Album

Deep Purple – Infinite (Large Box-Set) (p) 2017

Unendlich?? Unendlich gut!!
Also: ich werde hier nicht auf die Songs eingehen, ich werde nicht über das Fehlen von Ritchie „Strumpfhosen“ Blackmore jammern… ich will nur ganz kurz(?) das Feeling wiedergeben, mit dem ich heute das inFinite-Large Box Set ausgepackt und aufgelegt habe. Kurzer Sprung zurück: vor knapp 45 Jahren hielt ich „In Rock“ in den Händen und war nach den ersten Takten(?) von Speed King elektrisiert. Und dann das Cover… in Stein gemeißelte Götter (okay, ich war erst 13 Jahre alt!) des harten, progressiven Rock.
Und heute kommt mit der Post dieses Riesenpaket und ich sehe die in Eis erstarrten… nein, es sind keine Götter mehr… Gesichter dieser großartigen Musiker und höre den Sound von vor 45 Jahren: die wabernden und dröhnenden Keyboards, eine melodisch-jaulende Gitarre, hämmernde und swingende Drums, den pulsierenden Bass und lediglich der (immer noch unverkennbaren) Stimme des Sängers merkt man die vergangenen Jahre an.
Das ist aber in keiner Weise negativ gemeint… jeder Satz, jede Phrasierung sitzt und kommt auf den Punkt. Hier erzählt ein reiferer Mann Geschichten, die das Leben geschrieben hat. Der wütendende und zornige „Jesus Christ Superstar“ gehört schon lange der Vergangenheit an, Ian Gillan hat seine Stil angepasst und es passt wie Dein Paar Lieblingssneaker.
Ich lasse mich für eine dreiviertel Stunde zurückfallen, genieße den Jameson und Bilder aus den vergangenen Jahre ziehen vorbei. Und wenn dies wirklich die letzte Scheibe sein sollte, dann ist das ein absolut würdiger Schlussakkord… verglichen mit dem Müll, den ich eben auf Vox bei der Echo-Verleihung gesehen habe, eine wahre Offenbarung.
Aber so wirklich mag ich es nicht glauben. Vielleicht folgt ja doch noch ein wirklich wahres letztes Album?? Und jetzt beginnt gerade „Roadhouse Blues“, ich muß Schluss machen und die „Live Tapes“ auflegen. Habe ich noch etwas vergessen? K a u f e n !! Diese Scheibe verdient alle Sterne der Welt!

 

Konzert

Rolle rückwärts in die Zukunft?

Rival Sons

Teatro Fiasco-Tour

26.02.2017,  Docks, Hamburg

Mittlerweile ist es drei Jahre her, das ich bei der besten Band der Welt eine Vorgruppe sehen durfte, die mich mehr oder weniger aus den Socken gehauen hat! Seitdem habe ich mir von den Rival Sons alle Alben besorgt, selbstverständlcih in Vinyl.

Weshalb Vinyl? Abgesehen davon, das Schallplatten einfach schöner als CDs sind… diese Band muss man auf Vinyl hören!
Auf Laut.de ist in diesem Zusammenhang zu lesen: „Rival Sons sind im Grunde das Musterbeispiel für Retro-Rock: Led Zeppelin mit Deep Purple-Orgel und schwere Black Sabbath-Riffs, garniert mit ein wenig psychedelischem Geschwurbel. Angestaubt klingt allerdings anders!“

Nachdem die Band den Support für die Black Sabbath-Abschiedstournee hinter sich gebracht hatte, ging es auf auf die Teatro Fiasco-Tour und gottseidank führte diese auch nach Hamburg.

Howie Pyro at work!

So stand ich dann rechtzeitig im Docks und suchte mir dort einen Platz in der Nähe des Mischpults. In dieserkleinen Location kann man auch vom Mischpult perfekt sehen. Direkt hinter dem Mischpult bemerkte ich einen langhaarigen Späthippie, der auf zwei Turntables 45er-Vinyls auflegte! Ein richtige DJ, kein Scratchen oder Dancefloor… nein: richtiger Rock’n’Roll aus den 60ern! Rauh, wild, frech und relativ unbekannte Nummern. Dieser DJ war damit schon Teil des Konzertes bzw. des Programms, wie Rival Sons-Frontmann Jay Buchanan später mitteilte.

Derrick Brown

Denn im Anschluß an die Konserven-Musik gab es auf der Bühne Poetisches zum Auftakt. Der wesentlich jüngere Derrick Brown gab, begleitet von Hubschraubergeräuschen und Synthieklängen eine Lesung. Dabei ging einiges am Publikum vorbei, trotzdem gab es keine Pfiffe.

Und dann gab es was auf die Ohren!
Rival Sons

Mehr nach dem Geschmack der Fans waren dann die Headliner. Mit den Klängen von Ennio Morricones „The Good, The Bad & The Ugly“, kam die Band auf die Bühne und starteten mit dem ersten Teil des Titelsongs ihrer aktuellen Platte „Hollow Bones“ auch gleich krachend los. Mit „Tied Up“ und „Thundering Voices“ wurden dann noch zwei Stücke des neuen Albums nachgeschoben.

Wenn die Italo-Western-Hymne nicht schon ein Hinweis gewesen wäre… Lightshow und Equipment machten deutlich, an welcher Ära sich die Rival Sons orientieren. Viel mehr „Vintage“ in Sachen Bandausstattung dürfte kaum drin sein als Gibson Firebird-Gitarre, Fender Jazz Bass, Orange- und Ampeg-Verstärker, ein Gretsch Drumkit sowie Tasteninstrumente von Hammond – und genau das hört man den Jungs aus Kalifornien auch an. Was da brachial aus dem Boxen klang, war und ist feinster Blues- und Garage-Hardrock mit einem deutlichen 1970er Jahre-Einschlag.

Wenn ich mich so umschaute, dann hatte auch ein Teil des Publikums dieses Jahrzehnt am eigenen Leibe miterlebt und feierte dementsprechend die kompromisslosen Riffs, die Gitarrist Scott Holiday und Tieftöner Dave Beste  raushauten.  Dazu der mächtige  Wumms von Drummer Mike Miley. Über allem schrie, weinte, stöhnte und brüllte die markante Stimme von Jay Buchanan, der den Songs mit seinem mächtigen Organ das gewisse Etwas verlieh. So ähnlich müssen sich damals die jungen Doors, Led Zeppelin und ja, auch Deep Purple angehört haben.

Ich konnte mich fast zurückversetzen in irgendeine Konzerthalle der frühen bis mittleren 1970er. Der erdige, bluesige Rock der Rival Sons wirkt wie aus einer anderen Zeit, ohne dabei jedoch nur Kopien zu präsentieren. Das liegt unter anderem auch an dem aktuellen Sound des bärtigen Tourkeyboarders Todd E. Ögren-Brooks, der  mit den  eingestreuten Synthesizereffekten dem Ganzen eine modernere Note verpasste.

Mit der vom Publikum gefeierten Version von „Torture“ brachen dann so langsam die Dämme. Buchanan hatte uns Fans überflüssigerweise gefragt, ob wir bereit für die Party wären… von da an bebte das Docks!

„Open My Eyes“ und „Torture“ wurden lauthals mitgesungen und nach dem finalen „Keep On Swinging“ war meine Stimme weg. Feierabend. Schluss, aus und fertig!

Mehr ging nicht, obwohl… ich hätte so gerne noch „Good Things“ gehört!

Aber diesen Gedanken brauchte ich nicht zu Ende denken, denn das war’s. Es gab keine Zugabe! Das wäre dann wirklich ein Punkt, wo die Jungs von den alten Rockhelden noch etwas abgucken könnten!

… this ist the end my friends!

Zum Abschluss des ansonsten sehr gelungenen Abends holte die Band ihr ungewöhnliches Vorprogramm noch einmal auf die Bühne und stellte sämtliche am Tourbetrieb beteiligten Leute vor, bevor sie unter donnerndem Applaus die Bühne verließen.

Pressestimmen
Konzert-Tipp

Rival Sons: Die Söhne der Väter des Rock im Docks

(Quelle: Tino Lange, Hamburger Abendblatt vom 24.02.2017)

Auch wer nicht so vertraut mit den Rivals Sons ist, konnte den vier Hard­rockern aus Long Beach (Kalifornien) in den vergangenen Jahren kaum aus dem Weg gehen. Wenn Black Sabbath, Deep Purple, Scorpions oder Judas Priest durch die Lande zogen, konnte man sicher sein, dass die Band im Vorprogramm Rival Sons heißt. Und ein paar Monate später bei den eigenen Clubshows, etwa am 26. Februar im Docks, findet sich vielleicht mancher Gast ein, der mehr von den Kaliforniern sehen und hören möchte.

Sehr langsam, aber sehr stetig sind die Rival Sons zu einer festen Zwischengröße geworden, die in jedem Club, von Gruenspan über Uebel & Gefährlich und Mojo Club gut ablieferte. Sie haben keinen Hit, aber sie haben zwischen 2009 und 2016 fleißig fünf Alben veröffentlicht und bewegen sich zumindest in Deutschland und Großbritannien in Top-20-Regionen. Und während die letzten Takes einer Platte noch abgemischt werden, hasten die Sons auch schon wieder mit leichtem Gepäck und schwerem Gerät zum Tourbus.

Viel Aufwand für den Applaus. Robin Everhart, kein Wrestler oder Pornostar, sondern Bassist der Band bis 2013, konnte diesen steinigen Weg nicht mehr mitgehen und verließ die Combo, für ihn ist Dave Beste zu Sänger Jay Buchanan, Gitarrist Scott Holiday und Schlagzeuger Mike Miley gestoßen. Am Sound hat sich dadurch nichts geändert.

Die Rival Sons waren schon auf den ersten Alben "Before The Fire" (2009) und besonders bei "Pressure & Time" (2011) ein Thermomix für Blues- und Hardrock der 60er- und 70er-Jahre und sind es auch auf der aktuellen Scheibe "Hollow Bones" (2016) geblieben. Einflüsse von Led Zeppelin, Free, Cream, Deep Purple und Doors sind die Hauptzutaten, fein abgestimmt mit Glamrock und Soul, kräftig erhitzen und umrühren. So entsteht dann ein Song wie "White Noise" mit Riffs, die flackernd irrlichtern wie LSD-inspirierte "Beat-Club"-Fernseheffekte, Drum-Geprügel im Geiste von Led Zeps John Bonham, hallendem Gesang und – trotz allen Donners – der einnehmenden Melodiösität von Cream.

"Cock Rock" (Schwanzrock) hätte man das vor Jahrzehnten noch genannt. Jenes Etikett, das eigens für Led Zeppelin erfunden wurde. Das Röhren, Schreien, Stöhnen, Flüstern, die offensiven Posen und Gesten, die Selbstdarstellung, das findet sich auch bei den Rival Sons wieder: "Hot lady, hot lady, you're my sexy girl. Hot lady, gonna take you the promised land", verspricht Jay Buchanan in "Elec­tric Man". Das Hemd ist offen bis zum Bauchnabel, mehrere Halsketten baumeln im Takt. Mike Miley zeigt kleine artistische Kunststückchen mit seinen Trommelstöcken. Scott Holiday wippt auf hohen Absätzen und verzieht das Gesicht wie bei einer rektalen Zahnoperation. Tour-Keyboarder Todd E. Ögren-Brooks entlockt seinen Tasten das Kreischen gepeinigter Seelen aus der Hölle. Bassist Dave Beste steht rum.

Das hat man alles schon tausendfach gesehen und gehört. Aber es wird immer funktionieren. Weil es laut ist. Weil selbst leisere Songs wie "Face Of Light" irgendwann laut werden. Alle Regler hoch, durchstarten und abheben.

Konzert

Versprochen ist versprochen!

