligen Nummern wie "A Good Heart" klar - seinem Lieblingssong vom aktuellen Album. "Oh it's a good heart to be a part of" schmettert Elton John und die gesamte Barclaycard Arena zerfließt unter dem Klang seiner einzigartigen Stimme. Dass die aber auch nur eine der vielen musikalischen Komponenten ist, die diesen Mann zu einem solchen Ausnahmetalent machen, beweist er mit einem grandiosen Piano-Solo in "Levon". Sein Publikum kann sich kaum noch auf den Stühlen halten und als er dann auch noch fließend in eine epische Version des Megahits "Rocket Man" übergeht interessiert es niemanden mehr, dass dieses Konzert eigentlich mal zum Sitzen gedacht war. Mit den Worten "Ihr seid fantastisch" bedankt sich Sir Elton. Die Konzertenergie scheint ganz in seinem Sinne zu sein, denn:

"I Want Love"

Schon immer hat Elton John Geld gespendet und sich politisch positioniert. Auch dieses Konzert verstreicht nicht ohne ein klares Statement: "Wir leben aktuell in einer sehr gemeinen und bösen Welt." Dabei bezieht er sich auf die jüngsten Attentate, den allgegenwärtigen Hass, aber auch auf das Fehlen wahrer Führungspersönlichkeiten. Für den Satz "Wir haben momentan in keinem Land einen respektablen Anführer" erntet er tosenden Applaus. Als Musiker würde er sich wünschen, dass die Menschen liebevoll zusammenrücken, sagt er und widmet "I Want Love" als nächsten Song "denen, die lieben".

Nicht die einzige Nummer, die der Pop-König an diesem Abend jemand Besonderem widmet. Nach der Hälfte des Konzerts scheint er bereit zu sein und berichtet den mitfühlenden Fans von seinem Verlust. Die ganze Zeit habe er überlegt, wie er seine Mutter an diesem Abend würdigen könnte. Entschieden hat er sich letztendlich für eine ergreifende Version des Evergreens "Your Song". 1969 soll er die Melodie innerhalb von zehn Minuten komponiert haben. Der Text dazu ist am Frühstückstisch seiner Mutter entstanden - auf ein fettiges Blatt Papier mit Kaffeeflecken gekritzelt. Dieser Song wurde Elton Johns erster ganz großer Hit. Was wäre also passender als ihn am Dienstagabend in Hamburg für seine Mutter zu singen? Wenngleich dieser Moment den emotionalen Tiefpunkt des Abends markiert, kippt in keiner Sekunde die gesamte Stimmung. Vielmehr kreiert der Megastar ein kurzes kollektives Innehalten, um dann mit Klassikern wie "Crocodile Rock", "Don't Let The Sun Go Down On Me" und "I'm Still Standing" wieder Tanzvibes zu verbreiten. Sein Publikum groovt, singt, klatscht und genießt den lang ersehnten Konzertabend.

"Candle In The Wind"

Und als wären das alles noch nicht genug Hits, Emotionen und Höhepunkte gewesen, spendiert Elton John als Zugabe das berühmte "Candle In The Wind". Ursprünglich hatte er den Song für Marilyn Monroe geschrieben, aber 1997 sang er ihn auf der Beerdigung seiner Freundin Prinzessin Diana in der Westminster Abbey mit einem neuen Text. Die Single verkaufte sich am ersten Tag danach über 650.000 Mal, in der ersten Woche 1,5 Millionen Mal und heute ist sie mit 4,75 Millionen die meistverkaufte Single aller Zeiten. Gemeinsam mit den Tausenden Fans am Dienstagabend singen wir nun "And your footsteps will always fall here", lieber Elton. Wir nehmen dein Versprechen, noch einmal wiederzukommen, sehr ernst.

Elton John gedenkt seiner Mutter bei Konzert in Hamburg

Von Heinrich Oehmsen, Hamburger Abendblatt v. 05.12.2017
Der Weltstar raste von Hit zu Hit. Dann wurde es ergreifend: Am Tag nach dem Tod seiner Mutter widmete er ihr einen besonderen Song.

Hamburg.  Kommt er? Oder kommt er nicht? Ganz sicher war sich die Konzertagentur Karsten Jahnke nicht, ob Elton John sein im Juli abgesagtes Konzert am Dienstag nachholen würde. Erst am Montag war die Mutter des britischen Popstars im Alter von 92 Jahren gestorben. Auf Twitter hatte Sir Elton ihr "eine gute Reise" gewünscht, doch es war nicht klar, wie er mit der Todesnachricht umgehen würde.

Als sein Privatflugzeug am Nachmittag in Fuhlsbüttel landet, ist klar: "The Bitch Is Back". Um 19.36 Uhr kommt Elton John auf die Bühne der Barclaycard-Arena. Wie gewohnt im Outfit eines Paradiesvogels: Sonnenbrille, magentafarbenes Hemd, langgeschnittenes Glitzerjacket, pinkfarbene Schuhe – und einen dicken Brilli im Ohr.

Mit "The Bitch Is Back", dem Klassiker aus dem Jahr 1974, legt er gleich mächtig los. Als "bitch", abfälliger britischer Ausdruck für "Schlampe", bezeichnet Elton John sich selbst. Wer ihn als Schnulzensänger abtun möchte, wird schon bei den ersten Takten eines Besseren belehrt. Sir Elton, 1998 von der Queen zum Ritter geschlagen, rockt die fast ausverkaufte Halle.

Drummer Nigel Olsson, seit den späten 60er-Jahren der Trommler an Johns Seite, und Perkussionist John Mahon prügeln auf Becken und Felle, was das Zeug hergibt. Und Sir Elton haut auch nicht gerade feinfühlig in die Tasten, sondern bearbeitet sie im Stakkato.

Elton John entschuldigt Absage wegen G20-Gipfel

Mit dem ersten Takt springt das Publikum von den Sitzen der komplett bestuhlten Arena und feiert das Idol von der britischen Insel. Elton John ist bei seinen Auftritten seine eigene Musikbox. 450 Millionen Platten hat er seit Beginn seiner Karriere verkauft und in den fast fünf Jahrzehnten seiner Karriere mehr Hits geschrieben als die meisten Pop-Kollegen.

Mit "Bennie And The Jets" und "I Guess That's Why They Call It The Blues" geht der Reigen weiter. Davey Johnstone setzt auf seiner Gibson-Gitarre rockige Akzente, während im Hintergrund auf einer Videoleinwand fette blaue Tropfen herunterfallen.

Nach dem zweiten Song entschuldigt sich Elton John kurz für die Absage im Juli, als er wegen des G-20-Gipfels keine Landeerlaubnis für sein Flugzeug erhalten hatte und den Auftritt absagen musste. "Endlich sind wir da", bemerkt er kurz und gibt zusammen mit seiner fünfköpfigen Band weiter Gas.

Gerade die ersten Nummern der Show sind mit viel Wucht und etwas schneller gespielt als die Studioaufnahmen. Es wirkt, als habe der Meister es eilig. "Looking Up" kommt knüppelhart um die Ecke; "The Good Heart", Elton Johns Lieblingssong von seiner aktuellen Platte "Wonderful Crazy Night", zeigt ihn von seiner souligen Seite. Der Pop-Ritter ist gut bei Stimme an diesem Abend.

"Your Song" widmet er seiner Mutter

Elton John gehört zu den Künstlern, die sich immer politisch geäußert haben und von ihrem Reichtum abgegeben haben. Bevor er "I Want Love" singt, beklagt er den Hass in der Welt und die verheerenden Anschläge auf unschuldige Menschen. Viel Beifall erhält er für seinen Satz, dass es gegenwärtig keinen verlässlichen Regierungschef auf der Welt gebe. Amerika bezeichnet er als verkommen. Natürlich zielt der Satz auf den US-Präsidenten, doch das Wort Trump nimmt Sir Elton nicht in den Mund.

Es dauert fast eine Stunde, bis mit "Tiny Dancer" die erste langsame Nummer im Programm auftaucht. Doch so richtig besinnlich geht es nicht weiter. Bei "Levon" zeigt John in einem furiosen Solo, was für ein versierter Pianist er ist. Ein weiteres langes Klavier-solo geht über in eine epische Version des frühen Hits "Rocket Man". "You're fantastic", bedankt Elton John sich für die Ovationen. Erst nach 90 Minuten singt er mit "Sorry Seems To Be The Hardest Word" die erste Ballade.

"Your Song" widmet er seiner Mutter in einer ergreifenden Interpretation. Doch trübe Stimmung lässt er nicht aufkommen. Zum gar nicht traurigen "Sad Songs" wird zwischen den Sitzreihen getanzt, bei "Don't Let The Sun Get Down On Me" erinnert eine Projektion an den verstorbenen George Michael, mit dem Elton John die Nummer im Duett gesungen hat. Mit "I'm Still Standing", "Crocodile Rock" und "Saturday Night's Right For Fighting" hat Elton weitere Kracher im Programm. Das Publikum singt mit und feiert dieses Hit­feuerwerk ausgelassen.

Um 21.48 Uhr geht das Best-of-Programm mit "Candle In The Wind" zu Ende. Elton John wird mit Beifall überschüttet, er wirf Kusshände in die Menge und muss sich sputen, um nach Fuhlsbüttel zu kommen. Dort wartet bereits sein Privatflugzeug, das ihn zur nächsten Station seiner laufenden Europa-Tournee bringen wird. Heute Abend ist das Grimaldi-Forum in Monte Carlo seine Bühne. Ovationen sind garantiert.

 

 

Konzert

Mit ihm fing das alles an…

Neil Diamond

50 Year Anniversary World Tour

26.09.2017, Barclaycard Arena, Hamburg

Ich war dreizehn Jahre alt und betrat mit klopfendem Herzen den Schallplattenladen im Abendrothsweg 76. Dem Verkäufer, in der Erinnerung eine exakte Kopie des TV-Helden Jason King,  stammelte ich etwas von „emma säd“ vor, entledigte mich meiner sauer verdienten 5.-DM und fuhr mit dem Fahrrad als stolzer Besitzer meiner allerersten selbsterworbenen Schallplatte nach Hause: „Neil Diamond – I Am … I Said“. Mit dieser 45er-Single fing alles an und diese Leidenschaft für Schallplatten und Musik hat bis heute gehalten. Wenn das nicht Grund genug ist, Herrn Diamond im Konzert zu besuchen?

Die leere Bühne mit dem Cover der aktuellen „50th Anniversary Collection“-CD

Auf dem Weg vom Parkplatz in die Arena wurde mir dann erst so richtig klar, auf was für ein Konzert wir uns heute eingelassen hatten. Der Großteil des Publikums schien mindestens im gleichen Alter wie der Künstler zu sein und damit waren wir bei weitem nicht die ältesten Zuschauer. Entsprechend war auch die Halle voll bestuhlt und (damit hatte ich gar nicht gerechnet!) fast ausverkauft!

Gleich geht’s los!

Pünktlich um 20:00 Uhr kamen die Hinweise, „man möge die Plätze einnehmen, Herr Diamond würde gleich die Bühne betreten und das Licht werde gelöscht“.

Nachdem die Band die Bühne betreten und das Intro angestimmt hatte, kam der Mann auf die Bühne, der seit mehr als 50 Jahren Musikgeschichte geschrieben hat. Der Bart grau, der Gang bereits etwas schleppend und die Stimme vielleicht nicht mehr ganz so geschmeidig, wie man es von den Schallplatten noch gewohnt ist.

Trotzdem: Neil Diamond beeindruckt mit seiner Ausstrahlung, der Routine eines großen Entertainers und der letztlich immer noch angenehm einschmeichelnden Stimme.

Jeder Song an diesem Abend beweist, wie prägend er als Pop-Komponist war (und ist?) und wieviele Songs man von ihm kennt. Vielleicht nicht immer in seiner Interpretation, sehr häufig wurden seine Songs durch andere Musiker (u.a. Monkees, Deep Purple, Roy Orbison, Elvis Presley, Frank Sinatra, Shirley Bassey, Harry Belafonte, Engelbert Humperdinck, Julio Iglesias, Tom Jones, Tina Turner, UB40 oder Johnny Cash) erst richtige Klassiker.