Gotthard
25th Anniversary-Tour

14.02.2017, Markthalle, Hamburg

Mittlerweile ist es fast neun Jahre her, da erlebte ich Gotthard als Support bei Deep Purple auf deren 40th Jubilee-Tour.

Bereits damals hatte ich mir vorgenommen, diese Band noch einmal als Headliner zu sehen. Das es dann solange dauern würde  und es damit auch Gotthards 25th Jubilee-Tour wäre, das konnte ich nicht ahnen. Die Zeit vergeht halt schneller als man denkt. Für die eingefleischten Fans dieser Band trat in der Zwischenzeit ein tragisches Ereignis ein. Der damalige Sänger Steve Lee starb 2010 bei einem Autounfall und seit 2011 steht daher Nic Maeder am Mike.

Alles das hatte ich mir vor dem Konzert angelesen und war durch das tolle neue Album „Silver“ richtig neugierig.

So stand ich dann an einem saukalten Februarabend in einer Schlange, die fast bis zur Amsinckstrasse ging, und wurde langsam in die proppevolle Markthalle und dann fast bis vor die Bühne geschoben.

Pretty Maids

Dort startete der Abend mit den Pretty Maids, den „Hübschen Mädchen“. Die heißen Rock-Bräute entpuppten sich als dänische Hard-Rock-Band, deren Gründungsmitglieder Kenneth Hansen („Ken Hammer“) und Paul Christensen („Ronnie Atkins“) sich bereits vor 35 Jahren nicht nur den englischen Bandnamen, sondern auch  sich selber englische Künstlernamen verpassten, um auch außerhalb ihrer Heimat Erfolg zu haben . Der Plan ging  offenbar auf und auch wenn man den „Jungs“ das Alter ansieht, die Musik geht wirklich gut ab. Sicher nichts Überraschendes oder Innovatives, aber mit der Dose Bier in der Hand und ein paar Kumpels kann man mit diesen Mädchen eine Menge Spaß haben.

Heute war aus dem nahen Dänemark eine ganze Kolonie dänischer Fans in die Markthalle gepilgert, die von „Ronnie Atkins“ begrüßt wurden. Mit dieser Band, angefeuert durch die dänischen Fans, kann als Support für Gotthard nichts schief gehen.

Pretty Maids

Die Musik ist hart, laut und geht voran. Ehrlicher Rock halt. Die Pretty Maids leben Rock´n Roll und deren Fans lieben sie dafür. Frenetischer Jubel.

Und dann kommen Gotthard. Vor dem Schlagzeug steht jetzt in großen Lettern der Schriftzug „Silver“ und „flüssiges Silber“ scheint von den Boxen zu tropfen.  Die Musik von Gotthard, das ist schnörkelloser Classic Rock. Fast in einer Liga mit Whitesnake oder Bon Jovi.

Gotthard

Es beginnt mit dem Titelsong vom neuen Album und die Party nimmt Fahrt auf. “Hush” bereits im ersten Drittel als Reminiszenz an ihre Vorbilder Deep Purple. „Stay With me“ und „Mountain Mama” folgen.  Gotthard wissen was zur Show gehören muss: Rudelrock, Gitarre-über-Kopf spielen, Gitarren-Solo. Und natürlich das typische Posen. Gegenüber 2008 scheinen sie sich damit aber etwas mehr zurückzuhalten…

Und sie können natürlich auch Balladen. Drei akustische Stücke im Mittelteil nehmen etwas das Tempo heraus und gönnen den Fans die teilweise benötigte Pause!

Der Balladenteil:
„One Life, One Soul“

Vor dem Zugabenteil dann das obligatorische(?) Drum-Solo,

Apropos Drum-Solo!  Drumsolos sind ja wirklich nicht jedermanns Sache. Heute war es aber aus einem besonderen Grund erwähnenswert.

Mir war schon die ganze Zeit aufgefallen, dass der Drummer vom Blatt spielte. So etwas hatte ich auf einer Rock-Bühne bisher nie bemerkt. Die Erklärung folgte daher durch Nic Maeder!

Dani Löble:
Vom Blatt gespielt!

Der etatmäßige Drummer von Gotthard, Hena Habegger, war kurz vorher krankheitsbedingt ausgefallen. In einer nur sechstägigen Einspielzeit hatte es der Helloween-Drummer Dani Löble geschafft, sich alle Songs der Gotthard-Setlist anzueignen, um seinen Kumpels aus der misslichen Lage zu helfen.

Keiner in der Halle hätte vermutlich einen großen Unterschied zu den original getrommelten Versionen gehört. Das war eine ganz starke Leistung!

Als Zugabe gab’s dann noch „Standing in the Light“ und „Anytime Anywhere“ und damit wurden wir schließlich in die kalte Hamburger Nacht entlassen. Und wenn ich ehrlich bin… der Wechsel aus der heißen und stickigen Markthalle in die frische Hamburger Nachtluft tat trotz des tollen Konzerts richtig gut!

 

 

Konzert

Ich glaub, ich bin im Kino…

The Best Of John Williams

Bolschoi-Orchester unter der Leitung von
Claudio Vandelli

Moderation: Knut Elstermann

24. Januar, 2017, Barclaycard-Arena, Hamburg

Das mit dem Kino, na gut, das ist eine plumpe Überschrift und passt so nicht ganz zu dem tollen Abend, den ich gestern mit unserem Ältesten erleben durft.

Zu Weihnachten bekam ich diese Einladung zu einem Sinfonie-Orchester-Konzert  geschenkt und war zunächst wirklich überrascht. Das war eigentlich überhaupt nicht meine Art von Musik, auch hatte ich diesen Geschmack noch nie bei unserem Nachwuchs bemerkt. Klassische Orchester haben mich bisher eher bei den Annäherungsversuchen zwischen Rockmusik und Klassik (u.a. Deep Purples „Concerto for Group and Orchestra“, „April“) interessiert. Aber ein ganzes Konzert…?

Bis es mir dämmerte! John Williams! Na klar: „Star Wars“, „Indiana Jones“, „E.T.“, „Superman“ usw usw!

Der 5-fache Oscar- und 12-fache Grammy-Preisträger John Williams zählt zu den erfolgreichsten Hollywood-Komponisten aller Zeiten und dessen Filmmusiken haben sich vermutlich nicht nur bei uns in die Gehörgänge gebrannt.

So saß ich dann neugierig in der knapp halbvollen Barclaycard-Arena und harrte mit Sohnemann der Dinge.

Zunächst erschien eine Grußbotschaft des Komponisten auf der riesigen Videowand, dann nahm das Orchester die Plätze ein und bereits die ersten Takte lösten jeden Vorbehalt bei mir auf!

Das 70-köpfige Sinfonie-Orchester unter der Leitung des italienischen Dirigenten Claudio Vandelli präsentierte eine tolle Symbiose von Orchester und Filmleinwand. Der perfekte Sound zu den gezeigten Szenen und Animationen der bekannte Filme sorgte immer wieder für Gänsehautmomente (das u.a. Video gibt den Sound leider überhaupt nicht wieder!).

Der Wechsel von bombastischen Sounds  („Star Wars“ / „Superman“ / „Indiana Jones“) zu ruhigen und einfühlsamen Momenten („Schindlers Liste“ / „Die Geisha“ / „Harry Potter“) war beeindruckend.

Zwischen den Stücken moderierte der Filmkritiker und Radiomoderator Knut Elstermann. Fakten und Anekdoten zu Filmen, Regisseuren und Schauspielern sowie die Einflüsse bekannter klassischer Komponisten auf das Werk von Williams, machten den Abend zu einer ausserordentlich spannenden und unterhaltsamen Veranstaltung für jeden Musik- und Filmfan!

Wenn es überhaupt etwas zu bemängeln gab, dann war es das Übergewicht der „Star Wars“-Musik, vermutlich sehen Fans dieser Reihe das jedoch völlig anders.

Egal! Zum Schluss durfte das Publikum zum „Imperial March“ kräftig mitklatschen und belohnte das Orchester schließlich mit „standing ovations“.

Mir hat der Abend richtig Spaß gemacht. Manchmal lohnt es doch, sich auf neue Dinge einzulassen!

Konzert

The Beginning Of The End…?

Status Quo

10.11.2016, Last Night Of The Electrics-Tour 2016, Barclaycard Arena, Hamburg

Musikalische Früherziehung sah bei uns vor zig Jahren so aus, dass wir mit unseren Söhnen, kaum dass sie alt genug waren, ein Open-Air-Konzert besuchten. Im Stadtpark in Hamburg sahen wir gemeinsam Status Quo. Ich bin nach wie vor der Meinung, es kann für Kinder als Einstieg in die Rockmusik schlechtere Bands geben.

Als Status Quo dann im letzten Jahr bekanntgaben, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen werden, war es deshalb fast sofort klar, dass wird ein Familienausflug.

Und mit Uriah Heep als „special guest“…, aber das ist wieder eine andere Geschichte.

Die Barclaycard-Arena war nicht ganz ausverkauft und trotzdem kamen wir nicht nach vorne an die Bühne. Hier war ein knapp 20m tiefer Bereich vor der Bühne den Inhabern einer sogenannten „Gold-Circle“-Karte vorbehalten. Wir leben in seltsamen Zeiten… früher standst Du direkt an der Bühne, wenn Du schneller als die anderen Fans warst. Aber früher war auch mehr Lametta.

So standen wir direkt an der Grenze zu „Gold-Circle“ und hatten auch dort eine tolle Sicht und viel Spaß!

Suchbild… 🙂

Da Rocka & Da Waitler

Es begann pünktlich um 19:00 Uhr mit dem bayrischen Rock/Folk Crossover Duo „Da Rocka & Da Waitler“. Ich kannte die beiden bereits aus dem Netz, die meisten Hamburger waren offenbar etwas überfordert von dieser eigenwilligen Mischung: E-Gitarre, Akkordeon und Schlagzeug. Die Musik? Irgendwo zwischen Hard-Rock und Bierzelt. Die Jungs gaben sich wirklich Mühe, aber ob es an deren Nervosität oder dem Publikum lag, irgendwie zündete der Funke nicht. Ich nahm mir aber vor, die Band im Auge zu behalten. Und im Mai 2017 spielen sie in Lübeck: da gehma steil! (Songtitel!).

Da Rocka & Da Waitler
Irgendwie anders und doch cool

Uriah Heep

Und dann kamen Uriah Heep: starker Anfang mit „Gypsy“ und es ging Schlag auf Schlag weiter. Ob „Stealin“, „Sunrise“. „Easy Livin‘“ oder das relativ neue „One Second“ (vom 2014er-Album „Outsider“)… die Songs kamen richtig gut rüber. Den einzigen Durchhänger gab es nach meiner Meinung mit „The Law“, nicht sooo eingängig und für die meisten Konzertbesucher unbekannt. Zur Band selber braucht man eigentlich nichts mehr erzählen. Der Sound der 70er wird gnadenlos frisch gehalten: die dröhnende Hammond, die wimmernden Gitarrenläufe und der mehrstimmige Gesang waren schon immer ihr Markenzeichen und sind quasi die melodische Seite des Hard-Rock. Der „Neue“ am Bass, Davey Rimmer, scheint sich gut hineingefunden zu haben und Sänger Bernie Shaw ist seit fast zwanzig Jahren noch immer noch eine Rampensau. Fairerweise muss man aber auch sagen, den alten Recken sieht man die Jahre auch an. Mit „Lady In Black“ gab es dann (wie immer?) den krönenenden Abschluss. Egal, ich fand den Auftritt insgesamt gut und werde mir sicherlich auch noch mal eine Solo Tour besuchen.

Status Quo

Und damit sind wir beim Headliner des Abends. Status Quo gaben kürzlich bekannt, dass sie 2016 auf ihre allerletzte elektrisch verstärkte Live-Tour gehen. Nach dieser Europa-Tournee wird es keine weiteren Electric-Tourneen der legendären Band mehr geben. Das war für uns der Grund, noch einmal tief in die Tasche zu greifen und mit der gesamten Familie anzurücken. Dass sich Rick Parfitt nach seinem Herzinfarkt am 14. Juni in der Türkei und den nachfolgenden Komplikationen dann aus der Band verabschiedete, war und ist traurig und ich bin mir nicht sicher, ob ich danach noch Karten besorgt hätte.

Status Quo 2016

So feierten wir mit rund 8000 Fans den Abschied vom typischen Status Quo-Gitarrensound. Es ging (wie immer) los mit „Caroline“ und dann wurde ein Feuerwerk von Hits abgeschossen, die jeder kannte und fast jeder mitsingen konnte. Francis Rossi spulte die Show routiniert ab, viele Ansagen kamen mir noch vom letzten Mal bekannt vor, und der Rest der Band ist sowieso über jeden Zweifel erhaben. Mit Richie-Paddy Malone hatte die Band einen akzeptablen Ersatz an der Gitarre für eigentlich unersetzbaren Rock Parfitt gefunden. Die Gesangparts übernahm deshalb John „Rhino“ Edwards. Und dass waren dann für mich auch die Momente, wo Status Quo irgendwie nicht mehr wie Status Quo klangen. Höre ich da jemanden „Status-Quo-Coverband“ murmeln… Na ja…

Alles in allem hat es aber wirklich noch einmal Spaß gemacht. Trotzdem war es für mich auch ein Abschied von dieser Band. Diese Tour wird zweifellos das Ende einer Ära bedeuten, wenn Status Quo sich von dem andauernden Tourleben verabschieden. Seit ihrem ersten Chartserfolg 1967 ist die Band trotz wechselnder Besetzungen zu einer wahren Ikone und einem der einflussreichsten Rock-Acts geworden. Die Garanten für diesen Erfolg waren meiner Meinung nach aber immer Rossi und Parfitt.

Francis Rossi
Ratlos oder voller Ideen? Wir werden es sehen!

Wie schrieb eine Zeitung: „Die Musikwelt wird nicht mehr dieselbe sein, wenn sich der aufgewirbelte Staub gelegt hat von der “The Last Night Of The Electrics” Tour.“ Aber schaue schauen wir mal, wie sich die akustischen „Quo“ entwickeln werden.

Bye, Bye, Bye-Bye…
Pressestimmen

Status Quo: Furioser Abschied von E-Gitarren

(Quelle: Kristina Bischoff/NDR.de)

Dass ein ausdauerndes Rock'n'Roller-Leben auch an Größen wie den Status Quo nicht spurlos vorbei geht, belegt die aktuelle Tour der Kult-Rocker aus Großbritannien. "Last Night Of The Electrics" betitelt, nimmt Bandbegründer Francis Rossi darin Abschied vom E-Gitarrenspiel. Aus gutem Grund: Am Morgen danach tue ihm einfach alles weh, meint er. Arme, Beine und auch der Hals sei wund. Wo er ursprünglich vorhatte, zum Jahresende ganz aufzuhören, wird die Band künftig "nur" akustisch spielen. Bevor es soweit ist, haben es Status Quo und gut 8.000 Fans in der Barclaycard Arena noch mal richtig krachen zu lassen.

Wer braucht schon Deko?

Um kurz nach 21 Uhr geht es endlich los. Das Saal-Licht senkt sich, eine Art Fanfare schallt durch die Halle, bis die fünf Männer von Status Quo lässig ihre Bühne betreten. Die ist schlicht ausgestattet: vier weiße Gitarrenverstärker links, Schlagzeug und Keyboard auf einem Podest darüber, unter dem Bühnendach Stahlstreben für das Farblicht und eine dicke Verstärkeranlage. Das war's. Hier steht die Musik im Vordergrund. Oder aber Bandleader Francis Rossi. Der Zopf des drahtigen Londoners ist ab, die Haare trägt er nun kurz und grau, seine Figur ist schmal und sein Bühnenlook klassisch. In weißen Hemd, schwarzer Hose und Weste hat er seine knallgrüne Telecaster fest im Griff und schlägt die ersten Akkorde an.

Mit "Caroline" geht es in die erste Runde. Das Publikum macht sofort mit, reagiert per Kopfnicken und Mitklatschen. Zweifellos - ihr stürmischer Boogierock macht wirklich gute Laune. Und die wird noch mehr, als "The Wanderer" ertönt. Dann hat Bassist Rhino Edwards seinen Auftritt: Er übernimmt die Gesangsparts des kürzlich ausgeschiedenen Rick Parfitt. Der Partymacher der Band hatte im Juni einen bösen Herzinfarkt erlitten und verkündete vor gut zwei Wochen seinen Ausstieg.

Paddy stellt sich vor

Nach dem Ausstieg Rick Parfitts mussten Entscheidungen getroffen werden: Strafe zahlen und Fans enttäuschen - oder einen adäquaten Einsatz finden. Die Band entschied sich für Letzteres und engagierte Richie-Paddy Malone. Der junge, blonde Gitarrist aus Irland mit dem Kindergesicht bedient zwar noch nicht das Gesangsmikrofon, weiß aber, seine Power-Chords an der Gitarre kraftvoll zu schrubben. Und hat offensichtlich Spaß mit dem Stamm der Band aufzutreten.

In Hamburg ist es nur draußen kalt

Der Band-Stamm ist aber auch sehr unterhaltsam, verbreitet mit lustigen Anekdoten gute Laune im Publikum. So lässt Frontmann Francis Rossi alle wissen, dass es schön sei, wieder in Hamburg zu sein. "Wir mögen Hamburg und Deutschland. Im Unterschied zu England ist es bei Euch nur draußen kalt. Bei uns setzt sich die Kälte in den Häusern fort", quasselt er sich in Fahrt, um dann zum ersten Medley überzuleiten - und später zu verraten, warum Status Quo so gerne diese Song-Zusammenstellungen spielt: "Man schmeißt zusammen, was in der Summe weniger langweilig klingt".

Das ist schamlos untertrieben: "Anniversary Waltz" oder "Roadhouse Medley" heißen ihre Vermischungen, in denen sie abwechselnd keltisch ausgelassen abrocken oder derbe Stampfer auf ihre Fans loslassen - so wie in dem Potpourri mit den Songs "What You're Proposing", "Down the Dust Pipe", "Mountain Lady" und "Balls of Fire".

Sie können auch Art-Rock aus Bielefeld

Doch Status Quo kann auch auch anders und zelebriert Rock aus den frühen 70ern, inspiriert durch die Stadt Bielefeld und ihre dort lebenden Freunde Gerd und Ulla.  Dazu darf Drummer Leon Cave an den Bühnenrand und einen Zacken leiser spielen, während vier Gitarren mit kunstvoll schrägen Tönen den Hörer erfreuen.

Danach geht es zurück in die Zukunft, in die 80er. "In the Army Now" ist der Megahit, bei dem das Publikum gerne die Chorstellen übernimmt. Darum geht die Band auch kurzfristig von der Bühne ab, überlässt sie Schlagzeuger Leon zum Solo, ehe es mit Kloppern wie "Roll Over Lay Down", "Down Down" und "Whatever You Want" spürbar in Richtung Finale geht. Fehlt nur noch einer - der Überhit "Rockin' all over the World". Der kommt nach gut 90 Minuten Show. Ob's das schon war?

Status Quo ziehen den Stecker

Mit einem weiteren Medley - durch "Burning Bridges" eingeleitet - geht es in die Zugabe. Das wild hüpfende Publikum stößt langsam an seine Konditionsgrenzen. Nach 105 Minuten und "Bye Bye Johnny", bei dem der ganze Saal freundlich mitsingt, ist dann Schluss. Die Band feiert sichtlich entspannt und glücklich ihr letztes Hamburg-Konzert, in dem elektrische Gitarren eine Hauptrolle gespielt haben. Doch selbst, wenn wir sie das nächste Mal "nur" noch akustisch erleben bleibt eines klar: E-Gitarren kann man den Stecker ziehen. Dem Rock'n'Roll von Status Quo aber noch lange nicht!

Konzert

In Blues We Trust – Full Flavour Blended

Zucchero

26.10.2016, Live 2016-Tour, Barclaycard Arena, Hamburg

Nachdem dieses Jahr schon fast vorbei gegangen ist und ich auch in Sachen Live-Musik nicht sehr aktiv war, stand mit Zucchero ein absolutes Highlight auf dem Terminplan.

Ich habe wirklich keine Ahnung, wie man Zucchero nicht kennen kann, aber es gibt offenbar in unserem Stromlinien-Radio keinen Platz mehr für etwas eckigere Sänger. Mit seiner Blues-Gospel-Rock-Mischung ist der, in Italien wie ein Gott verehrte, Sänger weit von den gängigen Italo-Pop-Klischees entfernt. Auch wenn seine Superhit „Senza Una Donna“ eigentlich allen Pop-Fans bekannt sein müsste, so ist Adelmo Fornaciari eher ein Blues-Fanatiker mit Pop-Sensibilität, der außerdem schon Kaliber wie John Lee Hooker, Sting, Eric Clapton, Luciano Pavarotti, U2, The Scorpions oder Ray Charles auf seinen Alben versammelte.

Die Barclaycard-Arena war nicht ganz ausverkauft und die oberen Seitenränge sogar abgehängt, als wir von der netten Platzanweiserin zu unseren Plätzen geführt wurden. Das war auch mal wieder eine neue Erfahrung… Platzanweiser in einem Rock-Konzert!

So saßen wir dann altersgerecht (:-)) in mitten eines sehr gemischten Publikums und die Show begann.

Die Bühne beherrschte ein hallenhohes Herz inclusive Videowand, links stand eine Highway-Werbetafel, rechts ein Western-Förderturm auf dem die Bläsersektion saß. Insgesamt hatte Zucchero dreizehn Musiker und Musikerinnen mitgebracht. Um es vorweg zu nehmen: alle waren unglaublich gut! Da saß jeder Akkord, alle Einsätze kamen auf den Punkt und es machte unglaublich Spaß, dieser Band von Ausnahmemusikern zu zuhören!

Brian Auger:
Britischer Rockorganist, einer der bedeutendsten Fusionorganisten der populären Musik.

Ganz links außen saß zum Beispiel ein älterer Herr an der Hammond-Orgel, der mich irgendwie an Brian Auger erinnerte… und siehe da: Zucchero stellte ihn im Laufe des Abends als seinen „special friend“ Brian Auger vor! Und was Mr. Auger mit seinen 77 Jahren aus der Hammond raushaute… Respekt! Dann war da noch die Drummerin der Prince-Band, Queen Cora Dunham und nicht zu vergessen Tonya Boyd-Cannon: die amerikanische Vollblutmusikerin war der Hammer! Eine Stimme, die durch Mark und Bein gehen kann und dann wieder schnurrt wie ein Kätzchen. An den Keyboards eine Macht (Solo-Nummer „Rock Me Baby“) und angeblich spielt die ehemalige Gefängniswärterin (!) und „The Voice“-Teilnehmerin (USA) auch noch Saxophon.

Das Konzert war in drei Teile („Chapter 1-3“) unterteilt. Im ersten Teil wurde das aktuelle Album „Black Cat“ durchgespielt, einmal komplett vom ersten bis zum elften Titel. Ich gebe es zu, das musste ich auch erst einmal nachlesen. Ich kannte das Album noch gar nicht, trotzdem kam dieser Teil der Show sehr gut an, denn die Songs funktionieren einfach gut. Aktuell (während ich dies schreibe…) dröhnt „Partigiano Reggiano“ durch die Boxen (dank Amazon!) und die Bilder des Konzertes tauchen sofort im Gedächtnis auf, genial!