Brooklyn Roads

Neil Diamond spielt sie heute (fast) alle. Begleitet wird er dabei von einer absoluten Top-Band, die, wenn ich mich richtig informiert habe, ihn teilweise schon seit Jahrzehnten begleitet. Das sagt auch viel über diesen Musiker aus.

Höhepunkte? Wo soll ich anfangen? Jede Menge Klassiker, darunter das gefühlvolle „Play Me“, während „Beautiful Noise“ und „Forever In Blue Jeans“ die Stimmung richtig anheizen. Dazu gibt es Auszüge von „Jonathan Livingston Seagull“ und einen Rückblick auf sein berühmtestes Live-Album „Hot August Night“ von 1973!

Für richtige Gänsehautmomente sorgen die Filmaufnahmen bei „In My Lifetime“, die ihn beispielsweise beim Tanz mit Lady Di zeigen, und „Brooklyn Roads“ das vor allem mit sehr schönen Kindheits- und Jugendbildern bzw. -filmen angereichert wird.

Trotzdem ist das keine rührselige „damals war alles schöner“-Show, dafür gibt es keinen Grund – schließlich ist Neil Diamond ein Entertainer, der seinem Publikum seine großen Hits präsentieren will. Das wird besonders bei „Red Red Wine“ oder auch „Solitary Man“ deutlich.

Das Publikum, insbesondere die Reihen direkt vor der Bühne, jubeln dankbar über fast jeden Song, es gibt reihenweise „standing ovations“ und als gegen Ende des Abends die Songs etwas flotter werden (ich habe ganz bewußt nicht „rockiger“ geschrieben), gibt es für die Zuschauer im Innenraum kein Halten mehr und viele Paare fangen an zu tanzen… natürlich „zusammen“.

Das ist dann doch ziemlich nahe dran am Schlager! Trotzdem: dieses Konzert ist für mich in erster Linie Ausdruck von Neil Diamonds Könnerschaft im Songwriting. Im Alter von 25 hat er bereits einen Song wie „Solitary Man“ geschrieben, der den Anschein erweckt, als spräche ein weitaus älterer Mann! 51 Jahre später singt dies tatsächlich ein weitaus älterer Mann, und das Lied ist immer noch frisch und eindrucksvoll.

Neil Diamond: die großen Gesten gehören offenbar zum Markenzeichen eines amerikanischen Entertainers

Mein persönlicher Höhepunkt des Abends kommt dann kurz vor Ende der Show: „I Am … I Said“! Sparsame Instrumente und Neil Diamond greift nochmal zur Gitarre! Das war der Grund, weshalb ich diesen Musiker wenigstens einmal im Leben live sehen wollte! Und es hat sich gelohnt…

Nach etwas über zwei Stunden (ohne Pause) und der ausgelassenen Version von „Sweet Caroline“, gefolgt von „Cracklin‘ Rosie“ und „Brother Love’s Traveling Salvation Show“, findet eine Show ihren gebührenden  Abschluss, die das geboten hat, wofür Neil Diamond seit Jahrzehnten berühmt ist: gutes Entertainment.

Setlist:

  • In My Lifetime
  • Cherry, Cherry
  • You Got to Me
  • Solitary Man
  • Love on the Rocks
  • Play Me
  • Song Sung Blue
  • Beautiful Noise
  • Jungletime
  • Dry Your Eyes
  • If You Know What I Mean
  • Forever in Blue Jeans
  • You Don’t Bring Me Flowers
  • Red Red Wine
  • I’m a Believer
  • Brooklyn Roads
  • Pretty Amazing Grace
  • Be
  • Lonely Looking Sky
  • Skybird
  • Jazz Time
  • Crunchy Granola Suite
  • Done Too Soon
  • Holly Holy
  • I Am … I Said
  • Sweet Caroline
  • Cracklin‘ Rosie
  • Brother Love’s Traveling Salvation Show
Pressestimmen

Mit Neil Diamond auf Zeitreise

Quelle: Simone Nebelsieck, 27.09.2017 auf NDR.de

Zuerst ist nur ein Finger zu sehen - der nach oben gestreckte Zeigefinger von Neil Diamond. Auf einer Hebebühne stehend, kommt der 76-jährige Sänger langsam aus dem Bühnenboden gefahren. Den Arm immer noch in der Luft. Eine Geste, die Neil-Diamond-Fans aus vergangenen Tagen von ihm kennen. Genau so stand der US-Amerikaner in den 70er-Jahren in Los Angeles, New York oder Sydney auf der Bühne. Und nun reckt er in der fast ausverkauften Arena im Hamburger Volkspark wieder den Arm nach oben, als wolle er sagen: "Seht her, ich kann es noch!" Und tatsächlich: Er kann sie noch, die alten Hits wie "Solitary Man", "Red Red Wine" oder "Beautiful Noise".

Die Stimme ist geblieben

Mit seiner Welttournee feiert Neil Diamond - begleitet von einer zwölfköpfigen Band und zwei Sängerinnen - sein 50-jähriges Bühnenjubiläum. Dass er bereits seit fünf Jahrzehnten auf der Bühne steht, ist dem Sänger und Komponisten durchaus anzumerken: Er bewegt sich vorsichtig, fast hölzern, jedem seiner Schritte ist anzusehen, dass ihn diese Beine schon 76 Jahre durchs Leben tragen.

Trotzdem bleibt er in Bewegung, läuft immer wieder vom linken zum rechten Bühnenrand und zurück, wippt mit dem Fuß, deutet Tanzschritte an. Und wer die Augen schließt, der sieht immer noch den jungen Künstler vor sich, denn Neil Diamond ist zwar älter geworden, seine Stimme aber ist geblieben.

In alte Zeiten zurückversetzt

Seine Fans sind dem weltweit erfolgreichen Musiker, der in seiner Laufbahn 130 Millionen Alben verkauft hat, ebenfalls treu geblieben. Im Hamburger Publikum sitzen viele Menschen, die zu den Pop-Rock-Songs mit Country-Einschlag von Neil Diamond in ihrer Jugend oder im jungen Erwachsenenalter getanzt haben. An diesem Abend tanzen sie wieder, bei einigen Liedern zieht es die Zuschauer von ihren Stühlen.

Bei dem von Diamond für die Monkees geschriebenen Titel "I'm A Believer" zum Beispiel oder bei "Song Sung Blue" bleibt niemand still sitzen. Fast alle klatschen und singen mit und bewegen sich zur Musik. Es ist für viele eine kleine Zeitreise in die Vergangenheit - in die eigene und in die von Neil Diamond. Denn auf der Leinwand über der Bühne sind immer wieder Fotos aus seiner Jugend und seiner Kindheit zu sehen.

Zwei Stunden ohne Pause

Die Zuschauer bekommen einiges geboten: Volle zwei Stunden steht der Sänger ohne Pause auf der Bühne. Nur einmal kurz setzt er sich während seines Auftritts hin, ansonsten singt er die ganze Zeit, ist immer in Bewegung. Eine Leistung, die selbst deutlich jüngeren Musikern viel abverlangen dürfte. Diamond wirkt während des Konzerts dankbar, fast gerührt. Immer wieder verbeugt er sich vor dem Publikum, bedankt sich für den häufigen Applaus.

Bis zum Ende bleibt er den Zuschauern noch einen seiner erfolgreichsten Songs schuldig: "Sweet Caroline" spielt er als Zugabe - und nun singen wirklich alle mit. Am Ende stellt sich Neil Diamond wieder auf die Hebebühne und fährt nach unten. Das Letzte, was an diesem Abend von ihm zu sehen ist, ist dieser eine Finger. Der Zeigefinger, der beweist, dass er es noch kann.

Vermisst bei Neil Diamond: das Charisma von früher

Quelle: oeh / Hamburger Abendblatt vom 28.09.2017

Der legendäre Musiker wird bei seinem Konzert in der Barclaycard Arena zum Bühnenjubiläum aber trotzdem gefeiert.

Hamburg.  Die 50 im Hintergrund der Bühne sagt es klar und deutlich. Hier wird gleich ein Jubiläum gefeiert: 50. Bühnenjubiläum. Der Jubilar kam 1941 im New Yorker Stadtteil Brooklyn zur Welt, seinen ersten Hit landete er 1966 mit "Solitary Man". Als Neil Diamond aus dem Bühnenhintergrund nach vorn geht, wo seine akustische Gitarre erleuchtet wird, erhebt sich das Publikum in der fast ausverkauften Barclaycard Arena und spendet ihm einen warmen Begrüßungsapplaus. Diamond hängt sich seine Gitarre um und beginnt das zweistündige Konzert mit "In My Lifetime". Begleitet wird er von einer famosen 13-köpfigen Band. Mit einigen der Musiker spielt er seit Jahrzehnten zusammen. Bei den ersten Songs zeigt sich, wie viel Soul in dieser Band und auch in einem Song wie "Cherry, Cherry" steckt.

Klingendes Allgemeingut

Hinter dem New Yorker dreht sich ein überdimensionaler Diamant, der Bilder seines Lebens zeigt. Neil Diamond als Kind mit seinen Eltern, mit der ersten Gitarre, die er als 16-Jähriger geschenkt bekam, als junger Sänger und als gefeierter Entertainment-Star. Mehr als 125 Millionen Platten hat Neil Diamond verkauft, 2011 wurde er in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Seine größten Erfolge datieren aus den 60er- und 70er-Jahren, Neil Diamond hat es geschafft, Songs zu schreiben, die zu klingendem Allgemeingut geworden sind. Fast 30 Nummern hat er für sein Jubiläumsprogramm zusammengestellt, die meisten seiner größten Hits sind dabei. Vermisst werden nur "Kentucky Woman" und "Girl You'll Be A Woman Soon", der in Quentin Tarantinos Film "Pulp Fiction" noch mal groß heraus kam.

Angezogene Handbremse

Immer wieder erheben die Diamond-Fans sich von den Sitzen, klatschen den Takt mit oder wiegen sich zu den Hits wie "Song Sung Blue", "Red Red Wine" und im Zugabenteil bei "Sweet Caroline" und "Cracklin' Rosie". Das Publikum huldigt seinem Idol, doch Diamonds Auftritt löst nicht gerade Euphoriestürme aus. Viele Nummern klingen, als würden sie mit angezogener Handbremse gespielt. Obwohl die Backing Band einen guten Job macht, fehlt es Diamonds Gesang an Magie. Er absolviert den Auftritt mit viel Routine. Vielleicht muss er inzwischen auch seinem Alter Tribut zollen. Die Energie eines Mick Jagger oder eines Roger Waters, die nur unwesentlich jünger sind als er, bringt er jedenfalls nicht mehr aufs Podium. Man kann einwenden, dass Diamond ja auch kein Rockmusiker sei, doch seine Studioaufnahmen haben deutlich mehr Esprit als seine aktuelle Live-Performance.

Die besten Momente hat der Abend immer dann, wenn Diamond Balladen vorträgt. "Solitary Man", später ein Hit für Johnny Cash, gehört ebenso dazu wie "Both Sides Now" aus der Feder von Joni Mitchell oder "Brooklyn Roads", ein Song über den Stadtteil, in dem Diamond aufgewachsen ist und der ihn entscheidend geprägt hat. Doch das Charisma früherer Auftritte fehlt dem Singer-Songwriter an diesem Abend. Es gab schon bessere Jubiläen.

 

 

 

 

Konzert

Und das soll es jetzt gewesen sein?

Deep Purple

The Long Goodbye Tour

30.05.2017, Barclaycard Arena, Hamburg

Ich habe es mal kurz überschlagen. Vor knapp 46 (sechsundvierzig!) Jahren bekam ich „Deep Purple In Rock“ in die Finger und löste damit bei uns zuhause ein kulturelles Erdbeben aus. Mein Vater legte die ihm damals völlig unbekannte Schallplatte in meiner Abwesenheit auf und… in anderen Kreisen wäre ich vermutlich enterbt worden. Der Schock war riesig und wir kamen zeitlebens nicht mehr auf einen gemeinsamen Musikgeschmack.

Und heute stehe ich mal wieder erwartungsvoll bei einem Purple-Konzert in einer Halle und kann es noch nicht wirklich glauben. Das soll es wirklich gewesen sein? Das Erlebnis mit „In Rock“ war doch gerade eben erst…. Aber die Band hat mit dem aktuellen Album Infinite und dem Titel der Tour ein deutliches Zeichen gesetzt. Das Ende nähert sich zumindest.

Das „Golden-Circle“-Armband!

Während ich beim Status Quo-Auftritt am gleichen Ort noch über die „Golden-Circle“-Karten gelästert hatte, stehe ich zur Feier dieses Ereignisses selber in dem abgegrenzten Bereich vor der Bühne und finde es… eigentlich geil! Hier habe ich doch ein bisschen mehr Platz, kann mich frei bewegen und werde beim Fotografieren nicht ständig angerempelt. Was so ein Armband doch ausmacht 🙂

Monster Truck

Aber jetzt lassen wir es endlich krachen. Und damit sind wir dann auch schon bei der Vorband. Auch hier, wie seinerzeit bei den Rival Sons, hat das Management ein glückliches Händchen bewiesen. Monster Truck aus Kanada spielen eine deutlich an den 70ern orientierte Mischung aus Hard-, Blues- & Southern-Rock. Das macht (mir) unheimlich Spaß, das Set hätte unter anderen Umständen durchaus länger dauern dürfen. Also kommt auch heute ein Name auf meinen Merkzettel. Mal sehen, wann die Monster Truck-Jungs wieder in der Gegend sind.

 

Als dann nach einer kurzen Umbaupause in der nicht ganz gefüllten Halle die Lichter ausgehen und Ian Gillan mit dem sakralen Sprechgesang das brandneue „Time For Bedlam“ einleitet, da sind alle diese Gedanken und Überlegungen vergessen.

Deep Purple

Die Band startet dynamisch, wuchtig, voller Präzision und so geht es für knapp 100 Minuten von einem Highlight zum nächsten. Alle alten Kracher, ob „Fireball“, „Strange Kind Of Woman“, „Bloodsucker“ oder „Lazy“ erwachen erneut zum Leben. Daneben stehen dann aber auch schon die aktuellen Stücke „Johnny’s Band“, „Uncommon Man“, „The Surprising“, „Birds Of Prey“ und „Hell To Pay“.  Für mich geht die Geschichte nahtlos weiter und wenn man diesen Songs Zeit geben könnte… ich glaube auch das wären eines Tages Klassiker.

 

Die Bühne wird dominiert durch eine riesige Videowand, neben Livebildern aus diversen Kameras werden auch immer passende Motive zu den jeweiligen Songs eingeblendet. Unterhalb der Videowand sind die Lautsprecherwände als Eismauern dekoriert, passend zum Design des neuen Albums. Das alles passt optimal zur Musik, nicht effektheischend und trotzdem effektvoll!

Gegen Ende des Konzerts scheint Ian Gillan dann aber Probleme mit der Stimme zu bekommen. Ich beobachte häufig, wie er mit weggehaltenem Mikro deutlich hustet. Als dann im Zugabenteil auch noch „Highway Star“ durch extrem ausgedehnte Improvisationen zwischen Don Airey und Stever Morse übersprungen wird, ist das für mich ein weitere Hinweis darauf. Trotzdem macht dieser Mann einen tollen Job. Mit 71 Jahren  ist vermutlich jedes Konzert für einen Rocksänger eine Art Marathonlauf.

Don Airey war für mich lange Zeit immer „nur“ der Nachfolger von Jon Lord, aber heute Abend haute er ein Keyboardsolo raus, vor dem sich auch Jon Lord verbeugen würde! Ich hätte noch eine halbe Stunde länger zuhören können. Das war ein perfektes „Erkennen-Sie-Die-Melodie“-Solo bei dem ich mit dem Zählen nicht mehr mitkam. Der Höhepunkt war dann „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“! Wenn da noch der blonde Hans auf die Bühne gekommen wäre… mich hätte es nicht gewundert.

Über Ian Paice, Roger Glover und Steve Morse noch extra Worte verlieren? Ich würde Eulen nach Athen tragen. Auch heute erlebte ich sie als perfekte Musiker. Von „alten Männern“ konnte in dem Zusammenhang keine Rede sein!

 

Wie ich am Anfang schon schrieb… ein Highlight jagte das Nächste und schließlich kamen dann auch die Songs, die seit Jahren immer zum Ende der Show kommen! Natürlich „Smoke On The Water“ und ganz zum Schluss „Hush“ und „Black Night“.

Smoke On The Water

Ich werde wohl nie im Leben einen meiner ersten Lieblingssongs dieser Band live erleben. „Flight Of The Rat“ hat es, soweit ich weiß, nie auf eine Setlist geschafft. So auch heute nicht und das war dann für mich auch der einzige Wermutstropfen.

Denn ganz ehrlich: nach so einem Auftritt kann es eigentlich noch nicht zu Ende sein…

…in Hamburg sagt man Tschüss
Pressestimmen

Deep Purple in Hamburg: Ein letztes Mal Luftgitarre?
(Quelle: Tino Lange, Hamburger Abendblatt v. 30.05.2017)

Hamburg. "Es hat nie einen coolen Keyboard-Spieler gegeben, außer Elton John", ist einer der zahlreichen launischen Sprüche von Noel Gallagher. Er übertreibt gern, der streitbare Lautsprecher. Deep-Purple-Gründer Jon Lord, gestorben 2012, war nämlich auch cool. Und auch sein Nachfolger Don Airey weiß zumindest, was er tut beim Konzert der britischen Hardrocker am Dienstag in der Hamburger Barclaycard Arena.

Einen Teppich aus Orgelläufen unter das Trommelgedonner von Ian Paice, die Riff-Kaskaden von Steve Morse, die Bassläufe von Roger Glover und die immer noch kernige Stimme von Ian Gillan ausrollen. Und beim Solo "Auf der Reeperbahn nachts um halb eins" und die Nationalhymne einbauen. Ein anstrengender Job mit 68 Jahren.

Die Songs aus den frühen 70ern kommen am besten an

Vielleicht ein Grund, warum die Tour "The Long Goodbye Tour" heißt. Es ist keine offizielle Abschiedsreise, aber man möchte sich wohl zumindest die Option offen halten, falls es die Gesundheit nicht mehr zulässt. Ian Paice musste vor einem Jahr nach einem leichten Schlaganfall das erste Mal in 50 Purple-Jahren Konzerte absagen. Das gibt zu denken. Im Hamburg aber trommelt Paice wie ein Duracell-Hase, beginnend beim Opener "Time For Bedlam" vom neuen Album "Infinite" und dem ersten Klassiker "Fireball" aus dem Jahr 1971. Beeindruckend, was der Mann an den Kesseln abliefert.

Passend begleitet von einer großen Videoleinwand geht es im Wechsel durch altes und neues Material, von "Strange Kind Of Woman" zu "Johnny's Band", wobei natürlich die Songs aus den frühen 70ern Marke "Space Truckin'" am besten ankommen beim übersichtlichen Publikum. Wo andere Hardrock-Pioniere mit vermeintlichen (Scorpions) oder tatsächlichen (Black Sabbath) Abschiedstourneen noch einmal große Arenen füllen, kommen am Dienstag nur knapp 5500 gut aufgelegte Besucher, um vielleicht (!) ein letztes Mal bei "Smoke On The Water" hinten im Innenraum die Luftgitarre aus dem Luftkoffer zu holen.

Sei es drum, sie bekommen nach 100 Minuten, nach "Hush" und einem Bass-Solo von Roger Glover mit "Black Night" das würdige Finale eines schön erdigen, hart rockenden Konzertabends. Am 8. Juli spielt an gleicher Stelle übrigens Elton John. Cool, oder?

Die alten Hardrock-Haudegen lassen es krachen

(Quelle: Gérard Otremba auf Sound & Books)

Das Warten auf „Smoke On The Water“ dauert knapp 80 Minuten. Dann endlich erklingt am 30.05.2017 der berühmteste Gitarren-Rock-Riff aller Zeiten durch die Hamburger Barclaycard-Arena. Das Publikum gerät nicht in Ekstase, schließlich ist die Hälfte davon damit beschäftigt, diesen Augenblick mit ihrem Smartphone festzuhalten, aber selbstverständlich brandet ein frenetischer Jubel aus, als Steve Morse in die Saiten greift. Beste Unterhaltung boten Deep Purple schon vorher.

Der Einstieg in das Hamburg-Konzert der „The Long Goodbye Tour“ ist mit dem monströsen „Time For Bedlam“ von neuen Album Infinite, mit dem Geschwindigkeitsrausch von „Fireball“, dem deftigen „Bloodsucker“ und dem Klassiker „Strange Kind Of Woman“ schlicht spektakulär. Ian Gillan presst, was das Zeug hält, oder seine Stimmbänder mit 71 Jahren noch hergeben, Morse und Keyboarder Don Airey setzen mit ersten Soli Akzente, Bassist Roger Glover und Schlagzeuger Ian Paice, einziges Ursprungsmitglied der Hardrock-Institution, geben Gas.

Von diesem Beginn müssen sich alle erstmal erholen, und so fällt der Mitteilteil des Deep Purple-Auftritts im Vergleich zum Beginn und dem Ende etwas ab. Was schlicht daran liegt, dass die neueren Songs nicht an die Klasse der alten heranreichen. Das ist nicht weiter tragisch, aber „Johnny’s Band“, „Uncommon Man“, „The Surprising“, „Birds Of Prey“ und „Hell To Pay“ sind lediglich gute und solide Deep Purple-Ware. Ausreichend, um die Virtuosität der einzelnen Bandmitglieder zu unterstreichen, aber die Halle zum Kochen bringen sie nicht.

Unterbrochen wird die Passage der neuen Songs von „Lazy“, dessen Orgelintro fast schon zu einer narzisstischen Einlage Aireys gerät. Gillans Gesang ist hier nicht ganz so prägnant wie das Zusammenspiel seiner Kollegen, doch für einen Urschrei reicht es allemal. Nachdem Don Airey seine Fingerfertigkeit an den Tasteninstrumenten zwischen Kirchenorgelpomp und „Auf der Reeperbahn nachts um halb eins“ zur Schau gestellt hat, gelingt dem Quintett ein irrsinnig gutes  „Perfect Strangers“ und bei „Space Truckin‘“, von Gillan mit einem teuflischen Lachen eingeleitet, läuft die Maschinerie zwischen Glover und Paice auf Hochtouren.

Aufgrund der ständigen Gitarren- und Keyboardsoli stehen die beiden ein wenig im Schatten von Morse und Airey, die sich auch während der ersten Zugabe „Hush“ einen instrumentalen Schlagabtausch liefern. Zwischen „Hush“ und dem donnernden „Black Night“ dürfen Glover und Paice dann als Duo den Applaus einheimsen. Die Power bei „Smoke On The Water“ als Höhepunkt vor den Zugaben ist noch da, einzig das Fehlen des besten Deep Purple-Songs „Child In Time“ hinterlässt einen Wermutstropfen. Mal sehen, wie lange die „Goodbye Tour“ von Deep Purple dauert, vielleicht besteht ja noch die klitzekleine Chance, diesen ewigen Klassiker live zu Gehör zu bekommen.

Konzertbericht Monster Truck und Deep Purple - Hamburg

(Quelle: Andreas Lewandowski auf BundUndTon)

Newcomer Retro Rocker "Monster Truck" und Hardrock Veteranen "Deep Purple" in der Barclaycard Arena, Hamburg 30.05.2017. Am Dienstagabend, den 30.05.2017, versammelte sich die Hard-Rock Gemeinde in der Arena in Hamburg. Rund 5.500 Fans hatten die Arena gut gefüllt.

Pünktlich um 20.00 Uhr stürmen die kanadischen Musikern "Monster Truck" auf die Bühne. Während der Drummer der Hamburger Location angepasst im "St. Pauli-Totenkopfshirt" hinter den Drums seinen Platz einnimmt, prügelt der Gitarrist Jeremy Widerman die ersten Riffs von "Old Train" vom ersten Album "Furiosity" (2013) mit nacktem Oberkörper in das Publikum. Genauso energiegeladen kommen die nächsten beiden Songs vom aktuellen Album "Sittin' Heavy" von der Bühne.