Im zweiten Teil gab es eine bunte Mischung von Songs, die vermutlich zu den Favoriten Zuccheros zählen. Darunter auch „Un Soffio Caldo“ von „Chocabeck“ mit englischer Übersetzung auf der Videowand und das klassische „Miserere“, bei dem der unvergleichliche Pavarotti via Großbildleinwand aus dem Gesangs-Himmel zugeschaltet wird.

Und schließlich folgte im dritten Teil dann das „Best Of Zucchero“: alle noch fehlenden Hits und endlich durfte auch durchgehend getanzt werden. Wenn es nach Zucchero gegangen wäre, hätten die Zuschauer womöglich ständig stehen und klatschen oder sonst wie mitgehen dürfen. Der 61jährige wirkte auf mich wesentlich lebendiger als viele der Zuschauer, die dann doch immer wieder auf die Stühle zurücksanken. Vielleicht lag es auch an der Dauer des Konzertes? Nach echten zweieinhalb Stunden Spielzeit (wenn auch durch die Solos von Brian Auger und Tonya Boyd-Cannon etwas gestreckt) mussten einige Zuschauer hin und wieder eine kurze Pause einlegen.

Spaß ohne Ende

Ein Fazit erübrigt sich nach diesem Text eigentlich! Es war ein wirklich tolles Konzert, das mir erneut bewiesen hat: es gibt Musik außerhalb der üblichen Schubladen. Es war kein reines Rock- und auch kein verkniffenes Blues-Konzert. Und mit der üblichen Popmusik hatte es eigentlich auch nichts zu tun. Es war einfach tolle Musik von großartigen Musikern vor einer fantasievollen Kulisse!

Davon kann es nie genug geben!

The Party Is Over
Pressestimmen

Fast neutral!

Wir haben einen Vollblut-Italiener zum Zucchero-Konzert geschickt

(Quelle: www.mopo.de)

Zucchero, der wohl bekannteste italienische Blues-Barde, ist in seiner Heimat ein Held. Der Sänger, Baujahr 1955, arbeitete mit Brian May, Sting, Macy Gray und Bono zusammen. Er spielte im Moskauer Kreml und der Royal Albert Hall. Am Dienstag trat Zucchero in Hamburg auf. Wir haben unseren einzigen italienischen Reporter hingeschickt. Der knüppelharte Arbeitsauftrag für unseren Vollblut-Italiener: Schreibe einen neutralen Text. Das ist das Ergebnis:

Ich kneife die Augen noch einmal zusammen, kann es selbst kaum glauben: Adelmo Fornaciari alias Zucchero ist in Hamburg und gerade im Begriff, die Barclaycard Arena zu rocken. Mit klopfendem Herzen verfolge ich jeden einzelnen Schritt des italienischen Blues-Meisters. Eine lebende Ikone, einer der größten Pop-Artisten überhaupt.

Lässig, mit Jeans und Turnschuhen tritt er auf die Bühne, lässt seine Melodien für ihn sprechen. Er weiß genau, wie das geht. Bereits im Sommer begeisterte er mit seiner neuen Platte „Black Cat“ die italienische Halbinsel: Mehr als 115.000 Zuschauer strömten für seine elf Konzerte in die „Arena di Verona“, da wo dieser Bürger von Welt wirklich heimisch ist. Seit dem 1. Oktober reist er durch Europa für seine „Black Cat World Tour“. Nach Stuttgart und Oberhausen war nun Hamburg als dritte deutsche Etappe an der Reihe.

Zucchero hat musikalische Generationen geprägt und verbunden. Einer dieser Sänger, die man sich gemeinsam mit Papa und Opa anhört. Wie gerne wäre ich 1994 in Woodstock dabei gewesen, als er dort live spielte und die Welt noch einmal auf seine Art rockte. Dafür ist der Hamburger Auftritt ein mehr als befriedigender Trost! Er ist zeit- und grenzenlos, gerade weil er in seiner künstlerischen Vermischung von Blues und Italo-Lebensgefühl einzigartig ist. Seine raue Stimme steht für kulturelle Vielfalt, erweckt aber gleichzeitig Zugehörigkeitsgefühle. Kein Zufall, dass er der erste abendländische Sänger war, der nach dem Fall der Mauer am Moskauer Kreml auftrat.

„Black Cat“ ist mal wieder ein Meisterwerk: Ein tiefsinniges Album, das Zuccheros musikalische Poetik zusammenfasst. Ein Mix aus Rythm & Blues, Rock, Gospel und Balladen. Von peppigen Tracks wie „Partigiano reggiano“ und „13 buone ragioni“ zu den sanften Melodien von „Ci si arrende“ und „Hey Lord“, werden Themen wie Liebe und Beziehungen, Nachkriegszeit und Migration mit einer beeindruckenden Leichtigkeit behandelt. Auch ohne die auf die Bataclan-Tragödie anspielende Ballade „Streets Of Surrender“, die von U2-Frontmann Bono geschrieben wurde, mangelte es also nicht an emotionalen Momenten. Den Erdbeben-Opfern in Mittelitalien wurde außerdem das Lied „Il suono della domenica“ gewidmet. Das Stück, ausnahmsweise mit englischen Untertiteln begleitet, sorgte inhaltlich und musikalisch für Gänsehaut pur auf den Tribünen.

Flott verwandelt sich die Rührung in tanzbesessenen Enthusiasmus, sobald die Glanznummern angekündigt werden: Purer Nervenkitzel, eine bombastische Kombi aus alten Klassikern wie „Baila“, „Diavolo in me“, „Senza una donna (Without a woman)“ und neuen Hits. Nicht zuletzt durch die geschickten Hände von Brian Auger (Hammond), die Power-Stimme von Tonya Boyd-Cannon und den Rest der Band wurden sogar die wenigen Lücken zu Solo-Shows der Extraklasse.

Zucchero macht mich stolz, Italiener zu sein, weil er sich zum Symbol und Vertreter eines musikalischen Vermögens erhebt, das was Konkretes zu sagen hat. Seine Botschaften dringen bis ins Herz und tief in die Seele der Menschen durch, ganz unabhängig von Herkunft und Konfession. Er kommuniziert auf einer ganz anderen Ebene, in einer universellen Sprache, die den Träumen Flügel verleiht.

Eine unschlagbare Stimmung dominierte das knapp dreistündige Fest in der gut gefüllten Arena komplett. Das war Italien pur mit einem Hauch von Black. Und am Ende hallten in der Arena magische, hoffnungsvolle Worte wider: „In blues we trust. Blues never dies.“

Ciao Zucchero, a presto!*

*Tschüs, Zucchero, bis bald!

Zucchero – nicht ohne „una donna

(Quelle: Jens Dirksen, Der Westen, WAZ.de vom 25.10.2016)

Mit Riesen-Band und Film-Pavarotti spielte Zucchero zum Auftakt seiner Deutschland-Tour vor 5000 Fans in Oberhausen.

Wer die italienische Gemeinde der Gegend möglichst vollständig versammeln möchte, holt sich am besten Zucchero auf die Bühne. Also waren sie am Montagabend zuverlässig da, in der bestuhlten Arena „Ober’ausen“, die Ragazzi und die Schönen, die am liebsten auf „Bella“ hören, über 5000 an der Zahl. Und als Adelmo Fornaciari um viertel vor elf seinen Steampunk-Hut auf den Mikrofonständer hängt, da war dieser Auftakt seiner Deutschland-Tournee bis hin zum unvermeidbaren „Senza una donna“ doch noch rund geworden.
Brian Auger an der Hammondorgel

Begonnen hatte es mit einem dicken Brocken: Zucchero und seine zwölf(!)köpfige Band spielten einmal komplett das neue Album „Black Cat“ vom ersten bis zum elften Titel durch. Das ging gut, obwohl so ein Live-Abend ja eigentlich dazu dient, Vertrautes in neuer Mischung zu hören – eher nach dem Juke-Box-Prinzip als im Plattenspielermodus. Aber „Black Cat“ ist kraftvoll und abwechslungsprall genug für eine 45-Minuten-Live-Fassung. Und die amerikanisch-kubanisch-italienisch-britische Combo, die sich der 61-jährige Zucchero da zusammengestellt hat, arbeitet mit traumhafter Geschmeidigkeit, von der Hammondorgel-Legende Brian Auger (77) bis zum Stimmschwergewicht Tonya Boyd-Cannon. Nur der Sound, der manchem zu laut vorgekommen sein wird, dürfte für ein größeres Publikum gedacht gewesen sein, für etwas größere Arenen.

Italiens amtierender Blues-König, der im Alter auch gestisch immer größeren Ehrgeiz beim Joe-Cocker-Ähnlichkeitswettbewerb entwickelt, hat sich für seine Auftritte zwischen der Arena von Verona (elfmal hintereinander) und den bulgarischen Nationalpalast in Sofia eine Freakshow-Bühne mit einem hallenhohen Herz in der Mitte bauen lassen, links eine abgerockte Destillerie-Werbetafel, rechts ein Western-Förderturm, auf dem die drei vom Turbo-Gebläse (inklusive Tuba!) ihre Gerätschaften schwenken. Das Schlagzeug ist doppelt besetzt (u.a. mit Queen Cora Dunham aus der Prince-Band), die Gitarre, sobald Zucchero selbst auch noch dazu greift, vierfach. Der Devise „bloß nicht zu wenig“ folgt erst recht das „Miserere“, bei dem der unvergleichliche Pavarotti via Großbildleinwand aus dem Gesangs-Himmel zugeschaltet wird.
Der Zausel und die Melancholie

Das letzte der drei „Kapitel“ an diesem Abend ist eine Art „Best of“, mit einem der besten Zuccheros, die je zu besichtigen waren, quirlig gut mit „X colpa di chi“, herzschlagwarm mit „My baby“. Gesungen von einem Typen aus einem anderen Jahrhundert, als Rockstars noch zottelige Zausel sein durften und die Hoffnung lebte, der Blues werde eines Tages die ganze Menschheit zusammenschweißen. Die süße Melancholie, die Zuccheros Konzerte verströmen, ist ein beinahe wehmütiges Echo dieser Zeit.

Blues, Rock und Italo-Hits mit Zucchero

(Quelle: Ruhrnachrichten.de)

Irgendwie kann er alles und macht er alles: Ob Blues, Rock oder Gospel - Italienisch, Englisch oder Spanisch. Zucchero hat sein Publikum in Oberhausen am Montag mal mit ruhigen und rauen Klängen und dann wiederum mit rhythmischen Songs begeistert.

"In Blues we trust - full flavour blended" lautet das Credo von Adelmo Fornaciari, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Zucchero. Seit seinem jüngsten Album "Black Cat", ein Slang-Ausdruck für schwarze Musiker, denen er stimmlich und seelisch eng verbunden ist, hat der 61-jährige Sänger, Musiker und Komponist, der erfolgreichste italienische Pop-Star weltweit, wieder zu seinen alten Blues-Wurzeln zurückgefunden.

Zwischenzeitlich hatte er sich einige Jahre in Deutschland rar gemacht und statt dessen mit "La sesión cubana" den lang gehegten Traum, Latino-Klassiker auf Kuba mit dortigen Musikern neu einzuspielen, wahr werden lassen. In der Oberhausener König-Pilsener Arena riss er mit seiner urwüchsigen Mischung aus Rock, Blues Soul und Gospel seine mehr als 5000 begeistert mitgehenden Fans immer wieder von ihren Plätzen.
Er kann düster und detailreich

Mit "Partigiano reggiano" legt er temperamentvoll los, seine 13-köpfige Band, mit mehreren Gitarren, darunter auch Pedal Steel, drei Bläsern, Keyboard, Orgel, Geige sowie einem Schlagzeuger und einer Schlagzeugerin stärkt ihm musikalisch den Rücken. Nein, hier wird der Blues nicht Opfer barocker Opulenz, Zucchero erweist sich allerdings als ein Musiker, dem Details wichtig sind.

"Ti voglio sposare" rockt als wolle sich "Sugar" ein Rennen mit Bruce Springsteen liefern. Bei dem düsteren "Ten More Days", bei dem er singt wie ein Voodoo-Priester, und "Hey Lord", einem Working Blues, der später zum Gospelduett mutiert, sowie später noch bei "Love Again" wechselt er problemlos ins Englische.
Am Ende wird mitgeklatscht

Doch auch im eher romantisch ins Ohr gehenden Italienisch schafft er es, die Gefühlswelt des Blues aus vergeblichem Liebeswerben, zerbrochenen Liebesbeziehungen sowie Niedergeschlagenheit wegen zuwenig Geld oder zuviel Alkohol authentisch in Klänge zu fassen. Dreh- und Angelpunkt ist und bleibt jedoch seine raue Stimme, wegen der er schon vielfach mit Joe Cocker, zumal auch er gerne Luftgitarre spielt, verglichen wurde.

"Stand up and dance - vamos" fordert Zucchero zu Beginn des zweiten Konzertteils auf. Zu "Baila - Sexy Thing" ist dann zumindest rhythmisches Mitklatschen angesagt. Die Stimmung steuert auf den ersten Höhepunkt zu und wo sie am besten ist weiß der umjubelte Zucchero natürlich auch: "Under the luna". Der Blues ist vergessen, fortan sorgen seine Italo-Hits für Partylaune in der Rock-Disco.

 

Konzert

Eine Überraschung zum Auftakt

Deep Purple

23.11.2015, Live In Concert 2015, Hamburg, O2-World

Es gibt sie doch noch: gute Vorbands!
Von meinen Jungs bekam ich vor dem Konzert eine WhatsApp, ob mich Deep Purple nicht mittlerweile per Handschlag begrüßen würden. Ich gebe es ja zu, mittlerweile dürften es schon so zwei Dutzend Konzerte gewesen sein. Aber es ist halt wie ein Besuch bei alten Freunden. Man fühlt sich halt wohl und hin und wieder gibt es dann doch eine große Überraschunng.

Die heutige Überraschung war die Vorband!

Rival Sons

Die 80er & 90er schlicht ignoriert

Rival Sons:
Nicht „vintage“ sondern „old school“ !

Als die Band die Bühne betrat, ahnte ich nicht einmal ansatzweise, was da gleich abgehen würde. Fünf Typen in völlig unterschiedlicher Aufmachung: der Drummer in kurzen Hosen und roter Weste… wie ein Hippie aus den Endsechzigern, der Bassist ähnelte mit seiner Arbeitermütze einem irischen Workingclass-Hero, ein Keyboarder mit hohem Hut und langem Rauschebart, der Gitarrist schien gerade vom Spieltisch weggelockt worden zu sein und dann der Shouter: wirres ungebändigtes langes Haar, schwarze Lederjacke und Hose. Und dann brach eine Musik los, die sich um keinerlei Moden oder Lautstärkenbegrenzungen scherte. Der Himmel schien aufzugehen und Led Zeppelin, Free, The Doors und all die anderen Heroen vergangener Zeiten standen wieder jung und frisch auf der Bühne. Die Gitarre jaulte und heulte auf, der Sänger wand sich mal schreiend, mal seufzend und dann wieder groovend über die Bühne, die Keyboards legten einen Soundteppich während Schlagzeug und Bass unbeirrt den Takt vorgaben, immer vorwärts.

Die Songs umspannten von hartem Rock bis groovenden Blues die gesamt Bandbreite von allem, was der klassische Rock der 70er zu bieten hat.
Aber: das wirkte nicht eine Sekunde aufgesetzt oder gekünstelt sondern absolut authentisch! Das war wirklich gut und ich kann mich nur an ganz wenige Vorgruppen erinnern, die bei mir einen so positiven Eindruck hinterließen.

Und weil das so ist: das aktuelle Album „Great Western Valkyrie“ habe ich mir umgehend als Vinyl bestellt!

Deep Purple
Die Bühne ist angerichtet

So begeistert ich eben noch von der Vorband war (und noch immer bin!), so schnell war das vorübergehend vergessen, als DIE Band dann auf der Bühne erschien. Und auch wenn sie mich nicht per Handschlag begrüßten, so war es doch einmal mehr ein „Wie g… ist das denn“-Gefühl! Nach einem dramatisch-klassischen Intro aus der Konserve ging es wam-bam-thankyou-mam: „Highway Star“, „Bloodsucker“, „Hard Lovin’ Man“ und „Strange Kind of Woman“. Mit diesem brachialen Viererpaket zum Auftakt, in pausenlosem Übergang und ohne weitere Worte, überrollten Deep Purple das altersmäßig gut durchmischte Publikum. Dann eine kurze Begrüßung und der Hinweis von Ian Gillan, das nach diesen „experimentellen Jazz-Nummern jetzt der Country-Teil begänne“… mit „Vincent Price“! Ein immer wieder unglaubliches Tempo, eine Rasanz, Brutalität und Hingabe, als wäre dies bereits das Finale.

 

Ian Gillan ist dieses Jahr siebzig Jahre (70!) alt geworden und wir Endfuffziger („Jungspunde“) jammern über kaputte Knie oder zwickenden Rücken.

Ian Gillan: Alt? Wer ist hier alt??

Angesichts dieser Bühnenperformance will ich dieses Thema in Zukunft erst einmal zurückstellen, toi toi toi!
Und die „Jungs“ wissen, mit ihren Kräften hauszuhalten. Weil Deep Purple, statt einen Gang zurückzuschalten, die Kräfte auf die jeweiligen Solonummern verteilen. Solange der eine Musiker sich in epischer Breite ausgießt, können die anderen verschnaufen, um hernach mit neuer Kraft loszulegen. Und da gibt es genug zu bewundern: Ian Paice darf sich mit Leuchtsticks am Schlagzeug austoben, Steve Morse schreitet auf hymnisch-ätherischen Gratwanderungen von einem Gitarren-Gipfel zum anderen und Don Airey zelebriert eine Salon-Tastenlöwennummer, bei der er sogar das Deutschlandlied verwurstet.

Roger Glover: Vier Saiten reichen völlig aus!

Und zu guter Letzt (im Zugabenteil!) zeigt Roger Glover allen Luftgitarristen, was man alles mit einer Bassgitarre spielen kann. Wahnsinn!

Der Sound war brillant, die Light- und Videoshow einfach und eindrucksvoll: auf einer Riesenvideowand hinter der Bühne wurde aus diversen Bühnenkameras und Einspielern das Geschehen auf der Bühne unterstützt und verstärkt. Leider war das Bild der Kameras nicht ganz synchron. Dies fiel zumindest vorne an der Bühne auf.

Die Songauswahl umfasste die bekannten Klassiker sowie drei Stücke vom letzten „Now What ?!“-Album. Für mich, wie so häufig, etwas unbefriedigend. Es gibt doch noch so viele andere tolle Nummern. Aus der Steve Morse-Zeit gibt es jede Menge Perlen und auch vom letzten Album hätte man durchaus noch den einen oder anderen Song spielen dürfen.

Nicht unbedingt „Above And Beyound“ als Widmung an Jon Lord, vielmehr „All The Time In The World“ oder „Body Lines“? Und von den ganz alten Sachen würden sich auch viele Fans über „Flight Of The Rat“, „Place In Line“ oder auch „Smooth Dancer“ freuen. Aber ich vermute, hier zollt man dem Mainstreamfan Tribut.

Letztlich wurde ich dann doch noch belohnt(?): vor der Halle versuchte sich nach dem Konzert ein Strassenmusiker an „Child In Time“. Es gibt Dinge, da sollte man die Finger von lassen. Ehrlich!

Von den T-Shirts der Strassenverkäufer konnte ich dann allerdings nicht die Finger lassen. Drinnen kosteten die offiziellen Tour-Shirts 25,-€ bis 30.-€. Vor der Tür der Halle fanden die Shirts der fliegende Händler für einen 10er reißenden Absatz.

Pressestimmen

Der Hardrock von gestern ist der von heute

Von Tino Lange (Hamburger Abendblatt)

Die Hardrock-Pioniere gaben 6000 Fans das Gewünschte: Zwei Stunden lang Klassiker, unterbrochen von dem einen oder anderen Solo.

Hamburg. Als Deep Purple 1984 das Comeback-Album "Perfect Strangers" veröffentlichte, unkten manche Kritiker schon über "Altherrenrock". Jetzt, 31 Jahre später, sind die britischen Hardrock-Urgesteine noch reifer geworden, aber immer noch nicht reif für die Rente.

Ob in Wacken im Jahr 2013 oder am Montag in der Hamburger Barclaycard Arena - Ian Gillan, Ian Paice, Roger Glover, Steve Morse und Don Airey gehen einfach raus und spielen, als müssten sie die legendäre Live-Platte "Made In Japan" von 1972 in den Schatten stellen. Das ist zwar unmöglich, aber "Highway Star", "Strange Kind Of Woman", "Space Truckin'" und "Smoke On The Water" brettern auch heute noch. Die 6000 Hamburger Fans freut es.

Zwischen die Klassiker streut Deep Purple mit "Vincent Prize", "Uncommon Man" und "Hell To Pay" noch Songs des aktuellen Albums "Now What?!" und natürlich noch das eine oder andere Solo für jeden mit Instrument, dann geht es nach zwei Stunden und "Black Night" wieder hinaus in die Nacht. Und falls Deep Purple mal nicht mehr ist, werden klasse Bands wie die Rival Sons aus dem Vorprogramm die Lücke füllen. Rock bleibt.

 

Konzert

Metal oder nicht Metal, das war hier die Frage…

Nightwish

18.11.2015, „Endless Forms Most Beautiful“-Tour, Barclaycard-Arena, Hamburg

Es sind knapp 10 Jahre vergangen, seit ich mit unserem Ältesten zum ersten Mal bei Nightwish war, damals noch mit der unglaublichen Tarja Turunen. Seitdem hatten Nightwish mit der aktuellen Sängerin Floor Jansen bereits die dritte Sängerin in der Band und das aktulle Album „Endless Forms Most Beautiful“ hatte mich neugierig gemacht. Ein Anruf bei Sohnemann und Wochen später ging es in dergleichen Besetzung wie 2005 in die … Barclaycard-Arena. Auf der Karte stand zwar noch O2-World, aber nichts ist ja so beständig wie der Wandel.

Was war das denn?

Arch Enemy:
„Melodic-Death-Metal“!
Was daran „Melodic“ sein sollte?

Dort verpassten wir die erste Band, nach der Äußerung eines anderen Besuchers war das jedoch kein Verlust. Erleiden mussten wir dann Arch Enemy. Laut Wikipedia eine „schwedische Melodic-Death-Metal-Band“, was auch immer das sein soll. Alleine „Melodic-Death-Metal“! Es war eine Menge Krach mit einer blauhaarigen Sängerin, die sich dem Growling („Growling im Gesang bezeichnet tiefe sowie aggressiv-helle, meist geschriene Vocals in einigen Genres des Metal“, Wikipedia) widmete. Sorry, dieses Grunzen und Geröhre kann ich schon bei Männern nicht ab. Einer Frau dabei zuzuhören… dann kann man auch gleich auf die Gitarren verzichten und stattdessen mit einer Motorsäge Musik machen. Soll es ja geben… Im Internet hatten einige Fans diese Reaktion offenbar geahnt: „Wir freuen uns schon jetzt auf die Gesichter, wenn Nightwish-Jünger der Mainstreamfraktion, diese Abrissbirne von einer Band vor den Latz bekommen…“, metaltalks.de

So, nun aber: Nightwish

Floor Jansen:
Tolle Sängerin, die keinen Vergleich zu scheuen braucht!