Die markige Stimme von Bassist Jon Harvey wird bei "The Enforcer" vom Chorgesang der anderen Bandmitglieder begleitet. Ausgedehnte Gitarrensoli treiben die Songs voran. Dass die Band auch ruhige Songs gut rüberbringt beweisen sie mit dem langsamen Bluesrock-Titel "For the Sun". Im letzten und 8. Song des Sets wird mit "The Lion" der eingängige Riff-Rock zelebriert. Auch wenn "Monster Truck" mit Ihrem Retro Rock nicht wie die nachfolgenden "Deep Purple" Musikgeschichte schreiben werden, sondern eher Elemente der 70er Hard-und Bluesrock solide mischen und daraus knackige Songs machen, hat dieser Auftritt richtig Spaß gemacht und war mehr als ein bloßes Vorprogramm.

Dann kündigt sich der Auftritt von Deep Purple an. Die Fans hoffen natürlich, dass der Auftritt nicht so unterkühlt sein wird wie das auf die Riesenleinwand hinter der Bühne projezierte Bild. Dort sind die Köpfe der Band in Reminiszens zum" Mount Rushmore"-Cover von "Deep Purple in Rock" nun in einen Gletscher gemeißelt. Für diese Besorgnis gibt es aber keinen Grund. Die Band steigt gleich mit "Time for Bedlam" einem neuen Song des aktuellen 20. Studioalbums "Infinite" ein. Dieser Song vereinigt noch einmal all das was diese Band hat groß werden lassen - grandiose Melodieführung - das Wechselspiel von Gitarrensoli und Keyboard / Hammond Orgel auf einem Rhythmusteppich von knüppelnden Drums und virtuosem Bass.

Die Tour steht unter dem Motto 'Infinite' - The Long Goodbye Tour - und ist damit auch bei der Songauswahl eine Werkschau. Mit den 3 folgenden Stücken "Fireball" "Bloodsucker" und "Strange kind of woman" wird auf die wohl erfolgreichste Zeit der Band Anfang der 70er zurückgegangen. Gerade bei "Fireball" und "Bloodsucker" nimmt die Band richtig Fahrt auf. Sämtliche Songs haben ihre Ausdruckskraft nicht verloren. Die Gitarrensoli von Steve Morse werden von Keyboard-Orgien abgelöst und es entwickelt sich ein Duell zwischen Sänger Ian Gillan und Steve. Es folgen diverse Stücke von den neueren Alben, die die Band etwas geruhsamer angeht. Bei dem ausgedehnten Keyboard-Solo beweist Don Airey noch einmal , dass er die würdige Nachfolge von Jon Lord angetreten hat.

Hier wechseln klassische Einsprengsel mit "Auf der Reeperbahn nachts..." um dann in voluminösen Hammond-Kaskaden zu enden. Mit "Perfect Strangers" geht es dann in die rasante Endphase des Konzerts. Mit dieser Hymne hatte die Band mit der wechselvollen Geschichte eine neue Hochphase eingeleitet als sich 1985 die legendäre, sogenannte MK II Besetzung erneut formierte. Bei den letzten beiden Stücken kommen dann die Fans der ersten Stunde wieder auf Ihre Kosten. Mit "Space Truckin' und dem legendären "Smoke on the Water" beweisen Deep Purple Ihre Durchschlagskraft und reißen das Publikum förmlich mit.

In der Zugabe werden die Stücke "Hush" und die damalige Single "Black Night" durch ein Zwiegespräch zwischen Bassist Glover und Drummer Paice verbunden, bei dem Glovers virtuose Bassläufe vom hämmernden Schlagzeug des Ian Paice unterlegt werden. Am Ende sind die Fans hochzufrieden und hoffen, dass es sich bei dem Auftritt tatsächlich um eine "Long Goodbye" und nicht um ein "Last Goodbye" für Hamburg gehandelt hat. Die Vitalität der Band spricht jedenfalls für ein Wiedersehen.

 

 

 

Album

Deep Purple – Infinite (Large Box-Set) (p) 2017

Unendlich?? Unendlich gut!!
Also: ich werde hier nicht auf die Songs eingehen, ich werde nicht über das Fehlen von Ritchie „Strumpfhosen“ Blackmore jammern… ich will nur ganz kurz(?) das Feeling wiedergeben, mit dem ich heute das inFinite-Large Box Set ausgepackt und aufgelegt habe. Kurzer Sprung zurück: vor knapp 45 Jahren hielt ich „In Rock“ in den Händen und war nach den ersten Takten(?) von Speed King elektrisiert. Und dann das Cover… in Stein gemeißelte Götter (okay, ich war erst 13 Jahre alt!) des harten, progressiven Rock.
Und heute kommt mit der Post dieses Riesenpaket und ich sehe die in Eis erstarrten… nein, es sind keine Götter mehr… Gesichter dieser großartigen Musiker und höre den Sound von vor 45 Jahren: die wabernden und dröhnenden Keyboards, eine melodisch-jaulende Gitarre, hämmernde und swingende Drums, den pulsierenden Bass und lediglich der (immer noch unverkennbaren) Stimme des Sängers merkt man die vergangenen Jahre an.
Das ist aber in keiner Weise negativ gemeint… jeder Satz, jede Phrasierung sitzt und kommt auf den Punkt. Hier erzählt ein reiferer Mann Geschichten, die das Leben geschrieben hat. Der wütendende und zornige „Jesus Christ Superstar“ gehört schon lange der Vergangenheit an, Ian Gillan hat seine Stil angepasst und es passt wie Dein Paar Lieblingssneaker.
Ich lasse mich für eine dreiviertel Stunde zurückfallen, genieße den Jameson und Bilder aus den vergangenen Jahre ziehen vorbei. Und wenn dies wirklich die letzte Scheibe sein sollte, dann ist das ein absolut würdiger Schlussakkord… verglichen mit dem Müll, den ich eben auf Vox bei der Echo-Verleihung gesehen habe, eine wahre Offenbarung.
Aber so wirklich mag ich es nicht glauben. Vielleicht folgt ja doch noch ein wirklich wahres letztes Album?? Und jetzt beginnt gerade „Roadhouse Blues“, ich muß Schluss machen und die „Live Tapes“ auflegen. Habe ich noch etwas vergessen? K a u f e n !! Diese Scheibe verdient alle Sterne der Welt!

 

Konzert

Rolle rückwärts in die Zukunft?

Rival Sons

Teatro Fiasco-Tour

26.02.2017,  Docks, Hamburg

Mittlerweile ist es drei Jahre her, das ich bei der besten Band der Welt eine Vorgruppe sehen durfte, die mich mehr oder weniger aus den Socken gehauen hat! Seitdem habe ich mir von den Rival Sons alle Alben besorgt, selbstverständlcih in Vinyl.

Weshalb Vinyl? Abgesehen davon, das Schallplatten einfach schöner als CDs sind… diese Band muss man auf Vinyl hören!
Auf Laut.de ist in diesem Zusammenhang zu lesen: „Rival Sons sind im Grunde das Musterbeispiel für Retro-Rock: Led Zeppelin mit Deep Purple-Orgel und schwere Black Sabbath-Riffs, garniert mit ein wenig psychedelischem Geschwurbel. Angestaubt klingt allerdings anders!“

Nachdem die Band den Support für die Black Sabbath-Abschiedstournee hinter sich gebracht hatte, ging es auf auf die Teatro Fiasco-Tour und gottseidank führte diese auch nach Hamburg.

Howie Pyro at work!

So stand ich dann rechtzeitig im Docks und suchte mir dort einen Platz in der Nähe des Mischpults. In dieserkleinen Location kann man auch vom Mischpult perfekt sehen. Direkt hinter dem Mischpult bemerkte ich einen langhaarigen Späthippie, der auf zwei Turntables 45er-Vinyls auflegte! Ein richtige DJ, kein Scratchen oder Dancefloor… nein: richtiger Rock’n’Roll aus den 60ern! Rauh, wild, frech und relativ unbekannte Nummern. Dieser DJ war damit schon Teil des Konzertes bzw. des Programms, wie Rival Sons-Frontmann Jay Buchanan später mitteilte.

Derrick Brown

Denn im Anschluß an die Konserven-Musik gab es auf der Bühne Poetisches zum Auftakt. Der wesentlich jüngere Derrick Brown gab, begleitet von Hubschraubergeräuschen und Synthieklängen eine Lesung. Dabei ging einiges am Publikum vorbei, trotzdem gab es keine Pfiffe.

Und dann gab es was auf die Ohren!
Rival Sons

Mehr nach dem Geschmack der Fans waren dann die Headliner. Mit den Klängen von Ennio Morricones „The Good, The Bad & The Ugly“, kam die Band auf die Bühne und starteten mit dem ersten Teil des Titelsongs ihrer aktuellen Platte „Hollow Bones“ auch gleich krachend los. Mit „Tied Up“ und „Thundering Voices“ wurden dann noch zwei Stücke des neuen Albums nachgeschoben.

Wenn die Italo-Western-Hymne nicht schon ein Hinweis gewesen wäre… Lightshow und Equipment machten deutlich, an welcher Ära sich die Rival Sons orientieren. Viel mehr „Vintage“ in Sachen Bandausstattung dürfte kaum drin sein als Gibson Firebird-Gitarre, Fender Jazz Bass, Orange- und Ampeg-Verstärker, ein Gretsch Drumkit sowie Tasteninstrumente von Hammond – und genau das hört man den Jungs aus Kalifornien auch an. Was da brachial aus dem Boxen klang, war und ist feinster Blues- und Garage-Hardrock mit einem deutlichen 1970er Jahre-Einschlag.

Wenn ich mich so umschaute, dann hatte auch ein Teil des Publikums dieses Jahrzehnt am eigenen Leibe miterlebt und feierte dementsprechend die kompromisslosen Riffs, die Gitarrist Scott Holiday und Tieftöner Dave Beste  raushauten.  Dazu der mächtige  Wumms von Drummer Mike Miley. Über allem schrie, weinte, stöhnte und brüllte die markante Stimme von Jay Buchanan, der den Songs mit seinem mächtigen Organ das gewisse Etwas verlieh. So ähnlich müssen sich damals die jungen Doors, Led Zeppelin und ja, auch Deep Purple angehört haben.

Ich konnte mich fast zurückversetzen in irgendeine Konzerthalle der frühen bis mittleren 1970er. Der erdige, bluesige Rock der Rival Sons wirkt wie aus einer anderen Zeit, ohne dabei jedoch nur Kopien zu präsentieren. Das liegt unter anderem auch an dem aktuellen Sound des bärtigen Tourkeyboarders Todd E. Ögren-Brooks, der  mit den  eingestreuten Synthesizereffekten dem Ganzen eine modernere Note verpasste.

Mit der vom Publikum gefeierten Version von „Torture“ brachen dann so langsam die Dämme. Buchanan hatte uns Fans überflüssigerweise gefragt, ob wir bereit für die Party wären… von da an bebte das Docks!

„Open My Eyes“ und „Torture“ wurden lauthals mitgesungen und nach dem finalen „Keep On Swinging“ war meine Stimme weg. Feierabend. Schluss, aus und fertig!

Mehr ging nicht, obwohl… ich hätte so gerne noch „Good Things“ gehört!

Aber diesen Gedanken brauchte ich nicht zu Ende denken, denn das war’s. Es gab keine Zugabe! Das wäre dann wirklich ein Punkt, wo die Jungs von den alten Rockhelden noch etwas abgucken könnten!

… this ist the end my friends!

Zum Abschluss des ansonsten sehr gelungenen Abends holte die Band ihr ungewöhnliches Vorprogramm noch einmal auf die Bühne und stellte sämtliche am Tourbetrieb beteiligten Leute vor, bevor sie unter donnerndem Applaus die Bühne verließen.

Pressestimmen
Konzert-Tipp

Rival Sons: Die Söhne der Väter des Rock im Docks

(Quelle: Tino Lange, Hamburger Abendblatt vom 24.02.2017)

Auch wer nicht so vertraut mit den Rivals Sons ist, konnte den vier Hard­rockern aus Long Beach (Kalifornien) in den vergangenen Jahren kaum aus dem Weg gehen. Wenn Black Sabbath, Deep Purple, Scorpions oder Judas Priest durch die Lande zogen, konnte man sicher sein, dass die Band im Vorprogramm Rival Sons heißt. Und ein paar Monate später bei den eigenen Clubshows, etwa am 26. Februar im Docks, findet sich vielleicht mancher Gast ein, der mehr von den Kaliforniern sehen und hören möchte.

Sehr langsam, aber sehr stetig sind die Rival Sons zu einer festen Zwischengröße geworden, die in jedem Club, von Gruenspan über Uebel & Gefährlich und Mojo Club gut ablieferte. Sie haben keinen Hit, aber sie haben zwischen 2009 und 2016 fleißig fünf Alben veröffentlicht und bewegen sich zumindest in Deutschland und Großbritannien in Top-20-Regionen. Und während die letzten Takes einer Platte noch abgemischt werden, hasten die Sons auch schon wieder mit leichtem Gepäck und schwerem Gerät zum Tourbus.

Viel Aufwand für den Applaus. Robin Everhart, kein Wrestler oder Pornostar, sondern Bassist der Band bis 2013, konnte diesen steinigen Weg nicht mehr mitgehen und verließ die Combo, für ihn ist Dave Beste zu Sänger Jay Buchanan, Gitarrist Scott Holiday und Schlagzeuger Mike Miley gestoßen. Am Sound hat sich dadurch nichts geändert.

Die Rival Sons waren schon auf den ersten Alben "Before The Fire" (2009) und besonders bei "Pressure & Time" (2011) ein Thermomix für Blues- und Hardrock der 60er- und 70er-Jahre und sind es auch auf der aktuellen Scheibe "Hollow Bones" (2016) geblieben. Einflüsse von Led Zeppelin, Free, Cream, Deep Purple und Doors sind die Hauptzutaten, fein abgestimmt mit Glamrock und Soul, kräftig erhitzen und umrühren. So entsteht dann ein Song wie "White Noise" mit Riffs, die flackernd irrlichtern wie LSD-inspirierte "Beat-Club"-Fernseheffekte, Drum-Geprügel im Geiste von Led Zeps John Bonham, hallendem Gesang und – trotz allen Donners – der einnehmenden Melodiösität von Cream.

"Cock Rock" (Schwanzrock) hätte man das vor Jahrzehnten noch genannt. Jenes Etikett, das eigens für Led Zeppelin erfunden wurde. Das Röhren, Schreien, Stöhnen, Flüstern, die offensiven Posen und Gesten, die Selbstdarstellung, das findet sich auch bei den Rival Sons wieder: "Hot lady, hot lady, you're my sexy girl. Hot lady, gonna take you the promised land", verspricht Jay Buchanan in "Elec­tric Man". Das Hemd ist offen bis zum Bauchnabel, mehrere Halsketten baumeln im Takt. Mike Miley zeigt kleine artistische Kunststückchen mit seinen Trommelstöcken. Scott Holiday wippt auf hohen Absätzen und verzieht das Gesicht wie bei einer rektalen Zahnoperation. Tour-Keyboarder Todd E. Ögren-Brooks entlockt seinen Tasten das Kreischen gepeinigter Seelen aus der Hölle. Bassist Dave Beste steht rum.

Das hat man alles schon tausendfach gesehen und gehört. Aber es wird immer funktionieren. Weil es laut ist. Weil selbst leisere Songs wie "Face Of Light" irgendwann laut werden. Alle Regler hoch, durchstarten und abheben.

Konzert

Versprochen ist versprochen!

Gotthard
25th Anniversary-Tour

14.02.2017, Markthalle, Hamburg

Mittlerweile ist es fast neun Jahre her, da erlebte ich Gotthard als Support bei Deep Purple auf deren 40th Jubilee-Tour.

Bereits damals hatte ich mir vorgenommen, diese Band noch einmal als Headliner zu sehen. Das es dann solange dauern würde  und es damit auch Gotthards 25th Jubilee-Tour wäre, das konnte ich nicht ahnen. Die Zeit vergeht halt schneller als man denkt. Für die eingefleischten Fans dieser Band trat in der Zwischenzeit ein tragisches Ereignis ein. Der damalige Sänger Steve Lee starb 2010 bei einem Autounfall und seit 2011 steht daher Nic Maeder am Mike.

Alles das hatte ich mir vor dem Konzert angelesen und war durch das tolle neue Album „Silver“ richtig neugierig.

So stand ich dann an einem saukalten Februarabend in einer Schlange, die fast bis zur Amsinckstrasse ging, und wurde langsam in die proppevolle Markthalle und dann fast bis vor die Bühne geschoben.

Pretty Maids

Dort startete der Abend mit den Pretty Maids, den „Hübschen Mädchen“. Die heißen Rock-Bräute entpuppten sich als dänische Hard-Rock-Band, deren Gründungsmitglieder Kenneth Hansen („Ken Hammer“) und Paul Christensen („Ronnie Atkins“) sich bereits vor 35 Jahren nicht nur den englischen Bandnamen, sondern auch  sich selber englische Künstlernamen verpassten, um auch außerhalb ihrer Heimat Erfolg zu haben . Der Plan ging  offenbar auf und auch wenn man den „Jungs“ das Alter ansieht, die Musik geht wirklich gut ab. Sicher nichts Überraschendes oder Innovatives, aber mit der Dose Bier in der Hand und ein paar Kumpels kann man mit diesen Mädchen eine Menge Spaß haben.

Heute war aus dem nahen Dänemark eine ganze Kolonie dänischer Fans in die Markthalle gepilgert, die von „Ronnie Atkins“ begrüßt wurden. Mit dieser Band, angefeuert durch die dänischen Fans, kann als Support für Gotthard nichts schief gehen.

Pretty Maids

Die Musik ist hart, laut und geht voran. Ehrlicher Rock halt. Die Pretty Maids leben Rock´n Roll und deren Fans lieben sie dafür. Frenetischer Jubel.

Und dann kommen Gotthard. Vor dem Schlagzeug steht jetzt in großen Lettern der Schriftzug „Silver“ und „flüssiges Silber“ scheint von den Boxen zu tropfen.  Die Musik von Gotthard, das ist schnörkelloser Classic Rock. Fast in einer Liga mit Whitesnake oder Bon Jovi.

Gotthard

Es beginnt mit dem Titelsong vom neuen Album und die Party nimmt Fahrt auf. “Hush” bereits im ersten Drittel als Reminiszenz an ihre Vorbilder Deep Purple. „Stay With me“ und „Mountain Mama” folgen.  Gotthard wissen was zur Show gehören muss: Rudelrock, Gitarre-über-Kopf spielen, Gitarren-Solo. Und natürlich das typische Posen. Gegenüber 2008 scheinen sie sich damit aber etwas mehr zurückzuhalten…

Und sie können natürlich auch Balladen. Drei akustische Stücke im Mittelteil nehmen etwas das Tempo heraus und gönnen den Fans die teilweise benötigte Pause!

Der Balladenteil:
„One Life, One Soul“

Vor dem Zugabenteil dann das obligatorische(?) Drum-Solo,

Apropos Drum-Solo!  Drumsolos sind ja wirklich nicht jedermanns Sache. Heute war es aber aus einem besonderen Grund erwähnenswert.

Mir war schon die ganze Zeit aufgefallen, dass der Drummer vom Blatt spielte. So etwas hatte ich auf einer Rock-Bühne bisher nie bemerkt. Die Erklärung folgte daher durch Nic Maeder!

Dani Löble:
Vom Blatt gespielt!

Der etatmäßige Drummer von Gotthard, Hena Habegger, war kurz vorher krankheitsbedingt ausgefallen. In einer nur sechstägigen Einspielzeit hatte es der Helloween-Drummer Dani Löble geschafft, sich alle Songs der Gotthard-Setlist anzueignen, um seinen Kumpels aus der misslichen Lage zu helfen.

Keiner in der Halle hätte vermutlich einen großen Unterschied zu den original getrommelten Versionen gehört. Das war eine ganz starke Leistung!

Als Zugabe gab’s dann noch „Standing in the Light“ und „Anytime Anywhere“ und damit wurden wir schließlich in die kalte Hamburger Nacht entlassen. Und wenn ich ehrlich bin… der Wechsel aus der heißen und stickigen Markthalle in die frische Hamburger Nachtluft tat trotz des tollen Konzerts richtig gut!

 

 

Konzert

Ich glaub, ich bin im Kino…

The Best Of John Williams

Bolschoi-Orchester unter der Leitung von
Claudio Vandelli

Moderation: Knut Elstermann

24. Januar, 2017, Barclaycard-Arena, Hamburg

Das mit dem Kino, na gut, das ist eine plumpe Überschrift und passt so nicht ganz zu dem tollen Abend, den ich gestern mit unserem Ältesten erleben durft.

Zu Weihnachten bekam ich diese Einladung zu einem Sinfonie-Orchester-Konzert  geschenkt und war zunächst wirklich überrascht. Das war eigentlich überhaupt nicht meine Art von Musik, auch hatte ich diesen Geschmack noch nie bei unserem Nachwuchs bemerkt. Klassische Orchester haben mich bisher eher bei den Annäherungsversuchen zwischen Rockmusik und Klassik (u.a. Deep Purples „Concerto for Group and Orchestra“, „April“) interessiert. Aber ein ganzes Konzert…?

Bis es mir dämmerte! John Williams! Na klar: „Star Wars“, „Indiana Jones“, „E.T.“, „Superman“ usw usw!

Der 5-fache Oscar- und 12-fache Grammy-Preisträger John Williams zählt zu den erfolgreichsten Hollywood-Komponisten aller Zeiten und dessen Filmmusiken haben sich vermutlich nicht nur bei uns in die Gehörgänge gebrannt.

So saß ich dann neugierig in der knapp halbvollen Barclaycard-Arena und harrte mit Sohnemann der Dinge.

Zunächst erschien eine Grußbotschaft des Komponisten auf der riesigen Videowand, dann nahm das Orchester die Plätze ein und bereits die ersten Takte lösten jeden Vorbehalt bei mir auf!

Das 70-köpfige Sinfonie-Orchester unter der Leitung des italienischen Dirigenten Claudio Vandelli präsentierte eine tolle Symbiose von Orchester und Filmleinwand. Der perfekte Sound zu den gezeigten Szenen und Animationen der bekannte Filme sorgte immer wieder für Gänsehautmomente (das u.a. Video gibt den Sound leider überhaupt nicht wieder!).

Der Wechsel von bombastischen Sounds  („Star Wars“ / „Superman“ / „Indiana Jones“) zu ruhigen und einfühlsamen Momenten („Schindlers Liste“ / „Die Geisha“ / „Harry Potter“) war beeindruckend.

Zwischen den Stücken moderierte der Filmkritiker und Radiomoderator Knut Elstermann. Fakten und Anekdoten zu Filmen, Regisseuren und Schauspielern sowie die Einflüsse bekannter klassischer Komponisten auf das Werk von Williams, machten den Abend zu einer ausserordentlich spannenden und unterhaltsamen Veranstaltung für jeden Musik- und Filmfan!

Wenn es überhaupt etwas zu bemängeln gab, dann war es das Übergewicht der „Star Wars“-Musik, vermutlich sehen Fans dieser Reihe das jedoch völlig anders.

Egal! Zum Schluss durfte das Publikum zum „Imperial March“ kräftig mitklatschen und belohnte das Orchester schließlich mit „standing ovations“.

Mir hat der Abend richtig Spaß gemacht. Manchmal lohnt es doch, sich auf neue Dinge einzulassen!

Konzert

The Beginning Of The End…?

Status Quo

10.11.2016, Last Night Of The Electrics-Tour 2016, Barclaycard Arena, Hamburg

Musikalische Früherziehung sah bei uns vor zig Jahren so aus, dass wir mit unseren Söhnen, kaum dass sie alt genug waren, ein Open-Air-Konzert besuchten. Im Stadtpark in Hamburg sahen wir gemeinsam Status Quo. Ich bin nach wie vor der Meinung, es kann für Kinder als Einstieg in die Rockmusik schlechtere Bands geben.