Die mittlerweile sechsköpfige Band um Tuomas Holopainen schafft immer wieder den Spagat zwischen treibenden, hämmernden Riffs und dem Eintauchen in hymnische, teilweise schlagerhafte Melodien. Eine Mischung die sicherlich nicht jedermanns Sache ist und mit dem Begriff Symphonic Metal auch nicht ausreichend definiert ist. Manchmal klingen Sie einfach zu banal und seicht, um dann ganz plötzlich doch noch die Kurve zu kriegen. Diese Mischung macht aber Spass, auch wenn es im Konzert hin und wieder zu Längen kommt. Vielleicht sollte Holopainen seine Komposition etwas weniger ehrgeizig anlegen? Egal, an diesem Abend hat es wieder locker für ein sehr unterhaltsames Konzert gereicht. Die neue Sängerin Floor Jansen machte ihre Sache sehr gut, wenngleich der häufig eingesetzte Kopf-„Rotor“ ein klein wenig aufgesetzt wirkte. Aber singen kann sie!

Tuomas Holopainen:
Dass er der Kopf der Band ist, steht ausser Frage. Aber muss das so oft erwähnt werden…?

Nightwish 2015 sind:

Keyboards – Tuomas Holopainen
Gitarre, Bass, Gesang – Marco Hietala
Gesang – Floor Jansen
Gitarre – Emppu Vuorinen
Schlagzeug – Kai Hahto
Uilleann Pipes, Tin Whistle, Gesang – Troy Donockley

 

Troy Donockley (im Hintergrund)
Er sorgt für ungewöhnliche Klänge in einer Metal-Band

Die Band selber spielte wie aus einem Guß und der neue(?) Instrumentalist (Uilleann Pipes, Low Whistles, Bodhran, Bouzouki, Gesang) Troy Donockley gab einigen Songs Farbtupfer, wie man sie bei einer Metalband nicht erwarten konnte. Teilweise hatte es schon etwas von Blackmore’s Night. Aber solange Nightwish nicht im ZDF-Fernsehgarten auftreten, soll es mir recht sein.

Das Ende des Konzerts war ebenso ungewöhnlich. Als letztes Stück wurde „The Greatest Show on Earth“ angestimmt. Dieser 25-Minuten-Longplayer entzieht sich bereits in der Studioversion jeder Schublade: Rick Wakeman trifft Wagner trifft Death Metal (?) trifft Hollywood… vielleicht genau die Quintessenz von Nightwisch. Da jubilieren die Chöre, (Synthi)-Geigen stimmen Hymnen an und ständige Tempowechsel oder Soundcollagen verhindern durchgängiges Headbangen oder Mitklatschen.

Das ist eher der gute alte Progressive-Rock und ich fand es genial. Dazu eine Lightshow, die mit vier Videowalls (eine oberhalb der Bühne über die gesamte Breite, darunter drei kleinere) den perfekten Hintergund für diesen epischen Sound lieferte. Nach dem letzten Akkord kam die Band an den Bühnenrand, verbeugte sich noch einmal, ein letztes Winken und die Bühne war leer. Dann hörte man die Schlußworte von „The Greatest Show on Earth“ und im Saal ging das Licht an. Ungewöhnlich? Sicherlich anders als bei vielen anderen Bands. Aber Nightwish ist sicherlich auch anders als andere Bands.

Setlist

  • Shudder Before the Beautiful
  •  Yours Is an Empty Hope
  •  Ever Dream
  •  Wishmaster
  •  My Walden
  •  The Islander
    (eingeleitet durch Marco Hietala)
  • Élan
  • Weak Fantasy
  • 7 Days to the Wolves
  • Alpenglow
  • Storytime
  • Nemo
  • Stargazers
  • Sleeping Sun
  • Ghost Love Score
  • Last Ride of the Day
  • The Greatest Show on Earth

Fazit

Metal umfasst mittlerweile ein so weites Spektrum an Stilelementen, das Folk, Rock, Pop und sogar Operngesang eingebaut werden können. Sicherlich nicht jedermanns Geschmack. Nightwish nutzt dieses Spektrum bis an die Grenzen aus: Ihr „Symphonic Metal“ vermengt so viele Stile, dass mir manchmal die Orientierung fehlte. Bei Arch Enemy (s.o.) fällt es einem wesentlich leichter Stellung zu beziehen.

Aber genau das macht ein Nightwish-Konzert für mich so spannend. Wenn man (wie ich) nicht alle Alben auswendig kennt, dann ist jeder Song eine Überraschung. Und die Darbietung ist (unabängig vom Geschmack) optisch und akustisch jeden Cent wert. Bis zum nächsten Nightwish-Gig wird es hoffentlich nicht wieder 10 Jahre dauern!

Nightwish 2015:
Der Jubel war absolut berechtigt!
Pressestimmen (leider nur aus Stuttgart!)

Die Schleyerhalle feiert den neuen Sound

Beim Gastspiel von Nightwish in der Stuttgarter Schleyerhalle zelebrieren 8000 Fans das neue Album. Den Opern- oder Popgesang früherer Jahre vermisst niemand, die finnische Symphonic-Metal-Band hat sich nach 19 Jahren einmal mehr neu erfunden.

(Quelle: Rafael Binkowski  auf stuttgarter-zeitung.de)

Das muss man sich erst einmal trauen: Die finnische Symphoninc-Metal-Band Nightwish verzichtet für ihre Welttournee zum neuen Album „Endless Forms The Beautiful“ komplett auf einige ihrer größten Smash-Hits,  und wagt stattdessen einen Spagat zwischen vielen neuen Titeln und einigen ganz alten. Die Fans der Formation um den begnadeten Komponisten Tuomas Holopainen sind aber weder durch solcherlei Innovationen noch durch den mehrfachen Austausch der Front-Sängerin zur Untreue anzustiften. Das wird beim Konzert in der Schleyerhalle am Donnerstag vor gut 8000 Zuschauern deutlich. Gerade die Stücke aus jüngster Geschichte erhalten am meisten Zuspruch, sieht man vielleicht vom Dauerbrenner „Nemo“ ab.

Als kurz vor Ende das Uralt-Lied „Stargazers“ erklingt, ist das eine Hommage an den opernhaften Soprangesang über knallharten Metal-Beats, wie es in den ersten elf Jahren der Bandgeschichte üblich war. Ja, eigentlich hat Nightwish durch die markante Opernstimme der ersten Sängerin Tarja Turunen erst ihren Unique Selling Point erhalten, weil sich die Finnen dadurch in der Szene von anderen abgehoben haben. Doch der Rückgriff auf die Vergangenheit wirkt fast wie ein Abschied.

Denn diese Ära klingt musikalisch sonst allenfalls nur noch in kurzen Passagen etwa bei „Storytime“ an. Aber auch die Zeit der umstrittenen schwedischen Sängerin Anette Olzon, deren Stimme eher für Popsongs denn für Rockarien geeignet war, scheint abgeschlossen zu sein: Nur wenige Songs wie der reichlich basslastige „7 Days To The Wolves“ werden aus der Olzon-Zeit zwischen 2007 und 2012 eingespielt. Aber der Erfolg von Nightwish steht und fällt offenbar mit dem Genius von Tuomas Holopainen, dem es seit 19 Jahren immer wieder gelingt, neue Meisterwerke symphonischer Metal-Musik zu schaffen.

Erfolgreich mit neuem Sound

Gleich zwei neue Lieder zu Beginn unterstreichen das. „Shudder Before The Beautiful“ etwa ist eine Hymne, ein symphonisches Klangspektakel mit allen Zutaten für einen Hit. Geigenklänge, ein warmes Cello, dramatische Chor-Einwürfe, harte Gitarrenriffs – der Song wie das neue Album bieten alles, was der Nightwish-Fan gerne hört. Zwar erinnert das Lied ein wenig an frühere Titel wie „Dark Chest Of Wonders“, aber es ist eben auch schwierig, sich treu zu bleiben und gleichzeitig völlig neu zu erfinden. Die neuen Titel ziehen das Publikum gleich in ihren Bann, es werden heftig lange Haare geschüttelt, mitgesungen, mitgetanzt bis 23 Uhr.

Dass dies alles gelingt, hängt auch mit der neuen Sängerin Floor Jansen zusammen, die seit 2013 an der Front steht. Die 34-jährige Holländerin hat eine beeindruckende Bühnenpräsenz, und kann mit ihrer Stimme sowohl die hohen Opernpassagen präsentieren als auch die Halle mit ihrer Energie in Verzückung versetzen. Sie ist sozusagen die Synthese von Tarja Turunen und Anette Olzon, und scheint perfekt für die aktuelle Schaffensphase von Holopainen zu passen. Man muss hoffen, dass ihr eine längere Verweildauer in der Band gegönnt wird als der Vorgängerin.

Optimal passen auch die großzügig ausgestreuten Pyro-Effekte, die epischen Landschaftsbilder auf den Monitoren und die discoartige Lightshow zu der Inszenierung auf der Bühne.

Was gäbe es zu kritisieren? Nun, zugebenermaßen entfaltet Floor Jansen bei den extremen Sopranpartien manchmal nicht das Potenzial, das Tarja Turunen hatte, die immerhin ausgebildete Opernsängerin war. Und manchmal wirken die endlos langen, dramatisch ausgewalzten Lieder vielleicht etwas zu überdehnt. Das gilt vor allem für den 24 MInuten langen Schlusssong, der unbescheiden „The Greatest Show On Earth“ heißt, gleichzeitig der letzte Titel des neuen Albums.

Ein Denkmal für den Bandleader

Tuomas Holopainen wird von einem Bandmitglied als „Kapitän“ angekündigt, spielt minutenlang verträumt auf dem Keyboard ein Intro zu dem Song, bevor ein Feuerwerk aus Blitzen, Feuerstößen, Trommelwirbeln und Elefantenbildern auf dem Monitor losbricht. Es scheint, als wollte sich der Kopf der Band selbst ein Denkmal setzen und alle kompositorische Kraft in dieses furiose Finale stecken. Damit toppt er sogar frühere Endlosnummern wie „The Poet And The Pendulum“, die bereits kleine Romane waren. Das mag verspielt wirken, fast wie ein Zeichen von Hybris.

Aber andererseits ist es auch genau das, was die Anhänger von Nightwish erwarten. Großes Drama. Epische Erzählung. Himmel und Hölle. Gut und Böse, die ganze Welt in einem Song, ein Universum in der Nussschale. Am Ende geht diese Rechnung einmal mehr auf, und irgendwie freut man sich schon jetzt auf das nächste Album der Finnen. Zunächst geht es mit der Tour aber nach Stuttgart erst mal nach Osteuropa, Asien, Australien, die USA und Russland – und scheinbar unaufhaltsam nach oben.

 

Konzert

Awesome

Kiss

02.06.2015, 40th Anniversary Tour, O2-World, Hamburg

Nun war ich endlich auch einmal bei bei Kiss!
Bei K i s s !!! Jahrelang hatten mich diese Kostümparty mehr abgeschreckt als begeistert.
Und ich glaube auch noch immer nicht, was ich gesehen habe.
Objektiv betrachtet standen dort auf der Bühne vier seltsam geschminkte ältere Herren in merkwürdigen Kostümen und spielten Songs aus den 80ern.
Wer um Himmelswillen kann aber bei Kiss objektiv sein… ich nach diesem Konzert nicht! Nach so vielen Jahren, in denen ich in vielen und unvergesslichen Konzerten war, kam ich mir vor, wie ein absoluter Newbie. Und auch wenn ich kein Mitglied der Kiss Army werde, ab sofort finde ich diese Band uneingeschränkt gut!