Als Status Quo dann im letzten Jahr bekanntgaben, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen werden, war es deshalb fast sofort klar, dass wird ein Familienausflug.

Und mit Uriah Heep als „special guest“…, aber das ist wieder eine andere Geschichte.

Die Barclaycard-Arena war nicht ganz ausverkauft und trotzdem kamen wir nicht nach vorne an die Bühne. Hier war ein knapp 20m tiefer Bereich vor der Bühne den Inhabern einer sogenannten „Gold-Circle“-Karte vorbehalten. Wir leben in seltsamen Zeiten… früher standst Du direkt an der Bühne, wenn Du schneller als die anderen Fans warst. Aber früher war auch mehr Lametta.

So standen wir direkt an der Grenze zu „Gold-Circle“ und hatten auch dort eine tolle Sicht und viel Spaß!

Suchbild… 🙂

Da Rocka & Da Waitler

Es begann pünktlich um 19:00 Uhr mit dem bayrischen Rock/Folk Crossover Duo „Da Rocka & Da Waitler“. Ich kannte die beiden bereits aus dem Netz, die meisten Hamburger waren offenbar etwas überfordert von dieser eigenwilligen Mischung: E-Gitarre, Akkordeon und Schlagzeug. Die Musik? Irgendwo zwischen Hard-Rock und Bierzelt. Die Jungs gaben sich wirklich Mühe, aber ob es an deren Nervosität oder dem Publikum lag, irgendwie zündete der Funke nicht. Ich nahm mir aber vor, die Band im Auge zu behalten. Und im Mai 2017 spielen sie in Lübeck: da gehma steil! (Songtitel!).

Da Rocka & Da Waitler
Irgendwie anders und doch cool

Uriah Heep

Und dann kamen Uriah Heep: starker Anfang mit „Gypsy“ und es ging Schlag auf Schlag weiter. Ob „Stealin“, „Sunrise“. „Easy Livin‘“ oder das relativ neue „One Second“ (vom 2014er-Album „Outsider“)… die Songs kamen richtig gut rüber. Den einzigen Durchhänger gab es nach meiner Meinung mit „The Law“, nicht sooo eingängig und für die meisten Konzertbesucher unbekannt. Zur Band selber braucht man eigentlich nichts mehr erzählen. Der Sound der 70er wird gnadenlos frisch gehalten: die dröhnende Hammond, die wimmernden Gitarrenläufe und der mehrstimmige Gesang waren schon immer ihr Markenzeichen und sind quasi die melodische Seite des Hard-Rock. Der „Neue“ am Bass, Davey Rimmer, scheint sich gut hineingefunden zu haben und Sänger Bernie Shaw ist seit fast zwanzig Jahren noch immer noch eine Rampensau. Fairerweise muss man aber auch sagen, den alten Recken sieht man die Jahre auch an. Mit „Lady In Black“ gab es dann (wie immer?) den krönenenden Abschluss. Egal, ich fand den Auftritt insgesamt gut und werde mir sicherlich auch noch mal eine Solo Tour besuchen.

Status Quo

Und damit sind wir beim Headliner des Abends. Status Quo gaben kürzlich bekannt, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen. Nach dieser Europa-Tournee wird es keine weiteren Electric-Tourneen der legendären Band mehr geben. Das war für uns der Grund, noch einmal tief in die Tasche zu greifen und mit der gesamten Familie anzurücken. Dass sich Rick Parfitt nach seinem Herzinfarkt am 14. Juni in der Türkei und den nachfolgenden Komplikationen dann aus der Band verabschiedete, war und ist traurig und ich bin mir nicht sicher, ob ich danach noch Karten besorgt hätte.

Status Quo 2016

So feierten wir mit rund 8000 Fans den Abschied vom typischen Status Quo-Gitarrensound. Es ging (wie immer) los mit „Caroline“ und dann wurde ein Feuerwerk von Hits abgeschossen, die jeder kannte und fast jeder mitsingen konnte. Francis Rossi spulte die Show routiniert ab, viele Ansagen kamen mir noch vom letzten Mal bekannt vor, und der Rest der Band ist sowieso über jeden Zweifel erhaben. Mit Richie-Paddy Malone hatte die Band einen akzeptablen Ersatz an der Gitarre für eigentlich unersetzbaren Rock Parfitt gefunden. Die Gesangparts übernahm deshalb John „Rhino“ Edwards. Und dass waren dann für mich auch die Momente, wo Status Quo irgendwie nicht mehr wie Status Quo klangen. Höre ich da jemanden „Status-Quo-Coverband“ murmeln… Na ja…

Alles in allem hat es aber wirklich noch einmal Spaß gemacht. Trotzdem war es für mich auch ein Abschied von dieser Band. Diese Tour wird zweifellos das Ende einer Ära bedeuten, wenn Status Quo sich von dem andauernden Tourleben verabschieden. Seit ihrem ersten Chartserfolg 1967 ist die Band trotz wechselnder Besetzungen zu einer wahren Ikone und einem der einflussreichsten Rock-Acts geworden. Die Garanten für diesen Erfolg waren meiner Meinung nach aber immer Rossi und Parfitt.

Francis Rossi
Ratlos oder voller Ideen? Wir werden es sehen!

Wie schrieb eine Zeitung: „Die Musikwelt wird nicht mehr dieselbe sein, wenn sich der aufgewirbelte Staub gelegt hat von der “The Last Night Of The Electrics” Tour.“ Aber schaue schauen wir mal, wie sich die akustischen „Quo“ entwickeln werden.

Bye, Bye, Bye-Bye…
Pressestimmen

Status Quo: Furioser Abschied von E-Gitarren

(Quelle: Kristina Bischoff/NDR.de)

Dass ein ausdauerndes Rock'n'Roller-Leben auch an Größen wie den Status Quo nicht spurlos vorbei geht, belegt die aktuelle Tour der Kult-Rocker aus Großbritannien. "Last Night Of The Electrics" betitelt, nimmt Bandbegründer Francis Rossi darin Abschied vom E-Gitarrenspiel. Aus gutem Grund: Am Morgen danach tue ihm einfach alles weh, meint er. Arme, Beine und auch der Hals sei wund. Wo er ursprünglich vorhatte, zum Jahresende ganz aufzuhören, wird die Band künftig "nur" akustisch spielen. Bevor es soweit ist, haben es Status Quo und gut 8.000 Fans in der Barclaycard Arena noch mal richtig krachen zu lassen.

Wer braucht schon Deko?

Um kurz nach 21 Uhr geht es endlich los. Das Saal-Licht senkt sich, eine Art Fanfare schallt durch die Halle, bis die fünf Männer von Status Quo lässig ihre Bühne betreten. Die ist schlicht ausgestattet: vier weiße Gitarrenverstärker links, Schlagzeug und Keyboard auf einem Podest darüber, unter dem Bühnendach Stahlstreben für das Farblicht und eine dicke Verstärkeranlage. Das war's. Hier steht die Musik im Vordergrund. Oder aber Bandleader Francis Rossi. Der Zopf des drahtigen Londoners ist ab, die Haare trägt er nun kurz und grau, seine Figur ist schmal und sein Bühnenlook klassisch. In weißen Hemd, schwarzer Hose und Weste hat er seine knallgrüne Telecaster fest im Griff und schlägt die ersten Akkorde an.

Mit "Caroline" geht es in die erste Runde. Das Publikum macht sofort mit, reagiert per Kopfnicken und Mitklatschen. Zweifellos - ihr stürmischer Boogierock macht wirklich gute Laune. Und die wird noch mehr, als "The Wanderer" ertönt. Dann hat Bassist Rhino Edwards seinen Auftritt: Er übernimmt die Gesangsparts des kürzlich ausgeschiedenen Rick Parfitt. Der Partymacher der Band hatte im Juni einen bösen Herzinfarkt erlitten und verkündete vor gut zwei Wochen seinen Ausstieg.

Paddy stellt sich vor

Nach dem Ausstieg Rick Parfitts mussten Entscheidungen getroffen werden: Strafe zahlen und Fans enttäuschen - oder einen adäquaten Einsatz finden. Die Band entschied sich für Letzteres und engagierte Richie-Paddy Malone. Der junge, blonde Gitarrist aus Irland mit dem Kindergesicht bedient zwar noch nicht das Gesangsmikrofon, weiß aber, seine Power-Chords an der Gitarre kraftvoll zu schrubben. Und hat offensichtlich Spaß mit dem Stamm der Band aufzutreten.

In Hamburg ist es nur draußen kalt

Der Band-Stamm ist aber auch sehr unterhaltsam, verbreitet mit lustigen Anekdoten gute Laune im Publikum. So lässt Frontmann Francis Rossi alle wissen, dass es schön sei, wieder in Hamburg zu sein. "Wir mögen Hamburg und Deutschland. Im Unterschied zu England ist es bei Euch nur draußen kalt. Bei uns setzt sich die Kälte in den Häusern fort", quasselt er sich in Fahrt, um dann zum ersten Medley überzuleiten - und später zu verraten, warum Status Quo so gerne diese Song-Zusammenstellungen spielt: "Man schmeißt zusammen, was in der Summe weniger langweilig klingt".

Das ist schamlos untertrieben: "Anniversary Waltz" oder "Roadhouse Medley" heißen ihre Vermischungen, in denen sie abwechselnd keltisch ausgelassen abrocken oder derbe Stampfer auf ihre Fans loslassen - so wie in dem Potpourri mit den Songs "What You're Proposing", "Down the Dust Pipe", "Mountain Lady" und "Balls of Fire".

Sie können auch Art-Rock aus Bielefeld

Doch Status Quo kann auch auch anders und zelebriert Rock aus den frühen 70ern, inspiriert durch die Stadt Bielefeld und ihre dort lebenden Freunde Gerd und Ulla.  Dazu darf Drummer Leon Cave an den Bühnenrand und einen Zacken leiser spielen, während vier Gitarren mit kunstvoll schrägen Tönen den Hörer erfreuen.

Danach geht es zurück in die Zukunft, in die 80er. "In the Army Now" ist der Megahit, bei dem das Publikum gerne die Chorstellen übernimmt. Darum geht die Band auch kurzfristig von der Bühne ab, überlässt sie Schlagzeuger Leon zum Solo, ehe es mit Kloppern wie "Roll Over Lay Down", "Down Down" und "Whatever You Want" spürbar in Richtung Finale geht. Fehlt nur noch einer - der Überhit "Rockin' all over the World". Der kommt nach gut 90 Minuten Show. Ob's das schon war?

Status Quo ziehen den Stecker

Mit einem weiteren Medley - durch "Burning Bridges" eingeleitet - geht es in die Zugabe. Das wild hüpfende Publikum stößt langsam an seine Konditionsgrenzen. Nach 105 Minuten und "Bye Bye Johnny", bei dem der ganze Saal freundlich mitsingt, ist dann Schluss. Die Band feiert sichtlich entspannt und glücklich ihr letztes Hamburg-Konzert, in dem elektrische Gitarren eine Hauptrolle gespielt haben. Doch selbst, wenn wir sie das nächste Mal "nur" noch akustisch erleben bleibt eines klar: E-Gitarren kann man den Stecker ziehen. Dem Rock'n'Roll von Status Quo aber noch lange nicht!

Konzert

In Blues We Trust – Full Flavour Blended

Zucchero

26.10.2016, Live 2016-Tour, Barclaycard Arena, Hamburg

Nachdem dieses Jahr schon fast vorbei gegangen ist und ich auch in Sachen Live-Musik nicht sehr aktiv war, stand mit Zucchero ein absolutes Highlight auf dem Terminplan.

Ich habe wirklich keine Ahnung, wie man Zucchero nicht kennen kann, aber es gibt offenbar in unserem Stromlinien-Radio keinen Platz mehr für etwas eckigere Sänger. Mit seiner Blues-Gospel-Rock-Mischung ist der, in Italien wie ein Gott verehrte, Sänger weit von den gängigen Italo-Pop-Klischees entfernt. Auch wenn seine Superhit „Senza Una Donna“ eigentlich allen Pop-Fans bekannt sein müsste, so ist Adelmo Fornaciari eher ein Blues-Fanatiker mit Pop-Sensibilität, der außerdem schon Kaliber wie John Lee Hooker, Sting, Eric Clapton, Luciano Pavarotti, U2, The Scorpions oder Ray Charles auf seinen Alben versammelte.