Das war Rock’n’Roll-Entertainment made in Hollywood, eine Show vom Allerfeinsten und die Effekte, die gestern nicht gezeigt wurden, müssen wohl noch erfunden werden.
Aber kurz der Reihe nach. Unsere Plätze waren nicht im „Headbangers Paradise“, also nicht an der Bühne, dafür konnten wir die Show und alle Effekte wie im Kino erleben.

Als Vorgruppe traten die Dead Daisies auf, solider Hardrock. Kann man sich sicherlich noch einmal genauer anhören. Das Deep Purple-Cover „Hush“ und der Beatles Klassiker „Helter Skelter“ kamen in der harten Version wirklich gut rüber.

Dead Daisies
Genug der Vorrede!

Um 21:25 Uhr ging das Licht aus, mit einem Urschrei erfuhren wir sinngemäß „Ihr wolltet das Beste… jetzt kriegt ihr es!“ („You wanted the best, you got the best“). Und dann ging es mit Blitz und Donner, Feuer und Blut, Konfetti und Papierschlangen und mit Rock’n’Roll durch die nächsten 90 Minuten.

Die meiste Zeit war ich entweder am Grinsen oder sang lauthals mit. War ich das wirklich? Kannte ich diese ganzen Kiss-Songs tatsächlich? Allem Anschein sind die Songs dieser Band doch viel mehr als nur die Beilagen zu dem Maskenball auf der Bühne. Die überwiegende Anzahl ihrer Lieder hat man als Rockfan irgendwie schon immer gekannt und sie funktionieren live wirklich perfekt!

„You wanted the best, you got the best“

Die Melodien sind eingängig, die Refrains können vermutlich in jeder Sprache schnell erfasst werden und so singt/schreit/brüllt die ganze Arena „Shout it out….. shout it out loud“ oder „Lick it up“. Zwischendurch sind wir (das Publikum) „das beste“ oder „das lauteste“ Publikum der Welt, auf jeden Fall sind wir „awesome“. Das scheint denn auch Paul Stanleys Lieblingswort an diesem (?) Abend zu sein.

Was die alten Männer bzw. The Demon, The Starchild, The Spaceman und The Cat auf der Bühne bieten, ist perfekte Unterhaltung. Ob „The Demon“ Gene Simmons Blut spuckt um anschließend mit Gitarre unter das Hallendach fliegen, „The Spaceman“ Tommy Thayer während des Gitarrensolos Raketen verschießt oder „The Starchild“ Paul Stanley über die Köpfe des Publikums auf eine Drehbühne mitten in der Arena schwebt… pausenlos passiert irgendetwas auf der Bühne und trotzdem rockt ein Song den nächsten. Die Frage bei Kiss-Konzerten ist nicht, was kommt – sondern, wann es kommt.

Es ist ein Kindergeburtstag auf allerhöchstem Niveau und dermaßen überdreht, dass man weder die Texte noch das Blut oder die Masken ernst nehmen kann. Dazu kommt eine Bühnentechnik, wie man sie auch nur ganz selten erlebt: gigantische LED-Wände, die sogar unterm Bühnendach aufgehängt waren und die Bühne mal zur lodernden Feuerhölle oder zum gläsernen Würfel werden ließen. Dazu Laser, Flammen, Nebel, Böller…. ich wiederhole mich.

Wie gesagt: grinsen und singen und staunen und grinsen und singen und…. plötzlich waren die 90 Minuten vorüber. Noch einmal wurden mit „I Was Made For Loving You“ und „Rock and Roll All Nite“ alle Register gezogen: das Schlagzeug mit „The Cat“ Eric Singer hob sich in die Höhe, „The Demon“ Gene Simmons und „The Spaceman“ Tommy Thayer schwebten auf langen Auslegern über dem Publikum, während „The Starchild“ Paul Stanley mit der Gitarre den Takt für die Schlussböller schlug… (gab es überhaupt einen Song der nicht von Explosionen eingeleitet oder beendet wurde??).

Dann Konfetti, Luftschlangen, Nebel, Flammen…. Licht aus. Und aus der Konserve erklang leise(r) „God Gave Rock ’n‘ Roll to You“

Willkommen im wirklichen Leben!

Zum Schluss noch ein paar Fakten

Der Sound war (zumindest auf unseren Plätzen) sehr gut. Trotz der Lautstärke waren alle Bandmitglieder deutlich zu hören. Hin und wieder wurde der Gesang etwas schwächer (im Sinne von „leiser“). Vielleicht ein technisches Problem? Im Gegensatz zu einem anderen Topact in dieser Halle, war der Unterschied atemberaubend… bei gleicher Lautstärke lagen Lichtjahre zwischen Iron Maiden und Kiss. Vielleicht sollten sich die Techniker der Bands einmal austauschen? Zu Kiss würde ich auf jeden Fall noch einmal gehen!

Die Setlist umfasste alle Phasen der Bandgeschichte:

  • Detroit Rock City
  • Deuce
  •  Psycho Circus
  •  Creatures of the Night
  •  I Love It Loud
  •  War Machine („The Demon“ spuckt Feuer)
  •  Do You Love Me
  •  Hell or Hallelujah
  •  Calling Dr. Love
  •  Lick It Up
  •  Bass Solo („The Demon“ spuckt Blut und fliegt)
  •  God of Thunder
  •  Parasite
  •  Love Gun
  • Black Diamond

Zugabe

  •  Shout It Out Loud
  •  I Was Made for Lovin‘ You
  •  Rock and Roll All Nite
  •  God Gave Rock ’n‘ Roll to You II (vom Band)

Und um mit den Worten von Paul Stanley zu schließen:

Kiss waren „awesome“!

Pressestimmen

You Wanted the Best, You Got the Best!! The Hottest Band in the World KISS!!!

(Quelle: Konzertreview auf http://kr.360k.de)

Diese Ansage ist genauso Kult, wie die Band selber. Seit 40 Jahren rocken KISS die Bühnen der Welt und sind ein Phänomen der Selbstvermarktung. „Kiss will never die“, sagte Bassist Gene Simmons einmal und er wird damit sicherlich Recht behalten. Es gibt eigentlich nichts, was es nicht von der Band gibt und käuflich zu erwerben ist.

Im Mittelpunkt steht aber trotzdem weiterhin die Musik und die spektakulären Liveshows die Kiss ihren Fans immer wieder präsentieren. Bombastische Bühnenbilder, reichlich Pyrotechnik, dazu phänomenale Licht- und Laserspiele und dazu vier Musiker, die sich hinter ihrer Maske verstecken und reichlich Hits dabei haben.

So war es auch in Hamburg, wo Kiss die ausverkaufte O2-World am Volksparkstadion rockten. Mit „Detroit Rock City“ und „Deuce“ legen sie los und lassen es dabei reichlich knallen. Allein bei den beiden ersten Songs wird die Arena in ihren Grundmauern erschüttert und die Fans feiern die Knaller-Show. Viele von ihnen sind originalgetreu geschminkt und auf Plateauschuhen unterwegs, einige haben ihre Kinder mit dabei. Kiss sind eben eine Band für jede Altersklasse und wird daher auch niemals alt werden.

Das Set besteht aus sämtlichen Hits der 40-jährigen Bandgeschichte. Ob mit „Pyscho Circus“, „War Machine“ oder „Dr. Love“ – Kiss werden gefeiert und fliegen in der Bühne, wie Gene Simmons bei „God Of Thunder“ oder über die Fans hinweg, wie bei „Love Gun“, als Paul Stanley über die Fans auf einer Art Seilbahn hinweg gleitet.

Zum Schluss wird die Party  noch einmal mächtig angeheizt und „Shout It Out Loud“, der Mega-Hit „I Was Made For Loving You“, sowie zum Abschluss „Rock’n’Roll All Night“, bei dem die Konfettikanonen angeworfen werden, folgen als Zugabenblock, bevor sich Kiss vom restlos begeisterten Hamburger Publikum mit einem lauten, letzten Knall verabschieden und ein absolutes Knallerkonzert zu Ende geht und die Fans mit „God Gave Rock’n’Roll To You“ vom Band seelig die Halle verlassen.

Kiss rockt o2 World Hamburg

(Quelle: http://www.hamburg-zwei.de)

Sie können es auch nach 40 Jahren noch! Mit Kult-Schminke, Plateauschuhen und ausgefallenen Kostümen haben Kiss die Hamburger o2World in einen Rockpalast verwandelt.

Die Stimmung war von Anfang an super und dementsprechend gut war auch das Konzert. Eine grandiose Show, geniale Musiker und gut gelaunte Fans haben das Konzert zu einem Highlight gemacht. Kurz bevor die Band auf die Bühne gekommen ist, hat ein großes Tuch mit "Kiss" Aufdruck die Sicht versperrt. Sobald dieses runter gefallen ist und die Band losgelegt hat, waren alle Fans hellauf begeistert und die Band hat alles, wofür sie steht, an den Tag gelegt. Neben Kostümen und Schminke wurde auch an Pyrotechnik nicht gespart. Aus allen Rohren wurden die Highlights abgefeuert und Feuersäulen sind passend zur Musik in die Luft geschossen. Gene Simmions Zunge war häufiger auf seinem Kinn als in seinem Mund.

Der Höhepunkt war natürlich der Erfolgssong "I was made for loving you" am Ende. Da gab es kein Halten mehr und selbst auf dem Weg nach Hause haben viele Fans noch in der Bahn gesungen.

Kiss & Dead Daisies

(Quelle: Steffen Frahm auf http://dremufuestias.de)

Auf dem Hinweg "The Elder" hören. Wieder seltsam berührt sein von "A World Without Heroes". Simmons singt es so schön. So traurig. So desillusioniert. So gänzlich erektionsfrei. Damit geben sie sich seit Ewigkeiten nicht mehr ab. Stand-Alone-Unterhaltungskrieg-Perpetuum-Mobile. Der 40. Bandgeburtstag geht ins 3. Jahr, und KISS haben sich längst aus gewissen Grenzen schnöden menschlichen Daseins befreit: Ihre Personae sind nicht mehr an monogame Symbiosen mit humanen Wirten gebunden und alterslos. Einmal angekommen auf diesem Existenzniveau braucht man sich um Raum und Zeit nicht mehr zu kümmern und kann daran rumzwirbeln, wie man gerade lustig ist.Und für Paul Stanley wird's womöglich Zeit, seinen verklärten Visionen von Kiss-ohne-ihn Taten folgen zu lassen. "Ich bumse die Würde!" blaffte Gene Simmons einst und daß man ihn schon tot von der Bühne wuchten müßte, mit hinterherschleifendem Umhang und Repti-Accessoires, klöter, bimmel. Stanley Bert Eisen und Chaim Witz, die Asterix & Obelix des theatralischen Hedo-Haudraufrocks. Der Eine hatte nie das stimmliche Format des Anderen, darum geht's ja auch nicht, und daß die Fallhöhe automatisch geringer ist...geschenkt, aber: Gene Simmons' Präsenz ist stabiler als die des Combo-Kapitäns. Er singt ziemlich genau 50% der Setlist, alles an seinem Platz, und selbst das Falsett ist gut in Schuß. Einmal setzt er sich ("Hier entlang, Mr. Simmons!" - "[grunz, schnauf]") zum Wassertrinken hinter ein direkt am Bühnenrand aufgestelltes, irgendwie nach Billigprodukt aussehendes Vorhanggestell. Und dann kriegt der Lakai den Vorhang nicht zu, und Simmons sitzt da relativ unglamourös wie Darth Vader auf der Parkbank. Semi-peinliche und wie versehentlich dazwischengerutscht wirkende Momente der Menschlichkeit in einem ansonsten durchweg abgekarteten Mehrgenerationenkonzert.