Die Barclaycard-Arena war nicht ganz ausverkauft und die oberen Seitenränge sogar abgehängt, als wir von der netten Platzanweiserin zu unseren Plätzen geführt wurden. Das war auch mal wieder eine neue Erfahrung… Platzanweiser in einem Rock-Konzert!

So saßen wir dann altersgerecht (:-)) in mitten eines sehr gemischten Publikums und die Show begann.

Die Bühne beherrschte ein hallenhohes Herz inclusive Videowand, links stand eine Highway-Werbetafel, rechts ein Western-Förderturm auf dem die Bläsersektion saß. Insgesamt hatte Zucchero dreizehn Musiker und Musikerinnen mitgebracht. Um es vorweg zu nehmen: alle waren unglaublich gut! Da saß jeder Akkord, alle Einsätze kamen auf den Punkt und es machte unglaublich Spaß, dieser Band von Ausnahmemusikern zu zuhören!

Brian Auger:
Britischer Rockorganist, einer der bedeutendsten Fusionorganisten der populären Musik.

Ganz links außen saß zum Beispiel ein älterer Herr an der Hammond-Orgel, der mich irgendwie an Brian Auger erinnerte… und siehe da: Zucchero stellte ihn im Laufe des Abends als seinen „special friend“ Brian Auger vor! Und was Mr. Auger mit seinen 77 Jahren aus der Hammond raushaute… Respekt! Dann war da noch die Drummerin der Prince-Band, Queen Cora Dunham und nicht zu vergessen Tonya Boyd-Cannon: die amerikanische Vollblutmusikerin war der Hammer! Eine Stimme, die durch Mark und Bein gehen kann und dann wieder schnurrt wie ein Kätzchen. An den Keyboards eine Macht (Solo-Nummer „Rock Me Baby“) und angeblich spielt die ehemalige Gefängniswärterin (!) und „The Voice“-Teilnehmerin (USA) auch noch Saxophon.

Das Konzert war in drei Teile („Chapter 1-3“) unterteilt. Im ersten Teil wurde das aktuelle Album „Black Cat“ durchgespielt, einmal komplett vom ersten bis zum elften Titel. Ich gebe es zu, das musste ich auch erst einmal nachlesen. Ich kannte das Album noch gar nicht, trotzdem kam dieser Teil der Show sehr gut an, denn die Songs funktionieren einfach gut. Aktuell (während ich dies schreibe…) dröhnt „Partigiano Reggiano“ durch die Boxen (dank Amazon!) und die Bilder des Konzertes tauchen sofort im Gedächtnis auf, genial!

Im zweiten Teil gab es eine bunte Mischung von Songs, die vermutlich zu den Favoriten Zuccheros zählen. Darunter auch „Un Soffio Caldo“ von „Chocabeck“ mit englischer Übersetzung auf der Videowand und das klassische „Miserere“, bei dem der unvergleichliche Pavarotti via Großbildleinwand aus dem Gesangs-Himmel zugeschaltet wird.

Und schließlich folgte im dritten Teil dann das „Best Of Zucchero“: alle noch fehlenden Hits und endlich durfte auch durchgehend getanzt werden. Wenn es nach Zucchero gegangen wäre, hätten die Zuschauer womöglich ständig stehen und klatschen oder sonst wie mitgehen dürfen. Der 61jährige wirkte auf mich wesentlich lebendiger als viele der Zuschauer, die dann doch immer wieder auf die Stühle zurücksanken. Vielleicht lag es auch an der Dauer des Konzertes? Nach echten zweieinhalb Stunden Spielzeit (wenn auch durch die Solos von Brian Auger und Tonya Boyd-Cannon etwas gestreckt) mussten einige Zuschauer hin und wieder eine kurze Pause einlegen.

Spaß ohne Ende

Ein Fazit erübrigt sich nach diesem Text eigentlich! Es war ein wirklich tolles Konzert, das mir erneut bewiesen hat: es gibt Musik außerhalb der üblichen Schubladen. Es war kein reines Rock- und auch kein verkniffenes Blues-Konzert. Und mit der üblichen Popmusik hatte es eigentlich auch nichts zu tun. Es war einfach tolle Musik von großartigen Musikern vor einer fantasievollen Kulisse!

Davon kann es nie genug geben!

The Party Is Over
Pressestimmen

Fast neutral!

Wir haben einen Vollblut-Italiener zum Zucchero-Konzert geschickt

(Quelle: www.mopo.de)

Zucchero, der wohl bekannteste italienische Blues-Barde, ist in seiner Heimat ein Held. Der Sänger, Baujahr 1955, arbeitete mit Brian May, Sting, Macy Gray und Bono zusammen. Er spielte im Moskauer Kreml und der Royal Albert Hall. Am Dienstag trat Zucchero in Hamburg auf. Wir haben unseren einzigen italienischen Reporter hingeschickt. Der knüppelharte Arbeitsauftrag für unseren Vollblut-Italiener: Schreibe einen neutralen Text. Das ist das Ergebnis:

Ich kneife die Augen noch einmal zusammen, kann es selbst kaum glauben: Adelmo Fornaciari alias Zucchero ist in Hamburg und gerade im Begriff, die Barclaycard Arena zu rocken. Mit klopfendem Herzen verfolge ich jeden einzelnen Schritt des italienischen Blues-Meisters. Eine lebende Ikone, einer der größten Pop-Artisten überhaupt.

Lässig, mit Jeans und Turnschuhen tritt er auf die Bühne, lässt seine Melodien für ihn sprechen. Er weiß genau, wie das geht. Bereits im Sommer begeisterte er mit seiner neuen Platte „Black Cat“ die italienische Halbinsel: Mehr als 115.000 Zuschauer strömten für seine elf Konzerte in die „Arena di Verona“, da wo dieser Bürger von Welt wirklich heimisch ist. Seit dem 1. Oktober reist er durch Europa für seine „Black Cat World Tour“. Nach Stuttgart und Oberhausen war nun Hamburg als dritte deutsche Etappe an der Reihe.

Zucchero hat musikalische Generationen geprägt und verbunden. Einer dieser Sänger, die man sich gemeinsam mit Papa und Opa anhört. Wie gerne wäre ich 1994 in Woodstock dabei gewesen, als er dort live spielte und die Welt noch einmal auf seine Art rockte. Dafür ist der Hamburger Auftritt ein mehr als befriedigender Trost! Er ist zeit- und grenzenlos, gerade weil er in seiner künstlerischen Vermischung von Blues und Italo-Lebensgefühl einzigartig ist. Seine raue Stimme steht für kulturelle Vielfalt, erweckt aber gleichzeitig Zugehörigkeitsgefühle. Kein Zufall, dass er der erste abendländische Sänger war, der nach dem Fall der Mauer am Moskauer Kreml auftrat.

„Black Cat“ ist mal wieder ein Meisterwerk: Ein tiefsinniges Album, das Zuccheros musikalische Poetik zusammenfasst. Ein Mix aus Rythm & Blues, Rock, Gospel und Balladen. Von peppigen Tracks wie „Partigiano reggiano“ und „13 buone ragioni“ zu den sanften Melodien von „Ci si arrende“ und „Hey Lord“, werden Themen wie Liebe und Beziehungen, Nachkriegszeit und Migration mit einer beeindruckenden Leichtigkeit behandelt. Auch ohne die auf die Bataclan-Tragödie anspielende Ballade „Streets Of Surrender“, die von U2-Frontmann Bono geschrieben wurde, mangelte es also nicht an emotionalen Momenten. Den Erdbeben-Opfern in Mittelitalien wurde außerdem das Lied „Il suono della domenica“ gewidmet. Das Stück, ausnahmsweise mit englischen Untertiteln begleitet, sorgte inhaltlich und musikalisch für Gänsehaut pur auf den Tribünen.

Flott verwandelt sich die Rührung in tanzbesessenen Enthusiasmus, sobald die Glanznummern angekündigt werden: Purer Nervenkitzel, eine bombastische Kombi aus alten Klassikern wie „Baila“, „Diavolo in me“, „Senza una donna (Without a woman)“ und neuen Hits. Nicht zuletzt durch die geschickten Hände von Brian Auger (Hammond), die Power-Stimme von Tonya Boyd-Cannon und den Rest der Band wurden sogar die wenigen Lücken zu Solo-Shows der Extraklasse.

Zucchero macht mich stolz, Italiener zu sein, weil er sich zum Symbol und Vertreter eines musikalischen Vermögens erhebt, das was Konkretes zu sagen hat. Seine Botschaften dringen bis ins Herz und tief in die Seele der Menschen durch, ganz unabhängig von Herkunft und Konfession. Er kommuniziert auf einer ganz anderen Ebene, in einer universellen Sprache, die den Träumen Flügel verleiht.

Eine unschlagbare Stimmung dominierte das knapp dreistündige Fest in der gut gefüllten Arena komplett. Das war Italien pur mit einem Hauch von Black. Und am Ende hallten in der Arena magische, hoffnungsvolle Worte wider: „In blues we trust. Blues never dies.“

Ciao Zucchero, a presto!*

*Tschüs, Zucchero, bis bald!

Zucchero – nicht ohne „una donna

(Quelle: Jens Dirksen, Der Westen, WAZ.de vom 25.10.2016)

Mit Riesen-Band und Film-Pavarotti spielte Zucchero zum Auftakt seiner Deutschland-Tour vor 5000 Fans in Oberhausen.

Wer die italienische Gemeinde der Gegend möglichst vollständig versammeln möchte, holt sich am besten Zucchero auf die Bühne. Also waren sie am Montagabend zuverlässig da, in der bestuhlten Arena „Ober’ausen“, die Ragazzi und die Schönen, die am liebsten auf „Bella“ hören, über 5000 an der Zahl. Und als Adelmo Fornaciari um viertel vor elf seinen Steampunk-Hut auf den Mikrofonständer hängt, da war dieser Auftakt seiner Deutschland-Tournee bis hin zum unvermeidbaren „Senza una donna“ doch noch rund geworden.
Brian Auger an der Hammondorgel

Begonnen hatte es mit einem dicken Brocken: Zucchero und seine zwölf(!)köpfige Band spielten einmal komplett das neue Album „Black Cat“ vom ersten bis zum elften Titel durch. Das ging gut, obwohl so ein Live-Abend ja eigentlich dazu dient, Vertrautes in neuer Mischung zu hören – eher nach dem Juke-Box-Prinzip als im Plattenspielermodus. Aber „Black Cat“ ist kraftvoll und abwechslungsprall genug für eine 45-Minuten-Live-Fassung. Und die amerikanisch-kubanisch-italienisch-britische Combo, die sich der 61-jährige Zucchero da zusammengestellt hat, arbeitet mit traumhafter Geschmeidigkeit, von der Hammondorgel-Legende Brian Auger (77) bis zum Stimmschwergewicht Tonya Boyd-Cannon. Nur der Sound, der manchem zu laut vorgekommen sein wird, dürfte für ein größeres Publikum gedacht gewesen sein, für etwas größere Arenen.

Italiens amtierender Blues-König, der im Alter auch gestisch immer größeren Ehrgeiz beim Joe-Cocker-Ähnlichkeitswettbewerb entwickelt, hat sich für seine Auftritte zwischen der Arena von Verona (elfmal hintereinander) und den bulgarischen Nationalpalast in Sofia eine Freakshow-Bühne mit einem hallenhohen Herz in der Mitte bauen lassen, links eine abgerockte Destillerie-Werbetafel, rechts ein Western-Förderturm, auf dem die drei vom Turbo-Gebläse (inklusive Tuba!) ihre Gerätschaften schwenken. Das Schlagzeug ist doppelt besetzt (u.a. mit Queen Cora Dunham aus der Prince-Band), die Gitarre, sobald Zucchero selbst auch noch dazu greift, vierfach. Der Devise „bloß nicht zu wenig“ folgt erst recht das „Miserere“, bei dem der unvergleichliche Pavarotti via Großbildleinwand aus dem Gesangs-Himmel zugeschaltet wird.
Der Zausel und die Melancholie

Das letzte der drei „Kapitel“ an diesem Abend ist eine Art „Best of“, mit einem der besten Zuccheros, die je zu besichtigen waren, quirlig gut mit „X colpa di chi“, herzschlagwarm mit „My baby“. Gesungen von einem Typen aus einem anderen Jahrhundert, als Rockstars noch zottelige Zausel sein durften und die Hoffnung lebte, der Blues werde eines Tages die ganze Menschheit zusammenschweißen. Die süße Melancholie, die Zuccheros Konzerte verströmen, ist ein beinahe wehmütiges Echo dieser Zeit.