Hingegen Paul Stanley, Dekaden lang ohne Signature-Showeffekte (Blut, Feuer, Hasenkostüme) der allen Rapport bei sich bündelnde FRONTMANN, verkommt immer mehr zum Conférencier und verschwindet zwischendurch für seine Verhältnisse fast. Den unempathischen Dienstleistungscharakter seiner Crowd-Animationen als echtes Rock'n'Roll-Engagement zu kaschieren, das fällt hör- und sichtbar noch schwerer, wenn man eigentlich am liebsten die eigene, aufgeräumte Erzählstimme den Job tun lassen möchte. Kaum Rückzugsräume da, in denen man aus der Not eine Tugend machen könnte - eigentlich nur "I Was Made For Loving You", das er in der gleichen Lage singt wie auf der "Dynasty" (Eric Singer übernimmt den Chorus). Auf "Alive III" ging das noch 2 Oktaven höher, aber das ist ja auch 22 Jahre her.

Leuten, zumal Leuten, die solchen Freizeitbeschäftigungen nachgehen, ihren eigenen Alterungsprozeß vorzuwerfen, finde ich immer selbstgerecht und leicht, aber Stanleys Stimme ist einfach im Arsch. Es schmerzt, wenn er sich "Don't wanna wait till you know me better" rausquält und en passant "Lick It Up" anzählt. Der Song ist dagegen total gewachsen, und das "Won't get fooled again"-Zitat, das Tommy Thayer und er auf der Hebebühne runterpicken, gehört gitarristisch und überhaupt zu den schönsten Momenten des Abends - bis zu der Stelle, wo der orgiastische Katharsis-Schrei kommt. Kröchz...Vielleicht lieber ein Sample einspielen, kratzt keine Sau, nehm ich mal an.

Weiteres Highlight: "Do You Love Me", schon immer einer meiner ewigen Kiss-Faves. Über den mit LEDs tapezierten Bühnenhintergrund flackern chronologisch getaktete Bilder aus der Bandhistory, von ersten Versuchen mit Flokatis und Klobürsten in den 70s bis ins Jetzt. Dazwischen fehlt nichts, nicht mal Vinnie Vincent (Ob es Fans gibt, die mit güldenem Ankh auf der Nase aufs Kiss-Konzert gehen?). Wer Chuck Klostermans großartigen Road-Roman "Eine zu 85% wahre Geschichte" gelesen hat, weiß, daß "Do You Love Me" prototypisch ist für Stanleys virtuelle Beziehungsgestaltung: Er versteht, daß man als Anwärterin ganz schön geblendet sein kann von seinem Ruhm, seinen Plateau-Risern, den langen Haaren, der Art, wie sich die Reifen drehen, und diesem Ozean aus Schotter; aber Solche brauchen erst gar nicht bei ihm anzukommen, denn er will bei aller frohgemuten Promiskuität doch ob seines Menschseins geliebt werden. Ein konservativer Geist, dieser Mann mit dem in die Bauchbehaarung reinrasierten Sechserpack. Und ein Romantiker. Swoon.

Gene Simmons ist da ganz anders. Fans kennen das ebenfalls auf "Destroyer" befindliche "Great Expectations": Es toppt mit seiner pompösen Orchestrierung, noch mehr mit dem unschuldig jubilierenden Kinderchor, eigentlich sämtliche Gene-Simmons-Stücke (oder sollte ich gleich "-Nummern" sagen?), in denen es darum geht, daß er und sein Geschlechtsteil Buschemanns Geschenk an die Jungfrauen dieser Welt sind. Die klebrige Feierlichkeit, die der Song von sich wirft wie ein Roter Riese seine Gashülle, verklärt den Moment der durch Dr. Love-Simmons fachmännisch vorgenommenen Defloration zu einem säkularen Akt. Gene Simmons als schwellkörpergewordener Gott des Sexus, der seinen heiligen Flaschengeist großzügig ausschüttet und die Mädels so auf die nächste Seinsebene schaukelt. Nun ja. Der andere "Destroyer"-Repäsentant ist natürlich das etwas hüftlahm geschaffelte "Detroit Rock City". Und nicht "Great Expectations". Ansonsten weitestgehend one song per album, vom überbewerteten "Creatures Of The Night" gibt's ganze Drei, unter denen mir das quasi-doomig geriffte"War Machine" wegen der animierten Lego-Krieger auf der Video-Tapete am besten gefällt.

Gut, daß sie die klassischen Programmlangweiler einer jeden groß angelegten Rockshow, Gitarren- und Drumsolo, zurechtgestutzt haben: Der makellos aufspielende und auf seine Art schon sehr cool daherkommende Besser-Ace Tommy Thayer darf 2 Raketen abfeuern, dafür spielt die Band vor dem eigentlichen Alleingang die instrumentale Coda von "Let Me Know", ganz wie auf der "Alive!", was ich einigermaßen geil finde. Und Eric Singer begnügt sich bestens gelaunt mit einer Situation permanenter Unterforderung: Neben und während seiner Servicetätigkeit für die Bosse kratzt er sich mittels in die Luft geworfener und milimetergenau sich ins Rückendekoltee schraubender Sticks den Pelz, sieht fern und brät sich auf der Floortom ein Ei. Man könnte ihn wohl auch in einen Sack stecken, ohne daß es groß was ausmachen würde. Sein Drumming ist spielerisch, es sieht aus wie Jonglieren; kein steady 4-auf-die-Auslegeware-Gerumse, wie es einer Hardrock-Band würdig wäre, und schon gar nicht metal wie zu "Revenge"-Zeiten. Damit hat sich Eric Singer sein Pendant zu Peter Criss geschaffen, der ja auch immer wie der irrtümlich auf den Wagenheber-Hocker geratene Dschingderassabumboy trommelte. "Paul Stanley...got you under my thumb..." singt er beim wie immer perfekt abgelieferten "Black Diamond", und das Sternenkind lächelt. Immer ma gut stellen mit dem Chef. Singer, nebenbei bemerkt, nicht der einzige Schlagzeuger heute Abend, der mit Ozzy resp. Black Sabbath gearbeitet hat: Auch Tommy Clufetos, der für jeden Schlag armlängeweit ausholende Drummer der Vorband Dead Daisies klöppelte für den Madman. Aber dieses All-Star-Kollektiv um John Kohlrabi und ein paar Ex-Beta-Guns+Roses-Arschlöcher hat man längst vergessen, wenn Paul Stanley zum Geknatter von "Love Gun" eine rotierende Zweitbühne im Mittelgrund der o²-Wörld anfliegt, diesem Ausbund seelenloser Eventhallen-Vieh-Abfertigung. Im Vergleich zu P!nk, die sich in 4 in die Hallenecken montierte Stahlseile einspannen läßt und damit die Lufttauglichkeit von Superman nahezu erreicht, sieht Stanley eher aus wie eine Transall, aber was soll es: Wenn er da oben steht, vom Verfolgerspot aufs Korn genommen, in seinem figurbetonten Kostüm, die verspiegelte Ibanez um und das Intro von "Black Diamond" croont, dann bubbert mein kleines Elfjährigenherz, und ich finde diesen Typen aus tiefster Seele toll. Und wenn zu "Rock And Roll All Nite" tausende unbeschrifteter Glückskeks-Zettel in der Luft schweben und sich drehen wie Propeller, dann bin ich für einen Moment weg von dieser Welt. Welche Band kann einem sowas geben? Ich wüßte keine.

Konzert

Die Zeitmaschine

The Musical Box

31.10.2014, SEBTP-Tour 2014, Glocke, Bremen

„Can You Tell Me Where My Country Lies?…

Plötzlich ist alles wieder da:

Die Diskussionen auf dem Schulhof über diesen oder jenen Riff, welcher Song auf welcher LP, Genesis oder Yes und „…hast Du schon auf der zweiten Seite den dritten Song…?“…

Ein paar Monate zuvor, beim Mittagstreff im Bistro, die hingeworfene Frage: habt ihr Lust? The Musical Box in Bremen, Genesis-Cover-Band, sind wirklich gut!

Na klar hatte ich Lust! Bei den ehemaligen Klassenkameraden überwog die Zustimmung ebenfalls, lediglich eine Minderheit grummelte etwas von Beamtenpop…

Der Irrtum konnte schnell aufgelöst werden. Es ging nicht um die Musik der Phil-Collins-Genesis, sondern um die einzig echte und wahre Genesis mit Peter Gabriel!

The Musical Box ist eine Band, die detailgetreu die Konzerte dieser Formation zwischen 1972 und 1976 rekonstruiert und live aufführt. Sie ist die weltweit die einzige Band, die dazu jemals eine offizielle Lizenz von Genesis und Peter Gabriel erhalten hat.

The Musical Box

In der nicht ganz ausverkauften Glocke in Bremen fanden wir unsere Plätze direkt hinter dem Mischpult… Gottseidank war der Saal nicht ganz ausverkauft. So setzten wir uns, nachdem das Licht erlosch, ein paar Reihen nach vorne. Das wäre sonst ein Grund zum Ärgern gewesen. Aber was soll’s!

Mit dem einsetzenden Mellotron („Watcher Of The Skies“) war das alles vergessen und mit dem sich steigernden Rythmus kamen die Erinnerungen (s.o.)!

Das war (oder besser ist!!!) eine Musik, wie sie vermutlich nie wieder in dieser Form geschrieben wird. In immer neuen Wendungen, Breaks und Stimmungswechseln entstehen Klangbilder, die sich in kein Stilkorsett zwängen lassen. Das alles wurde seinerzeit unter der Headline „Progressive-Rock“ vermarktet und mit dem aufkommenden Punk gegen Ende der 70er Jahre respektlos zu Grabe getragen.

„Selling England by the Pound“ gehört zu den einflussreichen Progressive-Rock-Alben aller Zeiten und als Genesis 1973 damit auf Tournee gingen, hatten sie fast den Gipfel dieser Phase erreicht… mit dem „Lamb-Lies-Down“-Album sollte noch ein letzter Höhepunkt (bezogen auf diese Phase der Band!) folgen.

Zurück zum Konzert: was viele Coverbands nicht erreichen oder auch nicht erreichen wollen, gelingt „The Musical Box“. Es ist die perfekte Illusion. Diese virtuosen kanadischen Musiker erzeugen eine Magie(?), in der man bereits nach wenigen Minuten glaubt, die „echten“ Genesis wären mit einer Zeitmaschine aus der Vergangenheit geholt worden. Hier stimmt fast alles: Licht, Sound, Kostüme, Gestik und sogar die Ansagen von „Peter Gabriel“ klingen authentisch. Die Setlist ist natürlich ebenfalls 1:1 der damaligen Original-Tournee abgeschaut:

Setlist:

  • Watcher of the Skies
  • Dancing With the Moonlit Knight
  • The Cinema Show
  • I Know What I Like (In Your Wardrobe)
  • Firth of Fifth
  • The Musical Box
  • Horizons
  • The Battle of Epping Forest
  • Supper’s Ready

Zugabe

  • The Knife

Mit dem letzten Akkord der Zugabe wurde diese Illusion auch durch die Band aufrechterhalten. Es folgte weder eine Vorstellung der wahren Musiken noch eine durchaus angebrachte Widmung den Originalen.

„Peter Gabriel“ (Gesang, Querflöte, Oboe), „Tony Banks“ (Keyboard, Gesang), „Phil Collins“ (Schlagzeug, Perkussion, Gesang), „Steve Hackett“ (Gitarre) und „Mike Rutherford“ (Gitarre, Bass, Sitar) entschwanden ohne ein Wort.

Vielleicht wartete die Zeitmaschine…

….said the unifaun to his true love’s eyes.“

Eine Spielwiese im Netz