Blues, Rock und Italo-Hits mit Zucchero

(Quelle: Ruhrnachrichten.de)

Irgendwie kann er alles und macht er alles: Ob Blues, Rock oder Gospel - Italienisch, Englisch oder Spanisch. Zucchero hat sein Publikum in Oberhausen am Montag mal mit ruhigen und rauen Klängen und dann wiederum mit rhythmischen Songs begeistert.

"In Blues we trust - full flavour blended" lautet das Credo von Adelmo Fornaciari, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Zucchero. Seit seinem jüngsten Album "Black Cat", ein Slang-Ausdruck für schwarze Musiker, denen er stimmlich und seelisch eng verbunden ist, hat der 61-jährige Sänger, Musiker und Komponist, der erfolgreichste italienische Pop-Star weltweit, wieder zu seinen alten Blues-Wurzeln zurückgefunden.

Zwischenzeitlich hatte er sich einige Jahre in Deutschland rar gemacht und statt dessen mit "La sesión cubana" den lang gehegten Traum, Latino-Klassiker auf Kuba mit dortigen Musikern neu einzuspielen, wahr werden lassen. In der Oberhausener König-Pilsener Arena riss er mit seiner urwüchsigen Mischung aus Rock, Blues Soul und Gospel seine mehr als 5000 begeistert mitgehenden Fans immer wieder von ihren Plätzen.
Er kann düster und detailreich

Mit "Partigiano reggiano" legt er temperamentvoll los, seine 13-köpfige Band, mit mehreren Gitarren, darunter auch Pedal Steel, drei Bläsern, Keyboard, Orgel, Geige sowie einem Schlagzeuger und einer Schlagzeugerin stärkt ihm musikalisch den Rücken. Nein, hier wird der Blues nicht Opfer barocker Opulenz, Zucchero erweist sich allerdings als ein Musiker, dem Details wichtig sind.

"Ti voglio sposare" rockt als wolle sich "Sugar" ein Rennen mit Bruce Springsteen liefern. Bei dem düsteren "Ten More Days", bei dem er singt wie ein Voodoo-Priester, und "Hey Lord", einem Working Blues, der später zum Gospelduett mutiert, sowie später noch bei "Love Again" wechselt er problemlos ins Englische.
Am Ende wird mitgeklatscht

Doch auch im eher romantisch ins Ohr gehenden Italienisch schafft er es, die Gefühlswelt des Blues aus vergeblichem Liebeswerben, zerbrochenen Liebesbeziehungen sowie Niedergeschlagenheit wegen zuwenig Geld oder zuviel Alkohol authentisch in Klänge zu fassen. Dreh- und Angelpunkt ist und bleibt jedoch seine raue Stimme, wegen der er schon vielfach mit Joe Cocker, zumal auch er gerne Luftgitarre spielt, verglichen wurde.

"Stand up and dance - vamos" fordert Zucchero zu Beginn des zweiten Konzertteils auf. Zu "Baila - Sexy Thing" ist dann zumindest rhythmisches Mitklatschen angesagt. Die Stimmung steuert auf den ersten Höhepunkt zu und wo sie am besten ist weiß der umjubelte Zucchero natürlich auch: "Under the luna". Der Blues ist vergessen, fortan sorgen seine Italo-Hits für Partylaune in der Rock-Disco.

 

Konzert

Eine Überraschung zum Auftakt

Deep Purple

23.11.2015, Live In Concert 2015, Hamburg, O2-World

Es gibt sie doch noch: gute Vorbands!
Von meinen Jungs bekam ich vor dem Konzert eine WhatsApp, ob mich Deep Purple nicht mittlerweile per Handschlag begrüßen würden. Ich gebe es ja zu, mittlerweile dürften es schon so zwei Dutzend Konzerte gewesen sein. Aber es ist halt wie ein Besuch bei alten Freunden. Man fühlt sich halt wohl und hin und wieder gibt es dann doch eine große Überraschunng.

Die heutige Überraschung war die Vorband!

Rival Sons

Die 80er & 90er schlicht ignoriert

Rival Sons:
Nicht „vintage“ sondern „old school“ !

Als die Band die Bühne betrat, ahnte ich nicht einmal ansatzweise, was da gleich abgehen würde. Fünf Typen in völlig unterschiedlicher Aufmachung: der Drummer in kurzen Hosen und roter Weste… wie ein Hippie aus den Endsechzigern, der Bassist ähnelte mit seiner Arbeitermütze einem irischen Workingclass-Hero, ein Keyboarder mit hohem Hut und langem Rauschebart, der Gitarrist schien gerade vom Spieltisch weggelockt worden zu sein und dann der Shouter: wirres ungebändigtes langes Haar, schwarze Lederjacke und Hose. Und dann brach eine Musik los, die sich um keinerlei Moden oder Lautstärkenbegrenzungen scherte. Der Himmel schien aufzugehen und Led Zeppelin, Free, The Doors und all die anderen Heroen vergangener Zeiten standen wieder jung und frisch auf der Bühne. Die Gitarre jaulte und heulte auf, der Sänger wand sich mal schreiend, mal seufzend und dann wieder groovend über die Bühne, die Keyboards legten einen Soundteppich während Schlagzeug und Bass unbeirrt den Takt vorgaben, immer vorwärts.

Die Songs umspannten von hartem Rock bis groovenden Blues die gesamt Bandbreite von allem, was der klassische Rock der 70er zu bieten hat.
Aber: das wirkte nicht eine Sekunde aufgesetzt oder gekünstelt sondern absolut authentisch! Das war wirklich gut und ich kann mich nur an ganz wenige Vorgruppen erinnern, die bei mir einen so positiven Eindruck hinterließen.

Und weil das so ist: das aktuelle Album „Great Western Valkyrie“ habe ich mir umgehend als Vinyl bestellt!

Deep Purple
Die Bühne ist angerichtet

So begeistert ich eben noch von der Vorband war (und noch immer bin!), so schnell war das vorübergehend vergessen, als DIE Band dann auf der Bühne erschien. Und auch wenn sie mich nicht per Handschlag begrüßten, so war es doch einmal mehr ein „Wie g… ist das denn“-Gefühl! Nach einem dramatisch-klassischen Intro aus der Konserve ging es wam-bam-thankyou-mam: „Highway Star“, „Bloodsucker“, „Hard Lovin’ Man“ und „Strange Kind of Woman“. Mit diesem brachialen Viererpaket zum Auftakt, in pausenlosem Übergang und ohne weitere Worte, überrollten Deep Purple das altersmäßig gut durchmischte Publikum. Dann eine kurze Begrüßung und der Hinweis von Ian Gillan, das nach diesen „experimentellen Jazz-Nummern jetzt der Country-Teil begänne“… mit „Vincent Price“! Ein immer wieder unglaubliches Tempo, eine Rasanz, Brutalität und Hingabe, als wäre dies bereits das Finale.

 

Ian Gillan ist dieses Jahr siebzig Jahre (70!) alt geworden und wir Endfuffziger („Jungspunde“) jammern über kaputte Knie oder zwickenden Rücken.

Ian Gillan: Alt? Wer ist hier alt??

Angesichts dieser Bühnenperformance will ich dieses Thema in Zukunft erst einmal zurückstellen, toi toi toi!
Und die „Jungs“ wissen, mit ihren Kräften hauszuhalten. Weil Deep Purple, statt einen Gang zurückzuschalten, die Kräfte auf die jeweiligen Solonummern verteilen. Solange der eine Musiker sich in epischer Breite ausgießt, können die anderen verschnaufen, um hernach mit neuer Kraft loszulegen. Und da gibt es genug zu bewundern: Ian Paice darf sich mit Leuchtsticks am Schlagzeug austoben, Steve Morse schreitet auf hymnisch-ätherischen Gratwanderungen von einem Gitarren-Gipfel zum anderen und Don Airey zelebriert eine Salon-Tastenlöwennummer, bei der er sogar das Deutschlandlied verwurstet.

Roger Glover: Vier Saiten reichen völlig aus!

Und zu guter Letzt (im Zugabenteil!) zeigt Roger Glover allen Luftgitarristen, was man alles mit einer Bassgitarre spielen kann. Wahnsinn!

Der Sound war brillant, die Light- und Videoshow einfach und eindrucksvoll: auf einer Riesenvideowand hinter der Bühne wurde aus diversen Bühnenkameras und Einspielern das Geschehen auf der Bühne unterstützt und verstärkt. Leider war das Bild der Kameras nicht ganz synchron. Dies fiel zumindest vorne an der Bühne auf.

Die Songauswahl umfasste die bekannten Klassiker sowie drei Stücke vom letzten „Now What ?!“-Album. Für mich, wie so häufig, etwas unbefriedigend. Es gibt doch noch so viele andere tolle Nummern. Aus der Steve Morse-Zeit gibt es jede Menge Perlen und auch vom letzten Album hätte man durchaus noch den einen oder anderen Song spielen dürfen.

Nicht unbedingt „Above And Beyound“ als Widmung an Jon Lord, vielmehr „All The Time In The World“ oder „Body Lines“? Und von den ganz alten Sachen würden sich auch viele Fans über „Flight Of The Rat“, „Place In Line“ oder auch „Smooth Dancer“ freuen. Aber ich vermute, hier zollt man dem Mainstreamfan Tribut.

Letztlich wurde ich dann doch noch belohnt(?): vor der Halle versuchte sich nach dem Konzert ein Strassenmusiker an „Child In Time“. Es gibt Dinge, da sollte man die Finger von lassen. Ehrlich!

Von den T-Shirts der Strassenverkäufer konnte ich dann allerdings nicht die Finger lassen. Drinnen kosteten die offiziellen Tour-Shirts 25,-€ bis 30.-€. Vor der Tür der Halle fanden die Shirts der fliegende Händler für einen 10er reißenden Absatz.

Pressestimmen

Der Hardrock von gestern ist der von heute

Von Tino Lange (Hamburger Abendblatt)

Die Hardrock-Pioniere gaben 6000 Fans das Gewünschte: Zwei Stunden lang Klassiker, unterbrochen von dem einen oder anderen Solo.

Hamburg. Als Deep Purple 1984 das Comeback-Album "Perfect Strangers" veröffentlichte, unkten manche Kritiker schon über "Altherrenrock". Jetzt, 31 Jahre später, sind die britischen Hardrock-Urgesteine noch reifer geworden, aber immer noch nicht reif für die Rente.

Ob in Wacken im Jahr 2013 oder am Montag in der Hamburger Barclaycard Arena - Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover, Steve Morse und Don Airey gehen einfach raus und spielen, als müssten sie die legendäre Live-Platte "Made In Japan" von 1972 in den Schatten stellen. Das ist zwar unmöglich, aber "Highway Star", "Strange Kind Of Woman", "Space Truckin'" und "Smoke On The Water" brettern auch heute noch. Die 6000 Hamburger Fans freut es.

Zwischen die Klassiker streut Deep Purple mit "Vincent Prize", "Uncommon Man" und "Hell To Pay" noch Songs des aktuellen Albums "Now What?!" und natürlich noch das eine oder andere Solo für jeden mit Instrument, dann geht es nach zwei Stunden und "Black Night" wieder hinaus in die Nacht. Und falls Deep Purple mal nicht mehr ist, werden klasse Bands wie die Rival Sons aus dem Vorprogramm die Lücke füllen. Rock bleibt.

 

Eine Spielwiese im Netz